Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Annika Kahrs, artiste berlinoise dont le travail interroge la musique comme force sociale, espace de dialogue et révélateur de tensions invisibles. Entre performance, film et installation sonore, elle explore la manière dont le son circule entre les corps, les institutions, les cultures — et ce qu’il nous dit de notre manière de vivre ensemble.

À la Biennale Son 2025, elle présente Les Fanfares, un film tourné dans la Salle du Grand Conseil à Sion. Pendant 22 minutes, des musiciennes et musiciens issus de fanfares valaisannes rejouent un héritage culturel aussi vibrant que paradoxal. Car ici, la musique n’est pas seulement une tradition festive : elle a longtemps été liée aux partis politiques locaux, tissant des alliances, des appartenances, des identités collectives.

Cette œuvre met à nu cette histoire complexe, révélant ce qu’elle dit d’un territoire mais aussi, en creux, d’une dynamique plus universelle : la manière dont les communautés musicales peuvent refléter, amplifier — ou parfois questionner — les structures de pouvoir.

Le film s’accompagne d’un journal spécialement conçu pour l’exposition. Archives, discours, coupures de presse : il retrace comment l’imbrication entre musique et politique, très forte au début du XXᵉ siècle, s’est progressivement effacée. Une disparition silencieuse, que Kahrs transforme en matière à écouter.

À travers Les Fanfares, Annika Kahrs poursuit son exploration des fonctions culturelles et sociales du son. Elle collabore avec des musiciens, des chercheurs, des techniciens du son, faisant de chaque projet un espace de co-construction. Ses œuvres observent comment la musique circule, ce qu’elle porte, ce qu’elle libère — et comment, parfois, elle devient le miroir de nos structures sociales.

En filmant, en enregistrant, en mettant en scène cette polyphonie humaine, Annika Kahrs nous invite à tendre l’oreille vers ce qui relie, vers ce qui a changé et vers ce qui persiste. Une manière d’écouter autrement les communautés, les histoires et les espaces qui composent nos vies quotidiennes.

Un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte.

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Pour la Biennale Son 2025, Arnaud Laporte rencontre Stephan Crasneanscki, artiste sonore et cofondateur du Soundwalk Collective. Avec Invisible Landscape, créé spécialement pour cette édition, il scrute la fragilité des paysages d’altitude et la manière dont le son révèle ce qui s’efface : glaciers, reliefs, traces humaines.

Ses voyages — du Groenland à l’Atacama en passant par les barrages alpins — nourrissent trois installations présentées à Chandoline.

La pièce principale, Invisible Landscape, mêle enregistrements de terrains menacés, guitare de Jim Jarmusch et voix de Charlotte Gainsbourg, Nan Goldin et Willem Dafoe lisant Rachel Carson. Le tout compose une méditation sur un monde en mutation.

Deux autres œuvres prolongent cette réflexion :

– Mercredi 12 sept. 2012, une pièce brève réalisée à Mauvoisin, diffusée par intervalles réguliers. Dans le hall, une œuvre visuelle occupe les grandes baies vitrées : des mots extraits des ouvrages de Rachel Carson, imprimés à l’envers sur le verre, que la lumière projette au sol. Selon l’heure, ils apparaissent plus ou moins nets — traces fantomatiques d’un savoir en train de s’effacer, suspendues entre mémoire et disparition.

– Mardi 13 sept. 2022 – Rolle, relecture sonore d’Opération Béton, projection intégrale du film enrichie d’un mix inédit de la voix de Godard et de matériaux sonores issus de ses archives.

À travers ces trois volets, Crasneanscki invite à écouter ce qui subsiste dans les silences du monde : archives sensibles, signes d’alerte, fragments de mémoire.

Un podcast Biennale Son, imaginé et réalisé par Arnaud Laporte.

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Dans cet épisode, nous partons à la rencontre de l’inventeur, directeur et curateur de la Biennale Son. Une conversation intime qui retrace les grandes lignes de son parcours et cette manière bien à lui de penser le son comme un espace d’expérimentation et de rencontre.

Il y dévoile aussi les coulisses de la programmation : comment se construit une édition, comment naît une vision artistique, et pourquoi il choisit d’inviter à chaque fois un·e curateur·ice associé·e pour ouvrir le champ, déplacer les regards et faire vibrer d’autres sensibilités.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Sébastien Robert, artiste sonore et chercheur, dont le travail relie art, science et cosmologies autochtones autour d’un même mystère : les sons des aurores boréales.

Depuis 2021, Sébastien Robert explore ce phénomène rare et longtemps nié par la science occidentale. À partir de témoignages issus de communautés de l’Arctique — du Canada à la Norvège —, il reconstitue une mémoire acoustique du ciel : celle d’un monde où la lumière chante, où la matière devient vibration.

À la Biennale Son 2025, il présente un ensemble d’œuvres interconnectées qui prolongent cette recherche :

– Electronic Evocations of Sound’s Reality, une vidéo mêlant récits autochtones et enregistrements électromagnétiques ;

– That Dance Between the Poles of Sound, qui révèle, par le sonogramme, la coexistence fragile entre signaux naturels et pollution électromagnétique ;

– The Sun, My Father, une installation synesthésique où la lumière des aurores traverse un cristal de quartz pour se transformer en son ;

– et Magnetic Fluctuations, un système génératif en temps réel, développé avec l’astronome Rob Stammes, qui traduit les variations de l’activité aurorale en une composition musicale.

À travers ces œuvres, Sébastien Robert nous invite à écouter autrement : à tendre l’oreille vers ce qui disparaît, à percevoir l’invisible, à retrouver dans la vibration du monde une mémoire partagée entre ciel et terre.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Eric Hattan, artiste suisse né en 1955 et basé à Bâle. Depuis les années 1980, il détourne avec humour et acuité les objets du quotidien, les espaces urbains et les architectures, révélant l’inattendu dans l’ordinaire.

À la Biennale Son 2025, il présente notamment Unplugged (The Köln Concert at Hotel Chelsea) (2024), une installation vidéo composée de cinq écrans suspendus dans la cage d’escalier. Le mélange des sons produits par les vidéos — un bruissement proche d’une cascade — crée un environnement immersif et méditatif. Dans cette série entamée dans les années 1990, Hattan filme ses mains retournant des emballages trouvés, capturant le son et le geste d’une transformation simple, poétique et critique à la fois.

Il expose également, en collaboration avec Oliver Senn, les œuvres Tour de S(i)on – ou: Chasse s’eau et Für Passanten, où l’eau et le son dialoguent selon des rythmes imprévisibles. Ces installations, entre sculpture et instrument, interrogent le flux, l’attente et la surprise, comme une partition ouverte à l’interprétation du lieu et du temps.

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À travers son regard, il interroge les liens invisibles entre musique, amitié et famille : que se passe-t-il lorsque ces relations affectives deviennent partie prenante de l’expression artistique ? Comment l’art peut-il se concevoir non seulement entre ami·es, mais aussi comme un geste d’amitié ?

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À la Biennale Son 2025, ils présentent Vocal Braid (2025), une installation immersive où verre, eau, porcelaine et dispositifs électroniques s’entrelacent pour donner corps à une réflexion sur la voix comme matrice de réalité. Inspirée aussi bien par les chants ancestraux que par la grenouille pacifique – dont le coassement a façonné notre imaginaire sonore collectif – l’œuvre tisse voix humaines, bulles d’air et fréquences fantômes en une architecture acoustique liquide. Chaque bulle, chaque souffle devient espace d’intimité, sphère sonore où se rejoue l’expérience originelle de l’écoute avant la naissance.

Cette pièce dialogue avec les écrits de la psychanalyste Jamieson Webster et du philosophe Peter Sloterdijk, et prend une résonance particulière dans le site de la Centrale hydroélectrique, lieu où l’eau se transforme en énergie. Vocal Braid se présente ainsi comme une méditation sculpturale sur la transmission, la mémoire et l’air que nous partageons, un fil tressé entre passé, présent et futur de nos voix.

À travers cette proposition, Dubbin & Davidson poursuivent leur exploration des relations entre environnement, technologies et formes de vie, en inventant des dispositifs où l’organique et le mécanique, l’intime et le collectif, se rencontrent et s’hybrident.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Tomoko Sauvage, artiste sonore née en 1976 et basée à Paris. Son travail, à la croisée de la nature et de l’électronique, déploie des paysages d’écoute immersifs et contemplatifs. Entre eau, céramique et hydrophones, ses instruments inventés donnent naissance à des sonorités fragiles, mouvantes, souvent imprévisibles, qui nous reconnectent à la matière et à ses vibrations invisibles.

À la Biennale Son 2025, elle présente Buloklok (2022), une installation composée de sculptures en verre, d’eau et de bulles mises en mouvement par un dispositif de pompes et de sons amplifiés. Véritable « garde-temps », l’œuvre mesure et met en scène les rythmes respiratoires de différents êtres vivants. Chaque cavité se remplit d’air et relâche ses bulles, produisant notes et pulsations selon la taille des volumes et la pression exercée. Inspirée des clepsydres antiques, Buloklok propose une autre expérience du temps : fluide, intime, pluriel – à l’image des temporalités de chaque organisme.

Cette œuvre prolonge la pratique performative de Tomoko Sauvage, qui fait résonner depuis plusieurs années des coquillages cauris comme instruments de bulles sonores. Elle interroge ainsi la mesure, la mémoire et le souffle du monde, dans un dialogue délicat entre la rigueur physique des phénomènes et leur poésie acoustique.

La réalisation des sculptures en verre a été confiée aux souffleurs Takashi Hamada et Silicybine. Les premières itérations de Buloklok ont été soutenues par Sonic Acts, Amsterdam, et co-soutenues par The 5th Floor, Tokyo.

À travers cette proposition, Tomoko Sauvage poursuit son exploration des matériaux vivants, de l’eau aux ondes, et invite à une écoute élargie où chaque bulle devient souffle, mesure et musique.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Bernard Blistène, historien de l’art et directeur honoraire du Musée national d’art moderne du Centre Pompidou, basé à Paris. Figure singulière de la scène artistique internationale, il mêle depuis toujours esprit de sérieux et goût pour l’irrévérence, s’attachant à « corriger les mœurs en riant », fidèle aux héritages de Dada, du Lettrisme, du Situationnisme ou de Fluxus.

À la Biennale Son 2025, il présente Un robinet qui s’arrête quand on ne l’écoute pas (2025), une conférence-performance qui traverse citations, échos et images en compagnie de Duchamp, Ionesco, Beuys, Reik, Cage ou encore Szendy. Entre blabla et pouët-pouët, entre jactances et gnagnagnas, il esquisse un art de l’écoute qui n’oublie pas de se taire, et qui assume volontiers l’humour comme l’esprit de sérieux.

Bernard Blistène vient récemment de publier des essais consacrés à l’Arte Povera, à la photographie, à l’Art brut, ainsi qu’aux dernières œuvres de Georg Baselitz. On lui doit également la conception de nombreuses expositions qui font référence : Danses tracées (1991), Poésure et Peintrie (1993), Poésie directe (1993), L’Esprit Fluxus (1995) ou encore Un Théâtre sans théâtre (2007). Avec le Nouveau Festival du Centre Pompidou (2009-2015), il inventa un laboratoire interdisciplinaire où se croisaient tambours, trompettes et esprits libres.

À travers cette proposition pour la Biennale Son, Blistène poursuit son compagnonnage avec les avant-gardes et les périphéries, faisant dialoguer mémoire et dérision, pensée et ver d’oreille, pour celles et ceux qui « connaissent la musique ».

Production : Biennale Son – Valais

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Philippe Quesne, metteur en scène et plasticien français né en 1970 et basé à Paris. Fondateur de Vivarium Studio, il invente depuis plus de vingt ans des mondes scéniques et visuels où se croisent théâtre, installation et musique, en explorant des écosystèmes à la fois humains et non-humains.

À la Biennale Son 2025, il présente Les insomniaques. Pianos préparés & Fantômes esseulés (2025), une installation inspirée de sa pièce Fantasmagoria (2022). Dans un étrange cimetière de pianos mécaniques dépareillés, il convoque spectres, lanternes magiques et apparitions fugitives. Cette fantasmagorie contemporaine, portée par les compositions de Pierre Desprats et les voix murmurées de poètes et spirites, réactive l’héritage des soirées fantomatiques de la fin du XVIIIe siècle.

Entre théâtre d’objets et rituel forain, Les insomniaques déploie un univers mémoriel et mélancolique où musique, fumées et images instables composent une expérience sensorielle et spectrale.

Production : Biennale Son - Valais, Vivarium Studio, Théâtre Vidy-Lausanne, Centre Pompidou.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Lara Dâmaso, artiste et performeuse née en 1996 et basée à Milan. À travers la performance, le chant, la vidéo et l’installation, elle explore les interactions entre corps, voix et émotions collectives, souvent liées à la mémoire, au rituel et au féminisme.

À la Biennale Son 2025, elle présente Transfers Through Shared Skins (2025) dans une version installative. Sa voix est transmise à une batterie par des transducteurs : la grosse caisse réagit aux graves, la caisse claire aux aigus, le charleston aux harmoniques. Au fil de la pièce, la voix se fragmente, se répète et se répartit entre les instruments, créant une polyphonie où le corps vocal se démultiplie.

Lara Dâmaso a également inauguré la Biennale avec une performance en direct, en dialogue avec le batteur Alex Lazaro. Ensemble, ils ont fait résonner voix et percussions dans un échange vibrant qui brouille les frontières entre instrument et interprète.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Basile Richon (né en 1990, basé à Bruxelles) et Rémy Bender (né en 1988, basé en Valais). Ensemble, ils développent une pratique artistique hybride, entre dispositifs mécaniques, expérimentations sonores et attention fine aux éléments naturels.

À la Biennale Son 2025, ils présentent Pluviophonie (2025), une installation sonore alimentée uniquement par l’eau de pluie qu’elle récolte et stocke. Constituée de modules identiques, elle utilise un système hydropneumatique pour produire des sifflements et générer un écosystème sonore inédit. En dialogue avec les vestiges de la centrale hydroélectrique, l’œuvre se déploie comme une reconstitution futuriste d’un biotope disparu et comme un rituel contemporain rappelant les anciens chants invoquant la pluie. Fragile et paradoxal, le mécanisme chante pour appeler l’eau tout en dépendant d’elle pour exister.

En parallèle, Basile Richon présente Réminiscence d’une mer (2024), inspirée d’un ver marin, Convoluta Rescoffensis, qui vit au rythme des marées. L’artiste transpose ce cycle en enregistrant les mouvements d’une marée sur la côte de la mer du Nord, gravés sur des disques d’aluminium. Un dispositif quadriphonique interprète ces données en fréquences sonores, comme un chant mémoriel à quatre voix, vestige sonore d’une mer disparue.

👉 Leur travail témoigne d’une même volonté : traduire les forces naturelles en langages sensibles, où se croisent poésie et science, mémoire et anticipation.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Rossella Biscotti, artiste italienne née en 1978 et basée à Bruxelles. À travers la sculpture, la vidéo, la performance et l’installation, elle explore des récits individuels et collectifs, en mettant en lumière les mécanismes de pouvoir et les structures institutionnelles.

À la Biennale Son 2025, elle présente The Journey (2023). Lorsqu’elle a reçu un bloc de marbre de 20 tonnes, elle a décidé de ne pas le sculpter mais de le libérer en mer. Transporté par bateau à travers l’Italie, Malte, la Tunisie et la Libye, le bloc a finalement été immergé en mai 2021. Ce geste ouvre un voyage qui interroge les routes migratoires, les frontières maritimes et les vestiges archéologiques engloutis.

The Journey entremêle chansons, voix de musiciens, pêcheurs et activistes locaux, le ronronnement des moteurs, le remous de la mer et les échos de la vie marine. Plus qu’une documentation, une expérience sensorielle et politique.

Un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Winter Family, le duo formé par Ruth Rosenthal et Xavier Klaine. Entre Jérusalem, Paris et Détroit, ils développent depuis 2004 un univers singulier, oscillant entre brûlots punk synthétiques et oraisons droniques aux allures d’office séculaire.

À la cathédrale Notre-Dame de Sion, ils présentent Sisters ! (2025), performance musicale et textuelle où orgue monumental et psalmodies multilingues transforment l’espace sacré en lieu de ferveur poétique et politique.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec John Armleder, artiste majeur de la scène contemporaine, proche du mouvement Fluxus et cofondateur du Groupe Ecart. Son œuvre, mêlant peinture, sculpture, performance et installation, interroge les hiérarchies esthétiques et cultive la liberté du geste et du hasard.

À la Centrale et au sommet du Silo de Sion, il présente No Instruction (2025), un hommage à John Cage : une pile de feuilles offertes aux visiteuses et visiteurs, et un drapeau monumental flottant au-dessus de la ville.

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Pour cette deuxième édition de la Biennale Son, Arnaud Laporte s’entretient avec Pierre Leguillon, artiste protéiforme et fondateur du Musée des Erreurs à Bruxelles. Son travail explore la production et la reproduction d’images, qu’il collectionne et assemble en constellations visuelles et sonores.

Au Manoir de la Ville de Martigny, il présente pour la première fois Erratum musical, la section musicale de son musée, consacrée aux objets imprimés de peu de valeur – cartes postales, affiches, pages de magazines, photos de films ou éphéméras.

Un épisode produit par le Manoir de la Ville de Martigny.

Un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte.

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Duo d’artistes-réalisatrices françaises, Julia Borderie & Eloïse Le Gallo font de l’expérience de l’altérité une condition de la création artistique. Depuis 2016 et sur un mode exploratoire, elles s’intéressent ensemble à l’interaction profonde que l’eau entretient avec les territoires qu’elle baigne, de la source à l’océan, en remontant à l’origine génésique des êtres qui y vivent et à l’origine géologique des matériaux dans le paysage.

Dans une approche documentaire poétique, l'œil de la caméra opère en catalyseur de rencontre, tout en questionnant les gestes humains qui façonnent matières et territoires. Au cœur d’un maillage de points de vue et de disciplines (techniques artisanales, géologie, chimie, biologie marine etc.) leur travail se développe à la croisée de la sculpture et du cinéma. Récemment, leur recherche les a amenées à s’interroger plus spécifiquement sur les complémentarités entre forme savante et forme sensible, dans des collaborations avec des scientifiques autour de formes générées par leurs outils technologiques de pointe. 

Accordages, saison 2, un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte

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Accordages, saison 2, un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte

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Au travers de trente photographies grands formats, qui se déploie le long du couronnement du barrage de Mauvoisin, l’artiste française Camille Llobet explore les moraines de la Mer de Glace, amoncellements de débris rocheux laissés par le retrait glaciaire. En complément de l'exposition au barrage de Mauvoisin, l’installation vidéo Glacière est projetée au Musée de Bagnes et en parallèle, Moraine est présentée à La Centrale, lieu principal de Biennale Son.

Accordages, saison 2, un podcast Biennale Son, raconté et réalisé par Arnaud Laporte

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D'où est née l'idée d'une Biennale Son en Suisse ? Jean-Paul Felley nous donne quelques éléments de réponse.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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"Mes performances en solo sont les musiques avec lesquelles je suis né. (...) Aujourd'hui, cette forme est l'une de mes façons préférées de faire de la musique parce qu'elle exige toute la vérité et rien que la vérité ! Trans Dada Express, Endangered Species, et The Alvin Curran Fake Book sont les derniers titres que j'ai donnés à ces concerts, où je présente un mélange spontané de piano Diskklavier, de clavier MIDI activant des échantillons, de processeurs, de voix, de cuivres et d'autres petits instruments. Il s'agit toujours d'exercices imprévisibles de 45 à 90 minutes, combinant rigueur et d'anarchie, où les extrêmes minimalistes et maximalistes se rencontrent ; où la musique est toujours un tour de montagnes russes, mais à l'intérieur d'un temple." Alvin Curran

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Elle nous parle de sa performance in situ 'An Occasion to Consider the Body's Relation to Sound as a Function of space' créée pour l’ancienne centrale hydroélectrique de Chandoline.

En temps que danseuse et chorégraphe, Isabel Lewis développe une pratique sonore inscrite dans une stratégie de réponse à l’espace, à l’architecture et au moment qui s’y vit. Elle travaille avec «l’environnement biosocial».

Dans son improvisation pour voix et électronique, elle produit un son ambiant mais rythmé, nourri par un éventail qui peut être très large, de la musique de chambre médiéval au rap en passant par des enregistrements de terrain. Ces fragments se superposent, se réorganisent, mélodieux ou déformés, et se tissent encore avec des moments gestuels.

La performance d’Isabel Lewis est pensée pour être ressentie, vécue. Dans un paysage scénique déconstruit qui échappe à la présentation théâtrale, l’artiste se présente comme l’hôtesse de la soirée et invite les personnes présentes à trouver leur position, à bouger, à fredonner si elles le souhaitent.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Il nous parle de pataphysique, de sa pièce The Sinking of the Titanic et bien d'autres choses qui entrent dans ses compositions.

La pièce date de l’époque où Gavin Bryars enseignait au Portsmouth College of Art. Au départ ce n’était que quelques indications données sur une feuille A4 pour une interprétation très ouverte, sans partition, dans le cadre d’une exposition de soutien aux étudiants en 1969. En travaillant dans une école d'art, le musicien s’intéressait alors à trouver un équivalent musical aux œuvres d'art conceptuel. Il écrira en 1972 une version interprétative plus développée pour une présentation au Queen Elizabeth Hall de Londres.

En 1975, un enregistrement a lieu pour le premier des dix disques produits pour le label Obscure Records de Brian Eno, où l’on trouve en face B, Jesus’ Blood Never Failed Me Yet . D’autres enregistrements ont eu lieu depuis. Notamment par le Gavin Bryars Ensemble, en live, en 1990 au Printemps de Bourges dans un château d'eau désaffecté de l'époque napoléonienne et en 2012, lors d’une tournée pour le centième anniversaire du naufrage.

La découverte de l'épave du Titanic, en 1985, a conduit Gavin Bryars à repenser sa musique, la pièce étant restée ouverte pour incorporer toute nouvelle information sur les conditions du naufrage.

Cette pièce est interprétée par Gavin Bryars, Yuri Bryars, James Woodrow, Roger Heaton en collaboration avec Valéik à La Centrale, Sion (Suisse), le 6 octobre 2023 pour Biennale Son.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Il nous parle de Ému/Muet, une installation sonore de 1998 qui occupe les escaliers de La Centrale, de Manga Scroll, interprété par Ami Yamasaki pour le vernissage de cette 1re édition et de Conduite Forcée, un enregistrement public et unique pour Biennale Son.

Montage : Bruno Seribat

Son de fin, en stéréo, enregistré par Jean-Philippe Zwahlen

Jingle: Christophe Fellay

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Improvisateur anglais à l'origine de la Whirled Music, il évoque son rapport à la musique et à l'art. Max Eastley est également impliqué dans le projet Cape Farewell.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Il nous parle de If and Only If présentée à la Grange de la Ferme-Asile pour la Biennale Son.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Il est question de The Story of the Wolf Tone, une installation sonore et un Espace associatif “Les amis de la quinte du loup” pour la Biennale Son.

Montage : Bruno Seribat

Jingle: Christophe Fellay

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Elle nous parle de l'exposition "Echos d'une collection - Oeuvres du Frac Franche-Comté" à Martigny pour la Biennale Son.

Montage et jingle: Christophe Fellay

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