La Bellone - Half & half closer

26/03/2025 - Naya Alezina

Thu, 26 Mar 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence « Got the track spinning around, like I’m chasing a shortcut, like it’s a biggest date » de Naya Alezina, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre (notre version non alcoolisée du légendaire « Half and Half » bruxellois).

Au sujet de sa résidence :

Après son 23ème anniversaire fêté, Naya sort la tête d’une montagne de paillettes et nous explique les prémices de « Got the track spinning around, like I’m chasing a shortcut, like it’s a biggest date » : C’est une méthode pour moi de faire un arrêt sur image, un arrêt dans le flux, me permettant de raconter depuis un instant t, depuis un endroit particulier, (dans la bribe chaotique d’un noir inaccessible (…) c’est dans la nuit que peut subsister, se révéler; imaginer, enfin envisager, l’état des lieux d’un paysage désolé, hormis de ce qui gratte.)

Visible between two gazes, when all has been seen and the eye closes with a blink, the left hand, equipped with long curling fingers, rummages through, silent, inverted, broken

I tripped like a pudding under glass.

180 on the shoulder lane. Then drift gently down to the dead surface, my eyes sharp and merciless enough to endure. Need for grip…

It took so much endurance to just crack open my research process this year. Following intuitions of a series of storms, I wrote along the edges, of incoherence, of my mixed identity, of silence, of the risk to fall, in the falling in love. Supported by “mon équipe de sauvetage”, we arrived in another time and space, where something began to seep out…

Soudain, c’est comme si tout s’ouvrait. J’éventre pour qu’on puisse y pénétrer. On est dedans, on ressent tout. C’est le cœur, ce lieu-là est nerveux, il est gluant, il est gainé. Et si je me métamorphose, si vous m’aviez invité à me défendre quand vous avez décidé de venir voir avec moi. Inviter à formuler des flashs d’une mythologie émancipatrice qui fait émerger du néant tout un monde intérieur. Et si quelqu’un pouvait m’accompagner ? Quelqu’un de confiance, qui verrait pour moi pendant que je descends au fond. Un relais. Un témoin. Un intermédiaire. Une forme d’Oracle, mais version 808, sample, et vibrations. Et s’il existe une dialectique des destins mêlés alors cette figure de DJ est comme un veilleur de nuit pour moi, dans cet espace Call me if you get lost

C’est dans cette tension entre exposition et protection, intimité et stratégie que cette nouvelle recherche s’ancre. Comment écrire depuis une faille, un débordement, une matière enfouie qui cherche à se dire ? Et comment coconstruire un espace affectif et collectif, capable d’installer les conditions d’écoute et de vulnérabilité nécessaires au récit intérieur ?

En janvier 2025, la recherche a connu un temps d’arrêt, suite à la fin d’une grande aventure amoureuse. Ce basculement intime n’est pas le thème central, mais constitue une sous-couche sensible du processus. Elle m’invente un espace-temps d’endurance, devenant un mode d’adresse où le solo ne peut plus être envisagé comme une entité isolée. Accompagné par celle que Sabine Cmelniski nommerait comme « mon équipe de sauvetage » : la recherche est naturellement devenue une méthodologie de l’appui. Comment donner forme à ces soutiens invisibles (?) est devenu le point repos, le point d’écoute, un espace de transformation partagé entre vulnérabilité et résilience. Nous plongeant dans un chant/champ poético-politique qui pose d’emblée la question d’appartenance à une équipe :

avec qui je veux m’asseoir,

« mais qui veut s’asseoir à ma table »

avec qui j’ose partager cette table ?

Au sein d’une économie du désir et de la projection (...) ici, dans une posture presque cocky, qui cherche à crier : CLAIMING BACK AGENCY !

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20/03/2026 - Madgelaine Hodebourg

Fri, 20 Mar 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence « Alé di yo, nou la nou poko mo (va leur dire que nous sommes là, nous ne sommes pas encore morts) » de Magdelaine Hodebourg, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre (notre version non alcoolisée du légendaire « Half and Half » bruxellois).

Au sujet de sa résidence :

Ce projet s’inscrit dans le prolongement d’un premier récit et spectacle dystopique, Iter, et déploie un univers où les temps se superposent. En m’appuyant sur mes recherches autour de l’afrofuturisme, des Caraïbes, des études critiques et de la science-fiction, je souhaite écrire un conte contemporain guyanais.

Un dialogue entre les temps, entre les voix marginalisées, entre le beau et la magie, entre la détresse, l’avilissement et l’assignation.

Comment une mémoire peut-elle s’émanciper ?

Quelle est l’essence qui fait de nous des êtres humains ?

À travers d’abord ce récit puis après, le spectacle, je cherche comment ralentir, comment se laisser émerveiller. S’ancrer dans l’instant tout en ayant conscience de l’éphémérité de notre existence ; l’oxymore de l’expérience humaine.

Pouvoir s’arrêter et retrouver notre droit à l’émerveillement conscient ou à la révolte justifiée.

Au sujet de l'artiste :

Je m’appelle Magdelaine Hodebourg, je suis née et j’ai grandi en Guyane française où j’ai commencé la danse classique enfant. En 2006, à l’âge de 9 ans, je me suis installée dans le sud de la France puis dès mes 12 ans, j’ai poursuivi ma formation en danse classique, moderne et jazz à travers l’Europe. J’ai étudié à Avignon, Carpentras, Paris et Lausanne, au sein d’institutions telles que le Conservatoire d’Avignon, la Compagnie Temps de Flèche, l’Académie Américaine de Danse de Paris et Rudra Béjart en Suisse.

En 2018, je me suis tournée vers la danse contemporaine en allant étudier à La Nuova Officina della Danza à Turin en Italie, où je suis restée pendant un an avant de m’installer à Londres, puis à Bruxelles, en Belgique, où j’ai obtenu une licence à P.A.R.T.S.

Au fil de mes études, j’ai développé une véritable passion pour l’écriture et la composition chorégraphique et j’ai créé trois œuvres présentées publiquement. Depuis 2022, je travaille en tant que freelance, à la fois interprète, chorégraphe et assistante à la chorégraphie, aux côtés d’artistes tels que Bruno Freire, Nish Gera, Oscar Murillo, Elsa Tagawa, Mali Arun, Martha Daro et Kris Verdonck au sein de projets artistiques et scéniques variés.

En 2024, je crée Iter, mon premier projet chorégraphique professionnel. Il a été soutenu par Danspunt et la Direction Culture, Jeunesse et Sports (DCJS) Guyane. Dans le sillage de cette première forme courte, je travaille désormais à l’élaboration de ma nouvelle création, Alé di yo, nou la nou poko mo (va leur dire que nous sommes là, nous ne sommes pas encore morts).

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06/03/2026 - Soumaya Phéline Abouda & Zaïneb Hamdi

Fri, 06 Mar 2026 11:00:00 GMT

« Ḥoub » est une hybridation artistique, un dialogue sororal, né de la rencontre entre deux pratiques singulières : la poésie performée de Zaïneb Ḥamdi et la composition musicale en temps réel de Soumaya Phéline Abouda. D’un côté, Zaïneb Ḥamdi donne voix à ses textes poétiques à travers une oralité incarnée, entre spoken word, déclamation rituelle et performance poétique contemporaine. De l’autre, Soumaya Phéline Abouda pratique le turntablism comme une écriture musicale vivante, où la platine devient un instrument dramaturgique à part entière.

« Ḥoub » puise son récit dans le recueil « Où mon amour sera ḥoub » (Zaïneb Ḥamdi, L’Arbre de Diane, 2024) qui explore des thématiques intimes et politiques chères à l’autrice : l’identité multiple, la filiation, les masculinités, l’égalité des genres, le rapport à la langue parlée, symbolique ou écrite, la mémoire coloniale et les violences systémiques subies par les personnes identifiées femmes et racisées.

Zaïneb Ḥamdi (1989) est poétesse, autrice et performeuse belge. Son premier recueil « Fils d’Arabe » paraît en 2017 aux éditions Tétras Lyre. En 2024, elle publie « Où mon amour sera ḥoub » aux éditions L’Arbre de Diane, récompensé par le prix littéraire Les Grenades 2025, « Prix de la marraine », qui distingue une œuvre féministe de poésie.

Non dénuée d’ironie et de tendresse, son écriture repose sur une tension entre prose et langue poétique, travaillée, rythmée, imagée, parfois incantatoire. Ses textes, qui refusent toute assignation identitaire, puisent autant dans le quotidien que dans le mythe. Ils explorent l’altérité, la place des femmes et des « filles d’Arabe », les rapports aux masculinités, aux corps et à la langue, brouillant les frontières entre l’intime et le collectif, posant davantage de questions qu’ils n’en livrent de certitudes.

Par-delà le papier, elle investit l’espace numérique des réseaux sociaux, où elle compose des formes brèves de poésie visuelle et sonore mêlant image, texte et vidéo, prolongeant ainsi sa pratique d’autrice engagée dans celle de graphiste-typographe.

Sur scène, elle développe une poésie performée qui conjugue spoken word, récitation et seule en scène.

Soumaya Phéline Abouda (1983) est originaire de Bruxelles, artiste sonore, DJ, compositrice et performeuse, active sur les scènes belges et internationales depuis 2006.

Résidente de Kiosk Radio, cofondatrice des soirées High Needs Low et co-organisatrice de Club Détour, elle évolue à la croisée de la création sonore et des cultures électroniques alternatives. Son travail explore l’évolution de la pratique du DJ et la manière dont les outils (CDJ, platines et mixer) peuvent devenir de véritables instruments narratifs et expressifs. Elle nomme cette approche le CDJism, en continuité avec le turntablism, dont elle prolonge les gestes, la physicalité et les imaginaires.

À travers cette recherche, elle transforme la performance DJ en un espace d’écoute active, d’improvisation et de composition en temps réel, où chaque geste devient un acte d’écriture. Sa pratique, entre expérimentation sonore et chorégraphie du mouvement, interroge la relation entre corps, mémoire et technique pour « raconter la musique autrement ».

Engagée dans une réflexion sur les formes de transmission et la documentation des pratiques musicales, elle archive et met en récit son travail et celui de ses pairs. En tant que membre du collectif féministe Psst Mlle, elle milite pour plus de diversité et d’inclusivité dans les musiques électroniques.

Son univers sonore se caractérise par une exploration technique et organique des sonorités, combinant basses profondes, breakbeats complexes et structures polyrythmiques, façonnant des expériences uniques et éphémères.

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05/03/2026 - Amel Malfait Lakhtara

Thu, 05 Mar 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence « TRIQ SALAMA » d’Amel Malfait Lakhtara, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre (notre version non alcoolisée du légendaire « Half and Half » bruxellois).

Gratuit et sur inscription.

Au sujet de sa résidence :

Durant cette résidence, Amel Malfait Lakhtara approfondit sa recherche visuelle et dramaturgique autour des multiples façons dont on dit au revoir — aux lieux, aux frontières, aux maisons, aux personnes. Cette recherche s’inscrit dans le développement d’une nouvelle performance, dont la matière première naît ici, dans l’exploration patiente d’images et de gestes. Plutôt que d’aborder le départ par le récit ou le texte, elle travaille à partir d’images, de mouvements et de fragments vidéo qui révèlent les mouvements émotionnels souterrains du fait de quitter.

Son processus se déploie comme une archéologie visuelle : recueillir des gestes de séparation, enregistrer les rituels silencieux qui accompagnent la transition, tracer les états fragiles qui existent entre rester et partir. À travers cette dramaturgie fondée presque entièrement sur l’image, elle explore comment les adieux résonnent dans les corps et les paysages, et comment l’acte de franchir — un espace, une relation, une version de soi — peut devenir à la fois rupture et régénération.

La résidence devient ainsi un laboratoire du départ, où la matière visuelle façonne le sens, et où la chorégraphie intime du laisser-aller prend progressivement forme.

Au sujet de l’artiste :

Amel Malfait Lakhtara (°1995, elle) est une metteuse en scène, scénographe et travailleuse socioculturelle belgo-marocaine.

Après des études en histoire, en arabe et en philosophie, elle fait du théâtre son terrain d’exploration visuelle et obtient, en 2021, son diplôme en Drama & Directing au RITCS avec grande distinction. Lakhtara fait également partie des collectifs CaddyForPalestine et Collective Faire-Part.

Ancré dans l’esprit surréaliste et absurde de Bruxelles, le travail de Lakhtara dérive entre rêve et décomposition. Elle crée des univers visuels sur scène où l’abject et le magique s’entremêlent : des royaumes d’ombres de champignons, d’algues et de matières visqueuses — vivants, cycliques et en constante transformation.

Sa pratique brouille la frontière entre scène et sculpture, façonnant des espaces qui respirent, pourrissent et se régénèrent. Lakhtara se tourne vers les mouvements circulaires plutôt que vers les récits linéaires et s’intéresse au négatif de la réalité éveillée, à l’envers de l’existence. Elle explore les rythmes des réseaux mycéliens, la pulsation des méduses et les échos de la mémoire intergénérationnelle. Dans chacune de ses œuvres, elle cherche la connexion — réactivant ce qui est considéré comme matière morte et célébrant les liens invisibles qui relient toutes choses. Son théâtre et sa scénographie invitent les publics dans des écosystèmes tactiles où la transformation semble à la fois intime et cosmique.

crédit photo : Marouane Beslem

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05/03/2026 - Léa Tarral

Thu, 05 Mar 2026 11:00:00 GMT

Il y a un an, La Bellone me propose une résidence au Québec dont l’enjeu est de « réfléchir sur ma pratique de dramaturge » et de choisir une artiste pour m’accompagner. Je suis partie avec Joey Elmaleh, une amie et artiste avec laquelle je travaille. Je cherchais quelqu’un qui serait d’accord pour ouvrir des espaces impossibles, avancer dans la forêt, parler longtemps et se taire longtemps. Ce temps me permet de faire un point d’étape qui tire une flèche vers l’arrière, une vers le ciel, une droit devant. Je reviens sur mes pas me demandant avec quelles croyances je suis entrée dans cette pratique, quels sont mes outils aujourd’hui et vers quels espaces j’ai envie d’aller. Le point de recherche de cette résidence concernait une question qui m’occupe mais que je ne prends pas le temps de théoriser. Aussi car il est difficile de donner suffisamment de valeur à sa pratique pour considérer qu’il est intéressant d’écrire dessus. En le faisant maintenant je regrette de ne pas le faire d'avantage.

Au sujet de l’artiste :

Joey Elmaleh (elle/iel/il) est né·e en France en 1995. En 2020, diplômé·e de l'INSAS, iel écrit MUM. Il écrit et met en scène un premier spectacle en 2022 : Lagunes. Elle accompagne Hakim Bouacha à la mise en scène de Genesis, iel rejoint également le comité de lecture belge du Quartier des Auteurs et des Autrices. Il écrit la comédie musicale Corpresqu'ïle, autofiction-hommage à son frère et leur adolescence punk. Par la suite Joey débute la création d'un seule-en-scène drag, politique, poétique et comique : Les Épîtres de Tolérance. Joey accompagne en dramaturgie le spectacle Clichés de Hakim Bouacha, Smoggg de Raïssa Yowali et co-dirige la mise en scène la production belge de Gloria Gloria, portée par Fanny Brûlé-Kopp, écrit par Marcos Caramès- Blanco. La pratique de Joey Elmaleh sonde l'intimité politique, la queerness, et la littérarité.

Léa Tarral envisage la dramaturgie comme une pratique relationnelle et un rapport au monde. Diplomée en esthétique de l’art et en dramaturgie (UCL), elle accompagne artistes et collectifs en France et en Belgique, principalement dans le champ du théâtre et de la performance. Depuis dix ans, elle collabore avec Judith Longuet-Marx au théâtre puis au cinéma. Elles tournent leur premier film, Du Pain et des Jeux, en 2024. Depuis 2019, elle porte avec le collectif 3e Vague un travail sur l'écologie politique dans le secteur culturel. Elle a co-fondé deux groupes de travail bruxellois : « VISIONS SUPERS » sur les pratiques dramaturgiques et les Monthly Sessions.

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13/02/2026 - Souhaïla Amri

Fri, 13 Feb 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence « Ralentir : enquête sur ma pratique dramaturgique » de Souhaïla Amri, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre.

Gratuit et sur inscription.

Au sujet de sa résidence :

Je fais cette résidence pour prendre le temps de réfléchir à ma pratique, en dehors de l’urgence de produire. J’ai longtemps travaillé dans des dynamiques collectives et en auto-formation, en apprenant par l’expérience, sans toujours pouvoir comprendre ce que je construis réellement en tant que dramaturge et metteuse en scène.

Cette résidence sera pour moi un espace de recul et de recherche : observer mes manières de créer, questionner mes gestes, explorer ce qui m’anime et ce que je transmets. Enrichie par les ressources de La Bellone, j’aimerais nourrir une pratique plus consciente, plus juste, qui puisse soutenir mes futurs projets et les processus que j’accompagne.

Un temps pour explorer autrement, sans pression de résultat, pour mieux comprendre comment je crée et pourquoi.

Au sujet de l’artiste :

Souhaïla Amri est une artiste bruxelloise, formée en histoire et gestion culturelle, qui combine son engagement militant avec sa passion pour l’art. Depuis 2017, elle a créé et co-dirigé plusieurs pièces, dont Á l’ombre du figuier, une œuvre inspirée de son histoire familiale. Sa pratique artistique explore les héritages culturels, l’histoire et les récits en marge de la sphère artistique dominante. Au-delà de la scène, Souhaïla est co-autrice de HERstory : féminisme, minorité et visualité, un ouvrage collectif récompensé par le Prix Littéraire Grenades 2024.

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23/01/2026 - Brandon Kano Butare & Marwane Lakhal

Fri, 23 Jan 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence de « Les Loyautés (3la Slamtek) » de Brandon Kano Butare et Marwane Lakhal, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre.

Gratuit et sur inscription.

Au sujet de leur résidence :

« Les Loyautés (3la Slamtek) » est une pièce de théâtre écrite en français et en darija maghribiya. On y suit la rencontre entre la révolte d’une communauté d’habitant·es (toustes issu·es des migrations postcoloniales) et celle d’un cabaret de sheikhat. Pour nourrir les intentions de mise en scène en travaillant autour des matières présentes dans le texte : explorer la question de la spatialisation en mettant en jeu la notion de convergence ; sonder les rapports entre les différentes langues de l’écriture (depuis leur potentielle opacité) ; creuser le travail des registres esthétiques qui oscillent entre les genres romanesque et dramatique, entre culture marocaine et culture queer.

Au sujet des artistes :

Brandon Kano Butare est comédien et performeur belge et rwandais, basé à Bruxelles.

Diplômé du Conservatoire royal de Mons en 2023 (classe de Frédéric Dussenne), il approfondit sa pratique en tant que comédien et joue dans Silent Disco (Gurshad Shaheman, 2022), Là où le soleil se couche (Frédéric Dussenne, 2023), Georges de Molière (Clinic Orgasm Society, 2024) et Maria et les Oiseaux (De Facto, 2024/2025).

En parallèle, il accompagne divers projets de mise en scène, notamment Brûler (Jorge Leon, Théâtre National Wallonie-Bruxelles / Halles de Schaerbeek, 2024).

Son travail interroge les liens entre l’intime et le politique, explorant la complexité de l’identité et son inscription dans le collectif.

Marwane Lakhal (vit et travaille à Bruxelles) est auteur et dramaturge français et marocain.

Il se forme à la création littéraire à l’ENSAV – La Cambre, puis aux études de genre et des sexualités à l’Université libre de Bruxelles. Depuis, il déploie sa pratique transculturelle de l’écriture dans le champ des arts de la scène.

Avec sa première pièce Les Loyautés (3la Slamtek), lauréate en 2022 du label Jeunes Textes en Liberté (FR), il expérimente les moyens d’écrire depuis sa situation de bilingue en français et en darija maghribiya. Depuis 2023, il anime les ateliers d’écriture Chants de lutte, commandités par les Midis Poésie (BE), auprès de publics en alphabétisation à Molenbeek-Saint-Jean, et s’initie à cette occasion à la production de pièces sonores. En 2024, il débute l’écriture d’une pièce de théâtre-performance, Sadiq\Usurpation, dans le cadre du programme « Bruxelles’écrit » et lors d’une résidence au sein de La Bellone – Maison des Arts du Spectacle de Bruxelles. Enfin, il participe à La Salve, projet d’écriture critique polyphonique et situé en arts du spectacle.

Ses textes mêlent les langues dont il est familier, sans jamais traduire son multilinguisme. Plus généralement, son écriture interroge l’inscription dans l’intime de cet imaginaire colonial dont nous avons hérité et qui empoisonne nos rapports sociaux, tout en cherchant à rétablir la tendresse comme ressource d’émancipation.

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20/01/2026 - Manal Tass

Tue, 20 Jan 2026 11:00:00 GMT

Marquant la fin de la résidence « L’arbre qui cache la forêt الشجرة لي خبّات غابة » de Manal Tass, ce « Half & Half Closer », propose une rencontre en deux temps : un entretien de 30 minutes enregistré et en public, mené par l’équipe de La Bellone pour échanger avec l’artiste sur son travail en cours, puis un moment de discussion informelle autour d’un verre.

Gratuit et sur inscription.

Au sujet de sa résidence :

Ce travail de recherche puise dans des expériences de résistance issues de la région SWANA, incarnées autant par des corps en performance que par des corps sociaux vivant la résistance au quotidien.

Ce projet est né à la suite d’une fracture à la cheville, qui a imposé une pratique performative contrainte : un corps assis, soutenu par des béquilles. De cette limitation est née une écriture chorégraphique attentive au détail, à ce qui déplace le regard — comment la présence d’un corps non conforme, ou d’un petit groupe, peut troubler l’ordre d’un espace public ou d’un contexte plus large.

Durant cette résidence, le solo se déploie en vue d’un partage public le vendredi 23 janvier 2026 à La Bellone, et s’inscrit dans une dynamique de rencontres avec la scène artistique et de recherche bruxelloise, notamment issue de la région SWANA.

Au sujet de l’artiste :

Manal Tass est interprète en danse, chorégraphe et facilitatrice en danse et en mouvement basée à Bouznika au Maroc.

Passionnée par le lien, son travail vise à rendre la pratique artistique du corps plus inclusive, en particulier pour des corps souvent marginalisés. À travers une approche contemporaine, sa recherche explore le mouvement comme espace de guérison collective et de transformation politique et spirituelle.

Ses projets — Koboul قُبول, Ab.Normal ماشي عادي, They هُمْنَ — sont à l’intersection de la création et de processus d’expérimentations collectives en ateliers.

En parallèle de sa pratique artistique, Manal s’engage dans la réflexion et la pratique de l’autodéfense queer féministe.

Crédits du projet :

Chorégraphie et performance : Manal Tass

Mentoring et dramaturgie : Nedjma Hadj Benchelabi (Ad’Hoc Platform)

Accompagnement artistique : Sékou Semega (La Bellone)

Manal Tass est lauréate de Taklif, plateforme pour les jeunes artistes marocains organisée par le Festival « On Marche », en mars 2025 et dans ce cadre elle bénéficie de trois résidences par les partenaires de ce programme Taklif : Institut Français de Marrakech/résidence en décembre 2025, La Bellone & Ad’hoc Platform en janvier 2026 et le Carreau du Temple en mars 2026.

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12/12/2025 - Eli Mathieu-Bustos

Fri, 12 Dec 2025 11:30:00 GMT

« Ingouvernables » est un opéra réparateur, une œuvre décoloniale et panafricaine.

Lorsqu'on observe attentivement notre présent, on arrive facilement à la conclusion que le passé n'en a pas fini avec nous : les enjeux de l’esclavagisme et du colonialisme sont constitutifs de l'existence des systèmes institutionnels européens qui nous régissent.

Trois tableaux, retraçant chacun une date clef de l'histoire du racisme.

L'objectif ? Oser regarder, retracer, ressentir, et comprendre sur quels fondamentaux racistes nos interactions intimes, collectives, sociales — et par conséquent politiques — sont dirigées.

Eli Mathieu-Bustos (1998) est un danseur performeur dont la virtuosité corporelle lui permet de transcender ses différentes identités politiques. C'est de ces identités que naissent ses danses. À la fois danseur de formation et autodidacte, il commence le ballet à l’âge de cinq ans, puis suit des cours de jazz et de breakdance. Jusqu’à ses dix-sept ans, il navigue entre différents styles tels que le new style, le popping, le krump ou encore la danse contemporaine. Passionné par l'improvisation, ses sources d'inspiration se trouvent à la fois dans les canons de la danse reconnus par les institutions, tels que la danse expressionniste allemande et le buto, et dans les styles de danse associés socialement à la sous-culture, tels que le dancehall et la house. Après l'école secondaire, il étudie les arts du spectacle. Ces études lui permettent de découvrir le théâtre et le cinéma, deux disciplines que l'on retrouve dans son travail actuel. Eli a également suivi des études chorégraphiques à la Manufacture d'Aurillac et possède un Master à l'Institut des Arts et de la Chorégraphie (ISAC) obtenu à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles en 2023. Depuis deux ans, il travaille à combiner sa pratique de l'astrologie et de la danse afin de créer une nouvelle technique d'improvisation. Cette technique, qu'il nomme De Caelo, est basée sur une méthodologie d'écriture du mouvement ouverte à tous les canons et styles de danse avec pour seule hiérarchie de valeur l'émotion qu'elle transmet au spectateur.

Eli Mathieu-Bustos a également collaboré avec d'autres artistes tels que Marco Torrice (Melting Pot collective : DANSAND ! 2021 festival d'Ostende et Re-creature festival à La Pelanda à Rome), Marcos Arriola (projet CRUCE 2021-2022), Patric Chiha (Film : The Beast in the Jungle 2021), l'Opéra d'Anvers (bande-annonce de la saison 2022-2023) et Milø Slayers (pièce de théâtre : DEMONstatio 2021-2023), Aurélie Nyirabikali Lierman (pièce : UMVA! 2023-2024) et travaillera avec Louise Vanneste pour sa prochaine création (première en 2025 au Kunsten Festival des Arts). En 2021-2022, il s'est produit en solo dans de nombreux lieux à Bruxelles, principalement lors d'événements queer et FUBU). Il a dansé pour Decoratelier (Africa is/in the future 2021 and 2022 edition), LDC, Nova, Crazy Circle et Fatsabbats festival entre autres. Lors de WIPCOOP Bruxelles 2022, il présente une version courte de son premier solo, Have a Safe Travel. La version longue est créée le 9 décembre 2023 à DeSingel (Anvers) et jouée ensuite jusqu’au 20 avril 2024 à La Balsamine (Bruxelles).

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05/12/2025 - nasa4nasa

Fri, 05 Dec 2025 11:30:00 GMT

En tant que moitié du collectif nasa4nasa, je m'intéresse à la manière dont un corps singulier absorbe et retient la dynamique du duo. Au fil de notre longue collaboration, nous avons exploré comment nos corps se sont accordés pour créer ce que nous appelons un « troisième corps », un corps fantôme doté d’un pouvoir d’action.

Dans le cadre de cette résidence, je souhaite traduire notre duo « Promises » en une série de courtes vidéos, interprétées seul·e ou avec d’autres corps. Conçu à l’origine comme une partition d’improvisation collaborative, « Promises » est un jeu autour du temps, du désir et de la structure fragile de la promesse.

nasa4nasa est un collectif de danse basé au Caire, fondé par Noura Seif Hassanein et Salma AbdelSalam en 2016. Utilisant l’image fixe, le hasard, la répétition et la synchronie, ses membres explorent l’échec, l’affect et le temps. nasa4nasa cherche à anticiper d’autres espaces comme scènes occupées — et à fuck the dance.

Résidence dans le cadre du Réseau Be My Guest

As half of the collective nasa4nasa, I am interested in investigating how a singular body absorbs and remembers the dynamic of the duo. During our lengthy collaboration, we’ve been researching how our bodies have tuned in to create what we call a “third body,” a phantom body with agency.

In this residency, I want to translate our duet Promises into a series of short videos, performed alone or with other bodies. Originally conceived as a collaborative improvisational score, Promises is a play on time, longing, and the fragile structure of a promise.

nasa4nasa is a dance collective based in Cairo, founded by Noura Seif Hassanein and Salma AbdelSalam in 2016. Using static imagery, chance, repetition, and synchronicity, its members explore failure, affect, and time. nasa4nasa seeks to foreshadow alternative spaces as occupied stages—and fuck with dance.

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28/11/2025 - Mamadou Wagué

Fri, 28 Nov 2025 11:30:00 GMT

« Where shall I start, As if you didn’t know »(titre provisoire) qui explore la multiplicité qui nous constitue, en tant que personnes qui se construisent à partir de nombreuses références, origines et héritages, dans des espaces où les normes dominent et où les différences sont souvent silenciées.

Prenant comme point de départ le concept d'intériorité - lieu d'où naissent les intentions, les intuitions et les souhaits - ce projet interroge le potentiel à transcrire des vécus singuliers, à partir de langages personnels et communautaires, pour offrir de l'espace à une expression chorégraphique qui raconte les corps traversés par des histoires innombrables.

Mamadou Wagué est un artiste danseur, interprète et chorégraphe franco-malien basé à Bruxelles.

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27/11/2025 - Oumar Diallo

Thu, 27 Nov 2025 11:30:00 GMT

Le projet « Nexus » a pour but d’explorer l’altération de la réalité sous les angles de l'âme, du corps et de l'esprit. En abordant ce thème à travers divers prismes comme l’imaginaire, le rêve, la conscience, le subconscient, l'inconscient et la liberté, je souhaite démystifier certains troubles de santé mentale caractérisés par cette altération. Mon point de départ est l'exploration des liens possibles entre l’altération de la réalité et la liberté.

L’objectif de cette résidence dramaturgique est de rassembler et structurer l’ensemble des recherches que j’ai menées jusqu’à présent, afin d’en faire émerger un concept ou une idée forte sur laquelle je pourrai m’appuyer pour entrer dans la phase de création. La résidence servira donc de lien entre le temps de la recherche et celui de la création scénique.

Oumar Diallo, artiste hip-hop originaire de Bruxelles, se distingue par sa spécialisation en popping et hip-hop freestyle. Passionné par la danse, il investit son temps dans des cours et formations variés, tout en parcourant le monde pour enrichir sa pratique. En parallèle de sa carrière de danseur, sa fascination pour la culture hip-hop le conduit à devenir DJ et à organiser ses propres événements, tels que « Supreme Cypher » et « CreativBoil ».

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17/10/2025 - Sophie Mélis

Fri, 17 Oct 2025 10:00:00 GMT

Social dancing social club est un projet qui se propose de plonger au cœur des danses Wallonnes, populaires au 19eme siècle, de les revisiter et d'en proposer une forme actualisée.

Pendant cette résidence j’ai l’intention de me plonger dans les documents d’archives qui m’ont été prêtés par la société royale le réveil ardennais de Stavelot (groupe de danse avec lequel j’apprends les danses wallonnes des provinces de Liège et du Luxembourg). Ces documents sont en partie des archives des danses écrites, des partitions musicales, des publications…

Cette résidence s’inscrit dans le contexte d’une recherche et est potentiellement la dernière résidence avant le début d’une phase de création chorégraphique.

Sophie Melis, née à Liège en 1989 est une danseuse performeuse, chorégraphe, organisatrice et adepte du système d qui vit à Bruxelles.

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16/10/2025 - Audrey Merilus

Thu, 16 Oct 2025 10:00:00 GMT

Pour ce premier projet, Audrey s’inspire du concept de biomythography, emprunté à Audre Lorde, un genre hybride qui allie récit biographique et mythe.

Elle s’appuie sur des récits (personnels, référentiels, fictionnels), ainsi que sur des support iconographiques et figures mythologiques, notamment ancrées dans la mythologie caribéenne, pour créer un tissage narratif déployant un univers onirique, qui oscille entre réalité, fiction et distorsion.

De l’écriture chorégraphique, aux matières visuelles, sensorielles et textures sonores. elle explore un terrain traversé de flux, de mémoires et d’affects, naviguant entre le fragmentaire et le cohésif.

Cette démarche devient un espace physique où ses interrogations se matérialisent, faisant du corps un lieu d’apparitions, d’incarnations, d’expressions et de transformations.

Audrey Merilus est une artiste franco-caribéenne basée entre Bruxelles et Paris.

Sa pratique artistique s’articule autour de la performance et la chorégraphie.

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10/10/2025 - Egutchi

Fri, 10 Oct 2025 10:00:00 GMT

Comment les langues et les cultures bâtissent-elles nos représentations du monde ?

Comment se construire sur les fondations de plusieurs langues et cultures, plusieurs sources de représentations du même monde ?

Est-ce le même monde ?

À travers cette autofiction, j'explore les questions et les glissements que soulèvent la rencontre entre plusieurs langues et cultures sur l'échafaudage de son intime.

Puiser des réponses et avant tout des questions, depuis mes deux langues sources : le français et le japonais – et surtout, ce qui se passe entre.

De Google Translate aux silences familiaux Des erreurs syntaxiques aux cœurs scindés.

Ce projet existe depuis 2022, étant au départ une suite de textes poétiques existant sur une page aux allures de site de traduction numérique - constituant mon mémoire de l'ERG.

Depuis 2024, je suis en réécriture du corps poétique, et commence à expérimenter et penser le projet de manière scénique. Comme sur le format de départ, la musique et le son ont une place dans le récit et j'aspire à introduire le corps dans cette narration également.

La résidence à La Bellone est pensée comme une étape de travail au niveau de la réécriture du texte et de la dramaturgie.

egutchi est un artiste d'origines japonaise et sénégalaise

né en France en 1997 et basé à Bruxelles depuis 2017.

Poésie de l'intime et étude de l'entre deux, ode à l'hybridation culturelle nourrie par ses identités raciales, culturelles et queer. Pratiques polyvalentes, principalement écriture et musique.

Tracer les motifs du sensible comme une invitation aux paysages ambigus.

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27/06/2025 - Salim Djaferi

Fri, 27 Jun 2025 10:00:00 GMT

Lors d’un Half & Half Closer, nous revenons sur les préoccupations qu’un·e artiste a mises au travail à l’occasion de sa résidence à La Bellone. Il y a un Half & Half Closer organisé au terme de toutes les résidences. « Half & Half » comme deux fois trente minutes, une rencontre publique en deux temps. Une première demi-heure d’entretien dans l’espace de travail, conduit et enregistré par l’équipe de La Bellone puis ré-écoutable sur la Compile audio. Une seconde demi-heure, Closer, au Bellone Café du 46 rue de Flandre pour une rencontre informelle avec l’artiste autour de notre version d’un half-en-half.

Lors de l’édition 2018 des rencontres photographiques d’Arles, une grande exposition était consacrée à Fernand Pouillon, un célèbre architecte français de l’après-guerre.

«Construire à hauteur d’homme» était une rétrospective de l’œuvre algérienne de l’architecte s’intéressant particulièrement aux grands ensembles - aussi appelé cités, construite dans l’ancienne colonie. D’origine algérienne mais tout à fait étranger au territoire et à l’architecture du pays, je me suis rendu à cette exposition. Elle regroupait une série de photos des constructions les plus célèbres de l’architecte - certaines aux noms évocateurs tels que «Cité du Bonheur» ou

«Climat de France», toutes construites autour d’Alger au début des années 50. Sur certaines photos les blocs d’immeubles étaient magnifiés par la lumière rasante du lever de soleil.

Sur d’autres, plus documentaires, on pouvait voir les habitant·es de ces cités dans leur quotidien de l’époque.

Plus j’évoluais dans l’exposition et plus ce décor et ce quotidien me semblaient familiers.

Tout dans ces photos me rappelait les cités où j’ai moi-même vécu, non pas en Algérie mais en France : les proportions des bâtiments, leur hauteur, le béton, les longs et étroits couloirs desservant des dizaines d’appartements par paliers, les immenses parvis de béton. Tout, jusqu’aux personnes qui peuplent ces immeubles : sur les photos des «indigènes» des années 50, dans mon enfance des algérien·nes immigré·es dans les années 80. L’analogie était telle que j’ai à plusieurs reprises vérifié les légendes pour confirmer que ces clichés, qui dataient de l’Algérie occupée, n’avaient pas été pris en réalité aujourd’hui en banlieue française.

J’étais venu découvrir des photos d’un passé et d’un ailleurs, et je fus projeter dans le milieu où j’ai grandi.

Je suis né aux «Beaudottes» en Seine-Saint-Denis, une cité construite en 1981, largement inspirée par les préceptes de Pouillon en termes de bâti : la même architecture dite brutaliste.

Au-delà de la correspondance esthétique, j’ai commencé à entrevoir à travers ces photos une même volonté politique. Avec 30 ans et des centaines de kilomètres d’écart, ces cités «du Bonheur» ou «des Beaudottes» répondaient peut-être à la même logique urbanistique, la même politique ségrégationniste en situation coloniale comme post-coloniale.

Formé à l’ESACT de Liège, Salim Djaferi est acteur, auteur et metteur en scène

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13/06/2025 - Raïssa Yowali

Fri, 13 Jun 2025 10:00:00 GMT

On me dit que t’es fantôme.

Deux suicides n’auront pas lieu à trente d'intervalle et une génération.

Quels sont les deuils que nous portons et transmettons ? Qui porte la responsabilité d’enterrer les disparus ?

Á partir d’un roman non publié, j’imagine une forme hybride entre scène et poésie.

Ce projet mène l’enquête de Bruxelles à la Flandre, de Mwenga (Kivu) à Athènes, sur les traces des fantômes qui m’ont précédée.

Cette première résidence me permettra d’entamer un travail d’écriture à partir d’archives

et de récits de deuils et de guérison.

Raïssa Yowali est une auteure et interprète belgo-congolaise née à Bruxelles. Elle auto-édite son premier recueil « D’aussi longtemps que je me souvienne, je me suis pensée au masculin pour embrasser les filles » et collabore à plusieurs autres (Selfies, On ne s’excuse de rien Tome II, En lettres noires, (Grands)-mères en lumière). Elle joue sous la houlette de Joëlle Sambi dans « Koko Slam Gang » au Théâtre National de Bruxelles et à l’Espace Magh. En parallèle, elle imagine des formes courtes comme sa performance, « L’Accident », présentée deux fois à la Maison Poème.

Elle effectue un stage en dramaturgie et mise en scène à Kinshasa en Octobre 2023 auprès de Tina Way et David Ilunga (compagnie Théâtre du Fleuve) et toujours dans l’envie de créer des ponts, elle est sélectionnée pour les rencontres FTA à Montréal le mois de mai qui suit.

En 2024, elle reçoit le Prix Fintro dans la catégorie Littérature francophone.

Intéressée par la dramaturgie et la découverte de différents univers artistiques, elle rejoint le collectif La Verrière et le Quartier des auteurs et des autrices.

Elle écrit également ponctuellement sur le cinéma et les arts vivants en collaborant avec différents magazines/ projets dont La Salve à la Bellone et co-programme le festival de films LGBTQIA+, Pinkscreens.

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04/04/2025 - Agathe Yamina Meziani

Thu, 03 Apr 2025 22:00:00 GMT

Agathe Yamina Meziani est une dramaturge et artiste belgo-gréco-kabyle basée à Bruxelles. Diplômée du Conservatoire de Bruxelles, où elle s’est spécialisée en performance et dramaturgie, elle poursuit un post-master en études de genre, enrichissant ainsi ses créations d’une réflexion politique et théorique.

Son parcours artistique est marqué par une approche qui mêle performance, humour et recherche académique. Sa première performance numérique, ik ben (in de duinen verloren) (2018), interroge la projection mentale qu’un public se fait d’un spectacle, offrant une réflexion sur la distance et l’intimité en contexte virtuel. Elle est suivie de met liefde (2019), une exploration des relations amoureuses, liée à son mémoire en études de genre.

Dans Kabylifornie, elle plonge dans son héritage kabyle et les liens complexes qu’elle entretient avec son père. À travers une esthétique mêlant post-internet, stand-up et théâtre, Agathe Yamina réexplore son récit de transmission culturelle et familiale. Elle y aborde des thématiques comme la mémoire, la violence intra-familiale et les couches temporelles.

Agathe Yamina a collaboré avec divers artistes en tant que dramaturge dans des projets de danse, théâtre, performance et cirque (Lucie Yerlès, Lisa Cogniaux, Joey Elmaleh, Lorena Spindler,…). Elle participe également aux rencontres artistiques du Festival TransAmériques à Montréal en 2023 et au Common Lab 2024.

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21/03/2025 - Pierre-Louis Kerbart

Thu, 20 Mar 2025 23:00:00 GMT

Pierre-Louis continue sa recherche autour du concept de présence au cinéma et dans la danse, en prenant comme point de départ les villes-décors, ces plateaux de cinéma qui ont servi de décors pour des films, partiellement ou complètement construits pour l’occasion. Il se demande à la fois comment la danse peut témoigner du cinéma et quels outils chorégraphiques permettent de s’approcher des présences qui habitent un lieu. Il fait le choix de regarder dans le hors-champ, proche des figurant·es et des murs en carton, là où les traces ne sont plus si vives et où l’imaginaire peut nous donner à voir un état présent inattendu.

Pierre-Louis est en résidence dramaturgique à la Bellone pendant deux semaines avec l'artiste chilien José Isla Hidalgo.

Pierre-Louis Kerbart (il/lui – France – 1997) est un artiste chorégraphe et performeur résidant à Bruxelles en Belgique. Diplômé en arts et chorégraphies de l’ISAC - ARBA-ESA à Bruxelles, il a également étudié l'écologie politique et l'anthropologie à l’IEP de Rennes et à l’Université Catholique de Temuco au Chili. Depuis 2022, Pierre-Louis a travaillé en tant qu'assistant de direction avec Amanda Piña, participant à des projets internationaux comme The School of Mountains and Water et Exotica. Il a également assisté des artistes émergents de la scène belge, Alice Giuliani et Camilla Strandhagen, Mary Szydlowska et Géraldine Haas. En tant que 1er assistant réalisateur, il a contribué à la production du court métrage VOISINES avec Yuna Sacher. Pour ses propres recherches performatives, Pierre-Louis était membre du G-In du Garage29 pour la saison 22/23. Il est aujourd’hui soutenu par une bourse d'expérimentation en danse de la Fédération Wallonie Bruxelles.

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10/03/2025 - Désirée 0100

Mon, 10 Mar 2025 11:00:00 GMT

En tant qu'artiste issu du sud global, ma technique de survie a été d'apprendre et m'adapter aux codes artistiques que j’ai perçu comme étant acceptés et soutenus par les institutions. Aujourd'hui, les paradigmes et les valeurs changent lentement, et il y a de la place pour de nouvelles perspectives et opportunités, mais il reste extrêmement crucial de continuer à déconstruire notre héritage artistique qui, pendant si longtemps, a établi des distinctions entre « high art » et « low art » — des distinctions qui, dans certains contextes, reflètent des préjugés classistes, racistes et coloniaux.

L'un des objectifs de mon travail a été de questionner les catégories des genres et des pratiques artistiques tout en explorant de nouvelles possibilités au sein de la danse contemporaine.

Une grande partie de mon travail consiste à concilier des éléments et des pratiques venant de mon passé et de mon présent afin de créer des ponts entre des personnes, des endroits, des pratiques appartenant à des mondes différents. Durant ma résidence à La Bellone, j’espère continuer à explorer et définir des concepts clés dans mon processus artistique qui a été pour moi une méthode de travail mais aussi une stratégie de survie.

Cette recherche est liée à la création de ma nouvelle pièce « La Noche de Aparición » que je co-crée avec Lulu Ramirez Muñoz, et qui mêle clown, danse, histoires de fantômes, esthétique des films d'horreur et folklore mexicain.

Désirée est née au Mexique en 1992. Elle a fait ses études en arts visuels à Rennes (France) en 2011, puis a déménagé en Belgique en 2018. Depuis lors, elle a travaillé comme interprète pour des créateur·rices renommés, développé son propre travail, et également encadré et enseigné dans plusieurs écoles et organisations académiques en Belgique. Son travail entretient une relation étroite avec la magie, la décolonisation, l'immigration et la guérison.

En 2022/2023, elle a créé sa première performance La Fiesta de Delfina, qui a été présentée au Mestizo Arts Festival (2022), à There is Nothing Wrong With People dans les studios Kaai (2023), à ON_OFF_SPACE à DeSingel (2023), au Love at First Sight Festival à Arenberg (2023) et à Próximamente au KVS (2023).

En 2025, elle créera son nouveau projet La Noche de Aparición avec Lulu Ramirez Muñoz.

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27/02/2025 - Mélina Despretz-Kokines

Thu, 27 Feb 2025 11:00:00 GMT

Il est l’heure de faire trace de cet itinéraire de pratiques inhibées et de grande félicité tissé sur la saison 23-24 entre La Bellone à Bruxelles et La Serre à Montréal.

Ce qui m’a d’abord mise en mouvement c’est la recherche de méthodologies et une curiosité piquée de demander à d’autres : comment fais-tu ? Ma trajectoire s’est ainsi faîte de lecture et d’écriture, mais aussi de rencontres et discussions privilégiées (écoute active et attentes suspendues) sur les façons dont on encadre nos pratiques. Comment, quels gestes, quels espaces, quels protocoles et quels rythmes ?

Pour faire trace de cette trajectoire, je voulais imaginer un jeu de cartes. Des cartes à lire, à utiliser et dont on s'accompagne pour développer et regarder nos pratiques s’avancer. Mais en m’approchant de la cartomancie, les cartes sont devenues les prismes par lesquels je regarde et mon miroir à penser. J’y ai trouvé l’inspiration de postures dramaturgiques et des méthodologies élastiques. J’y ai dévisagé l’image de face bien sûr, mais aussi arpenté le dos des cartes et l’espace qui joue entre elles. J’ai découvert l’usage d’une forme fragmentée, multiple, qui conserve l’opacité et adresse le contexte, tout en inspirant la conduite de nos devenirs.

Pour trace de ce voyage d’une saison entre dramaturgie et cartomancie, il y aura une collection de billets écrits, à mélanger battre et tirer, et, si possible, sans point final

Mélina Despretz-Kokines navigue entre de nombreuses pratiques. Elle a mené un parcours d’études en sciences humaines et théorie des arts vivants (CPGE au lycée Molière puis licence d’humanités et arts du spectacle), puis en licence d’arts plastique. Elle s’est également formée en pratique théâtrale (Cours Florent, Conservatoire Maurice Ravel) avec des points d’attentions dans les arts du contes, théâtre immersif, espace public et viewpoint. Elle pratique depuis son jeune âge le flamenco, et se forme à divers vocabulaires des arts du mouvements avec de nombreux stages et ateliers en danse contemporaine, hip hop, krump, classique et pratiques somatiques. Elle a notamment réalisé un Certificat d’Etudes Corporelles à Paris 3, et rejoint la Cellule Chorégraphique/labo de l’interprète en 2019 à l’école James Carlès. Elle co-organise également des rassemblements comme le Top Floor Festival centré autour des pratiques du mouvement, ou théâtral festif comme Le Bal du Loup.

Elle est créatrice de spectacle vivants transdisciplinaire, tissant la création de théâtre, danse et d’attention au dispositif. Elle a créé les spectacles Ce qu’il nous reste (2016), Le Loup des Steppes et le Théâtre Magique (2018), Incroyable ! Vous ne devinerez jamais ce que va faire cette fille à 2min32… (2022). Elle y explore des modalités narratives fragmentées, et une physicalité virtuose et sensitive.

Depuis 2021 elle officie en tant que DJ sous le nom de NEK comme conductrice viscérale et disruptive de dancefloor. Avec athlétisme sonique elle explore des tissages musicaux cinématiques, texturés, chaloupés et aventureux. On la retrouve régulièrement sur les web-radios locales et elle est hôte et résidente à LYL Radio avec son show NEST. Elle tend aujourd’hui à l’hybridation de ses pratiques d’artiste sonore, de dramaturgie et performance... pour le cabaret Pédiluve des Immortelles, les contes d’Outres-mondes et la poésie sonore d’Algo//rythmique.

Elle participe aux séminaires dramaturgie de la Bellone entre 2022 et 2023 et travaille comme dramaturge accompagnatrice de projets, mais aussi chercheuse, notamment autour de la pratique de la cartomancie.

https://soundcloud.com/nek-mdk

https://www.instagram.com/nek_mdk/

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21/02/2025 - Nadjim Bigou-Fathi - Soto Labor

Thu, 20 Feb 2025 23:00:00 GMT

Leaving Vegas se présente comme un docu-fiction, entre (en)quête spéculative et film performance, qui part à la recherche des interprètes de la scène de danse Scuola di Ballo al Sole1 (Uccellacci e uccellini, 1966, Pier Paolo Pasolini). Envisagé comme un spin-off de leur précédent projet Frsh(recherche d’un objet dans une poche), nadjim bigou-fathi & soto labor produiront les premiers matériaux filmiques en Décembre 2024, à l’occasion d’une résidence d’un mois à la Villa Medici (Rome, IT). Suite à quoi, la résidence d’écriture de La Bellone leur permettra d’entamer une phase d’expérimentation dramaturgique mêlant écriture et mise en scène, afin de réfléchir à la transmission « performative » des étapes de fabrication de leur docu-fiction.

nadjim bigou-fathi (1990, FR) est un designer, artiste visuel et performeur. Il s'intéresse à l’émergence des limites – des murs aux mots – et aux dynamiques normatives, territoriales ou autoritaires qui les sous-tendent. Par le biais de projets curatoriaux, sculpturaux ou performatifs, il étudie des situations d'attente et d'anticipation en interrogeant les relations de pouvoirs entre les participant·es.

soto labor (1993, FR) est un poète, artiste visuel et performeur. Fortement influencé par le hip-hop comme moyen d'autonomisation, il explore différentes formes de récit et de performance, tout en se penchant sur les conditions d’exercice du discours. Il produit des histoires courtes, fables, poèmes et paroles de rap comme autant d’outils critiques.

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20/02/2025 - Louise Siffert

Wed, 19 Feb 2025 23:00:00 GMT

Sous le brouillard épais d’une machine à fumée se cache un manoir en carton-pâte aux détails miniatures détaillés. À l’intérieur, des acteur·ices aux dents aiguisées jouent de manière « camp » et merveilleusement faux, sur le son strident d’un thérémine qui s’active dès que les nuages passent et obscurcissent la lune. Dans une grande course contre le temps nouvellement infini et leurs transformations monstrueuses en vampires (en lesbiennes ?), elles luttent de façon sinistre et parfois émouvante contre ce qui semble être leurs actions et leurs désirs « contre nature ». Et, alors que les cauchemars deviennent de plus en plus intenses, les soupçons de plus en plus évidents, la prise de conscience de ce qu’elles pourraient être en train de devenir, les poussent (à travers une énième couche épaisse de brouillard ridiculement dense qui envahit le plateau) à l’inévitable...Morsure

Louise Siffert se forme à la scénographie avant d'intégrer l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts à Paris. Elle est membre de DOC ! espace artistique autogéré à Paris. Les performances et films de Louise Siffert interrogent les communautés politiques en marge et leurs archives. À travers la fabrication de costumes, d’accessoires, de bandes sonores, Louise Siffert crée et investit des décors visuels qui nous plongent dans un univers bricolé, immersif et grotesque rappelant l’esthétique « camp » et dissidente de l’artifice. Son dernier projet WE HAVE DECIDED NOT TO DIE, a été montré au festival Actoral, à la Ménagerie de Verre et au Centre Pompidou et au Belluard Bollwerk (Suisse).. Avec Lavender Nightmare (création 2026), elle entame une recherche autour de la représentation de la vampire lesbienne dans différents corpus d’œuvres filmiques et littéraires.

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07/02/2025 - Marie Darah & Alexandra Castard

Mon, 10 Feb 2025 09:27:42 GMT

Le texte est un manifeste intime, sur les violences carcérales, et, en filigrane, sur la mécanique systémique qui amène à une polarisation de ces expériences autour des personnes racisées. Dans la forme, c’est un récit choral, alternant l'expérience depuis mon endroit dans une prose autofictionnelle et la voix de mon frère, extraite de ses textes de rap, qu’il a écrits entre sa première incarcération et 2020. A l’ombre, mon frère s’essaie à dire la déflagration que peut être pour une famille l’incarcération d’un des siens, en s’appuyant sur les résonances thématiques et musicales de nos textes.

Le projet est celui d'une performance orale et sonore, mon texte A l'ombre, mon frère sera interprété par Marie Darah, mis en scène par Ophélie Mac.

La performance permettrait de rendre audibles des voix qui ne le sont pas, car structurellement réprimées, par le racisme systémique et la violence de classe, pour celles et ceux qui traversent ces expériences et pour rendre visible les processus d’apaisement, de résistance à travers la création artistique. Celle de mon frère avec le rap, la mienne avec ce texte.

Une performance orale et sonore rendrait également le texte et son propos abordables sans prérequis culturel/ littéraire mais sans perdre en puissance. On s'adresse ainsi à celleux qu’un accès limité aux ressources culturelles, laisse aux portes des lieux de création et de production artistiques.

La mise en scène que nous imaginons, pour l’instant, serait sobre, s’appuyant sur une ambiance sonore évocatrice, jouant sur les jeux d’ombres et de lumière, fidèle au texte, au plus près de l’expérience sensorielle, ne cherchant pas à sauver le public de l’angoisse de ce qui est énoncé.

Alexandra Castard - auteure

Psychiatre de formation, je tente de réparer par le langage, la mise en récit de trajectoires singulières, l’écoute des voix rendues inaudibles. La littérature, par la lecture puis l’écriture, est depuis longtemps un lieu de respiration, de restauration, de retrouvailles avec le plus intime, donc le plus largement partagé. Aussi, la mise en narration de soi infuse tous les espaces que j’investis, les espaces de création comme les espaces de soins. Après une thèse sur les représentations des transidentités dans le champ médical et plusieurs travaux en psychiatrie transculturelle, la question des savoirs situés, de l’importance du décentrage des points de vue hégémoniques, de l’attention prêtée aux voix qui émergent depuis les marges est au centre de mon travail, artistique et thérapeutique.

A l’ombre, mon frère est mon premier texte.

Marie Darah - interprète

Poète fluide et respectant le vivant, Marie Darah écrit en narguant frontières et genres. En travaillant en collaboration étroite avec les secteurs associatifs, social et éducationnel. Afin de repenser le monde en déconstruisant ses systèmes d'oppressions.

Acteurice, auteurice, slameureuse, atelieriste socioculturel·le, champion·ne de Belgique et d’Europe de Slam en 2021. En 2023, nommé·e champion·ne international à Chypre et lauréat·e un African Artistic Award en littérature.

Iel a édité chez Maelström Sous le Noir du Tarmac et Depuis que tu n’as pas tiré, récit entre conte et slam, donné en corps, musique et voix avec Cloé du Trèfle au Rideau de BXL. Son dernier recueil Meutes est sorti aux éditions des Midis Poésie.

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24/01/2025 - Imane Elkabli

Thu, 23 Jan 2025 23:00:00 GMT

Metamorphosis (working title) est une performance de danse contemporaine solo en cours de création, dans laquelle l'artiste explore les étapes de transformation du corps à travers les émotions et le mouvement. Imane Elkabli s'inspire de son héritage, notamment de la danse traditionnelle Aita, et puise également de l'inspiration dans le mouvement et l'esprit Shikha. Ce travail en cours met en lumière la façon dont la danse peut servir de vecteur pour exprimer la transformation personnelle et collective.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Imane Elkabli est une danseuse et performeuse contemporaine marocaine qui a fait la transition des études de philosophie au monde de la danse. Sa pratique artistique explore les émotions et la découverte de soi à travers le corps et le mouvement, intégrant souvent divers matériaux pour approfondir sa vision artistique.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

Ce projet est accompagné par la dramaturge Nedjma ben Hadj.

Imane Elkabli est lauréate du Concours Taklif organisé pour la première fois lors du Festival On Marche, Marrakech, 2023.

Depuis 2022, elle fait également partie de l'organisation du Festival du Court Métrage de Marrakech, où elle occupe le poste de Coordinatrice Générale du Festival.

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23/01/2025 - Faustine Boissery et Joey Elmaleh

Thu, 23 Jan 2025 16:01:46 GMT

Frère Jacqueline ira-t-il au Paradis ? est une fiction théâtrale aux accents de liturgie cabaretique.

Faustine Boissery et Joey Elmaleh travaillent à la réécriture de mythes chrétiens qui, maquillés et travestis, donnent à voir une histoire alternative de la grâce. Qu'elle appartienne aux persécutées !

À travers les figures légendaires, fantasmées et actualisées de Frère Jacqueline, proche de François d'Assise, et de la Vierge de Toutes les Douleurs, les deux performeuses jetteront un éclairage caustique, pop et singulier sur des questions de genre, de désir, de foi, de réprobation et de militance.

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13/12/2024 - Sihame Haddioui

Fri, 13 Dec 2024 11:14:33 GMT

« Exhibit a » est une recherche, une quête obsessionnelle. Derrière son ordinateur projeté et soumis à la lecture du public, Sihame Haddioui compile des tranches de vie liées à sa prise de conscience de la corporalité des membres de sa famille. Des souvenirs d'enfance. Sur les corps. Le leur. Le sien. Et si le public est pris à témoin, c'est que la performance porte bien son nom. Exhibit signifie pièce à conviction en anglais. Jusqu'où nous est-il demandé de prouver qu'on existe pour se hisser à hauteur d'humanité ?

À la Bellone, elle explorera et développera les différentes écritures dramaturgiques (le texte, le plateau et le corps) liés à sa performance.

Sihame Haddioui est une artiste, ex-chroniqueuse radio en Belgique (Pure fm, RTBF), autrice bruxelloise et militante politique lesbienne féministe et antiraciste. Ses thèmes de prédilection s’articulent à l’intersection de l’intime et du politique : le corps, la famille, la classe, le et la politique. Artiste de stand-up, Sihame Haddioui a le sens de la formule et porte une attention particulière au processus narratif et donc au confort du public. Depuis 2018, elle est échevine (adjointe au maire) en charge de la Culture et de l’égalité des genres et des chances à Schaerbeek (Bruxelles).

Exhibit a est une adaptation d’un des chapitres de Rendre Corps, son premier essai à paraitre aux édition Les Liens qui Libèrent (Paris). Saison 2024-2025 aux Halles de Schaerbeek.

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12/12/2024 - Leïla Alice

Thu, 12 Dec 2024 11:10:45 GMT

« lilo soleil » est un univers façonné par l'alter ego éponyme qui partage son histoire. Au cœur de cette œuvre immersive, Lilo se présente comme le créateur et l’explorateur de cet espace. Constamment en quête de compréhension, il questionne son environnement ainsi que sa propre conception de lui-même. Ce projet propose une plongée dans son monde intérieur, mais aussi un voyage onirique à travers lequel chacun·e peut saisir un fragment de son propre reflet. Une balade à travers cet inconscient devenu réalité, où le·a spectateur·rice n'est pas un·e simple observateur·rice, mais un·e participant·e essentiel. Iel est invité·e à se perdre dans ses idées tout en interagissant avec le récit proposé. Le désir est de permettre à chaque individu de s'approcher de sa propre vérité. « lilo soleil » vise à offrir au spectateur·rice l'occasion de s'engager dans une exploration personnelle, et peut-être même de découvrir des facettes insoupçonnées de lui-même tout au long de ce voyage. C'est une ode à l’authenticité.

leïla alice, artiste transdisciplinaire, incarne son expression la plus authentique à travers son alter ego, Lilo Soleil. Avec une volonté solaire, iel s’efforce de raconter son histoire en naviguant entre le maquillage, la voix, le corps et les mots. Un point commun à toutes ses créations est l’utilisation des couleurs, qui viennent raconter ses différentes personnalités et émotions.

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06/12/2024 - We The Lions

Fri, 06 Dec 2024 11:00:49 GMT

« L'Brahech » est un hommage à l’âge des premières fois, à l’âge de la découverte de soi et des autres, à l’âge de la quête de l’identité. Six êtres se livrent corps et âme à leur expérience la plus intime. Évoquer les différents états de l’adolescence, ses déchirures, ses leçons, ses questionnements, dans une recherche perpétuelle de notre raison de vivre. Parler d'une période par laquelle tout être humain passe, se livrer aux autres, s'assumer et assumer une part prédominante de soi. « L’Brahech » ou « Gamins » en jargon dialectal marocain, est un hymne à la vie et se veut offrir au public une exploration de la fragilité et de la vulnérabilité de ses danseurs qui l'incarnent.

L'objectif actuel de la compagnie est de finaliser la production du spectacle en le développant (un passage de 35 à 50 min), afin d'obtenir un format final prêt à être diffuser à partir de début 2025. Les 3 semaines de résidence (au Grand Studio et à La Bellone) seront donc l'occasion parfaite d'avoir un dernier œil externe sur la pièce pour en perfectionner la dramaturgie et l'amener à son format final.

We The Lions est un groupe de danse composé de 6 danseurs professionnels, tous basés à Casablanca au Maroc, qui a été formé en 2015 avec une passion commune : le Break. Suite à leur rencontre, une amitié s'est indéniablement construite et s'est renforcée à travers leurs nombreuses participations à différentes compétitions nationales de Break, jusqu'à ce qu'ils aient remporté, en 2017, deux des plus grandes compétitions marocaines de Break Dance, « The Best Moroccan Crew » et « Break Floor Africa Qualification ». Ces deux compétitions ont représenté un véritable tremplin pour le crew, qui les a poussés à se développer tant individuellement que collectivement. Depuis, We The Lions ont enchaîné les voyages au niveau national et international (principalement en Europe), participant et remportant des compétitions et des battles de renommée mondiale.

We The Lions ne se limitent pas à la compétition et à la street, mais ils ont toujours eu une passion pour le Break, ce qui les a poussés à explorer de nouveaux styles de danse et de nouvelles perspectives. Leur curiosité et leur quête de l’inconnu les ont menés à la danse contemporaine en 2018, où ils ont pu débloquer certaines formes d’expression jusque-là inexplorées.

En plus de leurs travaux et performances en groupe, chacun a pu grandir et s'épanouir individuellement, et ce aux côtés de certain·es des meilleur·es chorégraphes urbains et contemporains, leur ouvrant ainsi la porte à la scène internationale.

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05/12/2024 - Les dramaturges associé·es à la Bellone

Thu, 05 Dec 2024 10:57:08 GMT

Les cinq dramaturges autour de la table font partie des dramaturges associé.x.es de La Bellone, qui ont pour tâche de converser avec des artistes qui réalisent ici des résidences de dramaturgie sur leur projet en cours de création. On entend souvent parler les artistes du travail mené avec les dramaturges mais plus rarement les dramaturges sur leur travail avec les artistes. C’est donc pour ça que nous avons souhaité les réunir aujourd’hui.

L’occasion de revenir sur ce format particulier de résidence, dans ce qui le distingue des résidence d’écriture, de recherche ou de création : chaque résidence de dramaturgie est « encadrée » par deux jours de conversation avec un.e dramaturge qui n’est pas cellui du projet. A quelle pratique de la dramaturgie cela donne-t-il lieu ? Quelles sont les demandes des artistes et les réponses possibles à leur apporter ? Que se passe-t-il, pour les dramaturges, dans ces incursions momentanées dans un travail qui n’est pas forcément familier ?

Avec : Léa Tarral, Hanna El Fakir, Marie Umuhoza, Lily Brieuc Nguyen et Adeline Rosenstein, interrogé·es par Mylène Lauzon

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22/11/2024 - Kidows Kim

Fri, 22 Nov 2024 10:46:49 GMT

HIGH GEAR est un solo qui explore une collection corporelle de figures tirées de mangas alternatifs et qui excave une imagerie évoquant des rapports au pouvoir, à la norme et à la domination. Sans jamais les reproduire, une créature incarne confusément des images issues d'univers teintés de patriarcat et d'impérialisme, elle tente d'en détourner les codes et de s'affranchir de leur toxicité.

Dans HIGH GEAR j'explore les caractéristiques structurelles du manga à travers une écriture chorégraphique : un excès d'informations contenu dans un cadre formel infranchissable, incarnée par une structure métallique composée de pièces agglutinées. Des images indéterminées naissent de l'entrelacement et de la superposition. Dans les interstices de cet agglomérat, des figures fragmentées, inquiétantes et maladroites, tentent de se faufiler en esquivant les collisions.

Je suis né en Corée du Sud, après avoir étudié la conception graphique et le mime, j'ai poursuivi ma formation au CNDC d'Angers puis au master exerce à ICI- CCN de Montpellier direction Christian Rizzo. Mes créations composent une cosmogonie intime sous la forme d'un "Dictionnaire des créatures fantastiques". J'en ai dévoilé le premier chapitre, un solo étrangement monstrueux nommé "FUNKENSTEIN" (2021) ainsi que le second volet "CUTTING MUSHROOMS" (2023) qui explore une micro transformation inachevée. En parallèle, j'élabore une série de performances ponctuelles et éphémères autour d'une obsession pour les mangas.

Mon travail s'imprègne de la "Monstrarchéologie", c'est-à-dire une méthode qui consiste à excaver une forme organique ambigüe errant entre le figuratif et l'abstrait à partir d'expériences intimes, sociales et politiques.

En se basant sur cette méthode, j'explore la monstruosité qui surgit en déconstruisant les idées dominantes de l'inconscient collectif par la distorsion de la normativité du corps humain, de la voix et des objets quotidiens. J'essaye d'extraire l'étrangeté qui se cache dans le prosaïque.

Durant cette exploration ininterrompue, l'apparition précaire de raccords et de ruptures diffuse constamment des matériaux chorégraphiques indéterminables. Ce faisant, l'inaccomplissement d'une transformation infinie fait affleurer une physicalité impalpable. Je pratique cette excavation en questionnant les hiérarchies entre différents médiums (mouvements, vêtements, son, sculpture, écriture...) et en examinant les frictions entre eux. Cette méthodologie embrouillée dépeint un poème épique performatif composé de mythes personnels.

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18/10/2024 - Rachel Cholz

Fri, 18 Oct 2024 14:40:47 GMT

Dans le cadre de sa résidence à La Bellone, Rachel Cholz a travaillé sur la nouvelle série « Comment détruire un ciel » en continuité du projet « Viens Valeur », tout en développant un texte, en partie inspiré de son travail avec les influenceuses, questionnant la représentation de soi dans les réseaux et alliant la question de l’intimité aux ambitions commerciales.

Rachel Cholz est née en 1991 en France. Elle développe un projet d’art numérique appelé « Viens Valeur » où elle met en scène des youtubeuses ASMR en leur proposant sa propre dramaturgie, pour leur propre chaîne. Ce projet s’intéresse aux détournements sémantiques des objets utilisés dans la pratique de l’ASMR, ainsi qu’à la place iconique des influenceur.euses sur les réseaux. Son premier récit appelé « No ou le pactole », inspiré par la violence de la rue, par les personnes mises en marge, mais aussi par leur solarité, a été Lauréat à Artcena en novembre 2021 et est sorti aux Éditions La Lettre volée en octobre 2022. Son premier roman appelé « Pipeline », développant un réseau autour d’un trafic de gazole suite au perçage d’un pipeline, est paru en avril 2024 aux Éditions du Seuil.

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11/10/2024 - Habib Ben Tanfous

Fri, 11 Oct 2024 14:40:52 GMT

Je viens à la Bellone pour travailler sur « Orchestre vide Longing for you ».

L'idée est de faire une résidence transversale sur tout le projet. Clarifié les aspects dramaturgique, lumière, musique, production, calendrier, et finalisation de l'équipe artistique.

« Orchestre vide longing for you » est un travail sur le karaoké comme lieu d'expériences individuelles qui se vie de manière collectives.

« Le temps d'une nuit, nous plongeons dans un endroit où tous les épanchements sont possibles. Un karaoké où viennent, le temps d’une soirée, s’essayer à la chanson des êtres complexes, et s’y perdre. Inviter un certain délire où la possibilité que la danse apparaisse dans les failles des chansons. Cinq personnages aussi éclectiques que singuliers dévoilent leurs propres failles à travers les mots de chansons d’une époque qu’iels n’ont pas connue. »

Á la bellone je vais tenter de questionner la théâtralité du karaoké, la place du public dans cette théâtralité. (ou comment inviter le public à participer activement.)

Habib Ben Tanfous est basé à Bruxelles, où dès l’âge de 15 ans, il se forme à la danse hip-hop. Il collabore avec de nombreux artistes, dont les collectifs Impulsion et The Revolutionary. À 22 ans, il intègre le Conservatoire Royal de Bruxelles en section interprétation dramatique et en sort en 2018, diplômé avec le Prix du Jury. Il est l’un des artistes du Tremplin Hip Hop #3. En 2019, il commence son certificat supérieur en Danse et Pratiques Chorégraphiques à Charleroi danse en partenariat avec l’INSAS et l’ENSAV La Cambre. Il joue sous la direction de Manoël Dupont, Harpo Guit, Hélène Theunissen, Diane Fourdrignier, Adeline Rosenstein, Armel Roussel, Ilyas Mettioui, Michel Bernard, Pauline d’Ollone et Olivia Grandville. En tant que chorégraphe, il crée Finek, une pièce pour cinq danseurs, présentée au Festival Courants d’airs 2018 puis au COCQ’ARTS 2019 et Orchestre vide(work in Progress) dans le cadre du Tremplin Hip Hop #3. Il a créé le solo Ici je lègue ce qui ne m’appartient pas coproduit par l’Atelier 210, le Théâtre Varia, Charleroi danse, Les SUBS et FINEK, la saison 22/23. Son solo Ici je lègue ce qui ne m’appartient pas est sélectionné pour le festival AEROWAVES 2024.

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04/10/2024 - Sarah Siré & Fabien Defendini

Fri, 04 Oct 2024 14:40:56 GMT

Sur le temps de quelques années, nous avons levé progressivement un voile pour nous-mêmes sur la domination des animaux, leurs instrumentalisations aussi bien que leurs exécutions, pour notre usage à nous les humains. Un monde exploité au bénéfice d’un autre dans l’invisibilisation totale des process de la production alimentaire et vestimentaire contemporains. Ce qui n’existe pas n’a pas de statut, n’a pas de reconnaissance, comme une fatalité.

Nous nous sommes rendu compte qu'il existait alors une littérature riche et complexe, elle aussi absente de l’histoire des idées, elle aussi invisibilisée, rendue comme inconsciente alors qu'elle alimente pourtant toutes les utopies politiques et philosophiques.

Il y a là matière à discussion : comment imaginons-nous notre avenir ? Et si, au lieu de nourrir toutes les dystopies, aussi vraisemblables soient-elles, nous imaginions plutôt un futur désirable

? Une façon de lier la terre, les non-humains et nous, une façon de faire monde ? Un monde hors de la domination…

Pour cela, nous avons eu envie de questionner, prendre le pouls autour de nous. Savoir ce qu’il en est de notre relation aux animaux, s'il existe un monde sans la souffrance animale, requestionner les utopies politiques à l’aune de cette question et les agencer de telles sortes qu’elles nous présentent d’autres manières d’habiter le monde.

Nous voulons faire de cette résidence à la Bellone l’occasion d’un partage d’expérience sur notre envie du futur, par-delà nos angoisses légitimes, entrouvrir la perspective d'où les non-humains pourraient, à leurs mesures, apporter, eux aussi, leurs voix.

Sarah Siré, metteuse en scène et dramaturge

Fabien Defendini, coordinateur de projets culturels et dramaturge

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26/09/2024 - Yasmine Yahiatène

Thu, 26 Sep 2024 14:41:05 GMT

Comment les traumatismes nous survivent et comment on se les transmet quand on n’en parle pas?

Avec Les châteaux de ma mère, Yasmine Yahiatène veut questionner les espaces physiques mais aussi temporels et générationnels de liberté de la parole.

Depuis la sortie du spectacle La fracture et le décès de Ahmed Yahiatène, partenaire de vie de Nora Djeraï durant 28 ans et père de ses deux filles, le rapport entre Yasmine et sa mère a évolué et elles partagent beaucoup plus de choses, de temps, une forme de complicité s’est autrement développée. Ces moments sont souvent liés à des moments où elles fument des cigarettes et boivent du vin.

Nora Djeraï est née à Bouchegouf (ou Duvivier à l’époque) en 1958 en Algérie (Française.)

Dans une famille faite quasiment que de femmes, les moments d’expression se passent souvent lorsqu’elles cuisinent, lorsqu’elles boivent le café, rien n’est jamais vraiment dit, tout est souvent sous-entendu, chacune a sa place, chacune à son endroit.

Et puis il y a la danse, la fête et le rire. Les châteaux de ma mère, c’est une fête, celle de la liberté, de la délivrance, ce sont les femmes qui racontent. C’est la place pour qu’elle, Nora Djeraï raconte sa version, son histoire qui de nouveau débordera sur l’Histoire. On écoute celles qui doivent raconter.

« Les châteaux de ma mère, c’est ma mère qui monte sur scène, et qui raconte une histoire. Ce sont nos échanges que l’on grave dans nos mémoires (intimes et collectives), ce sont nos sessions d’épilation au caramel en famille, la préparation de la semoule, du thé, le hammam, et la fête. »

Yasmine Yahiatène est une artiste pluridisciplinaire.

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13/09/2024 - Stanley Ollivier

Fri, 13 Sep 2024 14:41:10 GMT

Après la performance « The Mirror Stand » et le duo « PARADE », Stanley Ollivier développe un nouveau projet « Spine Of Desire: Wounds without tears, out of one skin in diamonds and shit» (2025). Au cours de sa résidence, il se penchera sur les interrelations entre l'intime, le corps et la création d'un espace de soin. En prenant comme point de départ le pouvoir de construction communautaire des espaces d'appartenance PANDC* afin de reformuler les approches chorégraphiques traditionnelles.

Le travail se fera en étroite conversation et collaboration avec Lily Brieu Nguyen et Mamadou Wagué, avec qui il partagera la scène.

* Personnes autochtones, noires et de couleur.

En anglais BIPOC

Stanley Ollivier est un danseur, interprète, chorégraphe et Dj de banlieue parisienne, France. Issu d'une formation gymnique, il décide de changer de voie par besoin de créativité, et part étudier la danse et la comédie musicale à l'Académie internationale de la danse (AID). Il part poursuivre ses études en danse contemporaine au conservatoire national de danse de Paris (CNSMDP), et à P.A.R.T.S. où il a obtenu son master en arts, en danse.

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06/09/2024 - Martha Canga Antonio

Fri, 06 Sep 2024 14:41:15 GMT

Chapitrage :

(00:00)

Le terme « holy » se définit par « dédié ou consacré à … » - des formes sacrées se transformant en espaces sacrés rassemblant des rencontres sacrées ; Holy - working title.

Par la recherche de ces formes, une expérience théâtrale et musicale se dessine.

En son sein, un sens du sacré se crée par & pour un déplacement collectif.

« Pour moi, il s'agit d'un espace/état d'esprit créé par nous-mêmes qui devient sacré après que nous ayons laissé tomber notre ego et nos idées sur le monde. Un espace qui peut être trouvé individuellement mais aussi créé avec d'autres. Un espace de lumière, aussi sombre que puisse paraître le monde extérieur. De paix intérieure, quelle que soit la force avec laquelle nous décidons de l'exprimer. De liberté, quand les mots manquent pour la décrire. » - Martha

Martha Canga Antonio est une artiste pluridisciplinaire belgo-angolaise dont la carrière créative s'étend de la musique au cinéma en passant par le théâtre. Aussi connue sous l’alias Martha Da’ro, elle utilise son art pour raconter des histoires puissantes, tant personnelles que collectives. Elle fait ses débuts au cinéma avec un rôle dans le film Black en 2015, qui lui vaut le prix du Meilleur Actrice au Festival du Film d'Ostende. Sa voix douce et imposante l’a démarquée dans le milieu musical, où elle explore divers genres avec sa présence scénique unique. En 2020 elle a sorti son EP Cheap Wine & Paris, en 2023 son premier album PHILOPHOBIA. Au cours de l’été 2023, Martha fait ses débuts en tant que metteuse en scène à travers la co-création d’une performance musicale, à et avec Decoratelier. Depuis, elle travaille à une réécriture, une réitération de cette même pièce aux côtés de Vincent Focquet et Marie Umuhoza.

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26/06/2024 - Claire Olirencia Deville

Tue, 25 Jun 2024 22:00:00 GMT

La plage avant est un dialogue entre deux personnes : une femme blanche et un homme noir parlent en fumant dans une voiture. Iels dialoguent sur les oppressions systémiques – celles qu’iels subissent mais aussi celles qu’iels infligent. Iels dialoguent sur le monde, le militantisme antiraciste, le féminisme et la masculinité toxique, l’adelphité, le post-partum, le football, la crise climatique, bell hooks, les fringues, les soirées chiantes ou le hip-hop. C’est un huis clos, aussi anxiogène, doux, intime et radical que les sujets qu’iels abordent.

Un des enjeux de cette étape de travail est de construire le texte en laissant une grande liberté à la mise en scène, afin de mettre en lumières les mécaniques oppressives, y compris dans le découpage des dialogues. Le texte pourra ainsi être joué par deux, trois, quatre (ou plus) acteurices. Nous réfléchissons également à comment notifier au mieux l’attention particulière qui sera par la suite portée au casting. Nous inviterons la dramaturge Alana Osbourne à réfléchir avec nous.

Autrice et féministe, Claire Olirencia Deville (elle/ielle) réside à Bruxelles depuis 2008. Après des études de danse et un master de littérature, elle travaille plusieurs années comme danseuse contemporaine avant de se spécialiser dans le tango argentin. En 2013, elle participe au concours pour jeunes écrivains APAJ du journal Libération qu’elle remporte avec son texte Dernier tango à Bruxelles. Elle part vivre à Buenos Aires, où elle écrit son premier roman Les Poupées Sauvages paru aux éditions Délirium en 2014, qui remportera un succès critique et public. Son deuxième roman Les Citrons, sur les parfums, est publié en avril 2017 aux Editions Murmure des Soirs avec une bourse découverte de la Fédération Wallonie-Bruxelles. Son monologue poétique Il a mangé le soleil mis en musique par Camilo Cordoba avec l’oeil extérieur de Lisette Lombé sera programmé au festival de la Fabrique de théâtre en février 2023. En 2022 elle met aussi en scène ses Contes Défaits au théâtre avec le soutien du CED, du théâtre Mercelis, de la Compagnie MAPS-Résidence Enfants Admis et de La Chaufferie. La première aura lieu au Théâtre National dans le cadre du festival MAD en mars 2023. Elle collabore également avec Joëlle Sambi sur sa pièce de slam DEMAIN à la Maison Poème en 2023 et sur un nouveau texte de théâtre La plage avant. En 2023 et 2024, elle publiera deux livres aux éditions Double Ponctuation : un recueil de poèmes Jusqu'à la fin du monde et le roman LASA, avec le soutien la Scam et Passa Porta.

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31/05/2024 - Ondine Cloez

Fri, 31 May 2024 10:00:29 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(02:55) Un apprentissage d'écriture

(10:26) Retourner 20 ans en arrière pour révéler le présent

(15:59) Poésie, traduction, création

(21:05) Ecrire à deux un tanka de 31 syllabes - la Tender session

(31:52) Le futur du projet - et un cadeau surprise

« The first word of the first poem of the first collection is basket » est un duo de Kotomi Nishiwaki & Ondine Cloez.

« Le point de départ est le premier recueil de poésie japonaise, Man’yoshu, littéralement « Recueil des dix mille feuilles [d’arbre] » qui contient 4516 poèmes écrits entre le IVème et le VIIIème siècle par diverses personnes : hommes, femmes, empereurs, impératrices, paysan·nes, anonymes et dont le premier mot du premier poème du premier livre de ce recueil est (komoyo) qui signifie panier.

Si nous arrivons à trouver informations et explications sur le contexte dans lequel ont été écrits ces poèmes anciens, à l’inverse nous éprouvons des difficultés à recomposer qui nous étions il y a une vingtaine d’années. Notre mémoire semble imparfaite et trouée. Nous doutons de nos propres souvenirs.

Nous aimerions que notre recherche artistique soit également un moment d’apprentissage, nous espérons poser un socle commun sur lequel créer quelque chose. Nous sommes autant intéressées par ces matériaux lointains que par la manière dont nous allons collaborer et inventer une manière de travailler ensemble. »

Pour cette résidence à La Bellone, elles approfondissent un des pans de leur recherche : l’écriture et la traduction. Elles invitent Bruno de Wachter à donner une lecture et un atelier d’écriture de trois jours ouverts à d’autres participant·es.

Ondine Cloez (France, 1979) est une chorégraphe et performeuse basée à Bruxelles.

Kotomi Nishiwaki (Japon, 1978) est performeuse, chorégraphe et comédienne.

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27/05/2024 - Eli Mathieu-Bustos

Mon, 27 May 2024 14:42:38 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(03:23) Espace de recherche et paysages textuels

(06:26) Deux projets, une pièce, un livre

(15:38) Travailler (avec) la peur face à la montée du fascisme

(20:27) Du courage : judo et dramaturgie

(32:41) Les prochaines étapes

Les enjeux de l’esclavagisme et du colonialisme font partie de nos systèmes institutionnels, des systèmes qui nous régissent, des systèmes auxquels nous prêtons allégeance même si parfois sans grande motivation. Ces enjeux sont des fantômes contraints à l’immatérialité par des pouvoirs auto-dépeint comme gagnants dans nos livres d’Histoire de la Modernité.

La matière étant le vocabulaire des vivant·es, cette résidence sera pour moi, une première recherche afin de restituer un peu de tangibilité à ses fantômes. Leurs prêtés des corps, des voix, des espaces où se déployer pour dire et faire, et ainsi participer à la construction d’espace où l’interprétation nous sert à axer nos décisions dans une direction qui allient éthique et empathie.

Eli Mathieu-Bustos (1998) est un danseur-interprète dont la virtuosité corporelle permet de transcender les différentes identités politiques qui le composent. C’est pourtant à partir d’elles que naissent ses danses. Il est à la fois danseur de formation et autodidacte. Il a commencé le ballet à l'âge de cinq ans et a poursuivi avec des cours de jazz et de breakdance. Jusqu'à l'âge de dix-sept ans il navigue entre différents styles comme le new-style, le poppin, le krump, la danse contemporaine etc. Passionné d'improvisation, ses sources d'inspiration se trouvent à la fois dans des canons de danse institutionnellement reconnus comme la danse expressionniste allemande et buto et dans les styles de danse associés socialement à la subculture telle que le dancehall et la house.

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19/04/2024 - Half & half Vitamines B - Elizabeth et Marine

Fri, 19 Apr 2024 14:42:44 GMT

Je suis documentaliste au Centre de Documentation de La Bellone depuis un peu plus de 4 ans. Lorsque que j’arrive dans un endroit pour un temps certain, que ce soit pour y habiter ou y travailler, j’aime m’approprier le quartier qui m’accueille, m’y sentir chez moi. Je me balade longuement, découvre des endroits fabuleux, des façades et des portes sublimes, des rues cachées, des chats planqués derrière leurs fenêtres.

Je papote avec les voisin.es, de tout et de rien même si nous commençons souvent notre conversation avec des sujets tels que leurs chiens, leurs plantes, le soleil magnifique ou la pluie fort fraîche. Je hante les commerces, librairie, fleuriste, boutique vintage, café, brasserie. Je bats le pavé et me sens chez moi.

Ce voisinage tranquille est important, il est la base de nos solidarités où l’on s’échange quelques signes de la main, quelques propos, quelques conseils, quelques livres, quelques boutures.

Je vous invite donc à venir rencontrer mes voisines préférées dans le cadre d’un Half & Half toute la semaine où nous converserons telles que nous sommes entre nous, des voisines qui s’invitent chacune leur tour pour un petit verre.

Elizabeth

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18/04/2024 - Half & half Vitamines B - Elizabeth et Ariane

Thu, 18 Apr 2024 14:42:50 GMT

Ce voisinage tranquille est important, il est la base de nos solidarités où l’on s’échange quelques signes de la main, quelques propos, quelques conseils, quelques livres, quelques boutures.

Elizabeth

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17/04/2024 - Half & half Vitamines B - Elizabeth et Charlier

Wed, 17 Apr 2024 14:42:58 GMT

Ce voisinage tranquille est important, il est la base de nos solidarités où l’on s’échange quelques signes de la main, quelques propos, quelques conseils, quelques livres, quelques boutures.

Elizabeth

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16/04/2024 - Half & half Vitamines B - Elizabeth et Brigitte

Tue, 16 Apr 2024 14:43:04 GMT

Ce voisinage tranquille est important, il est la base de nos solidarités où l’on s’échange quelques signes de la main, quelques propos, quelques conseils, quelques livres, quelques boutures.

Elizabeth

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22/03/2024 - Stéphanie Auberville

Fri, 22 Mar 2024 15:43:09 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(02:28) Espaces forêts rencontres

(05:30) Métaphysiques et écologie des pratiques

(14:08) Tradition et porosité

(18;46) Pratiques physiques et extraction du regard

(21:47) Les gestes de la modernité / l'abstraction

(25:02) Déplacer l'écoute

La forêt est le point de départ de cette recherche. C'est l'espace aux milles imaginaires et résistances, point d'achoppement de la pensée rationnelle, de l'écologie et des pensées ancestrales. C'est l'endroit où les définitions du vivant se percutent, où le progrès rencontre sa limite par virus et zoonoses, le lieu où les luttes décoloniales sont aussi violentes que cruciales, où les concepts de Forêt comme ressource à exploiter ou à préserver s'entrechoquent et mettent en danger des civilisations qui ont fait de la forêt leur habitat.

Martine Chalvet écrit à propos de la forêt au moyen-âge :

« En forêt, Il n'y avait pas de véritable opposition entre la nature et la culture mais une rencontre entre des éléments venus de mondes différents. Le fou croisait l'ermite, le chevalier rencontrait l'animal, l'homme « sauvage », la fée, ou l'enchanteur. La forêt ne se dévoilent pas sous une seule facette mais déclinait une multitude de figures tendues entre ces deux pôles opposés »

dans Une histoire de la forêt (p. 117).

crédit photo Peter Klare

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1/03/2024 - Antoine Dupuy Larbre & Mooni Van Tichel

Fri, 01 Mar 2024 15:43:14 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(3:15) Recréer une pièce deux ans plus tard

(05:50) L'homme blanc en forêt

(13:20) Voix off et perception détournée

(16:28) Retour sur la Tender session et prochaines étapes

Dans #BACKTONATURE, le corps d'un homme blanc cisgenre évolue en lenteur pendant une heure sur un plateau vide. Il communique avec une voix qui entre en interaction avec lui, le met en mouvement et contextualise ce corps en décrivant ses pensées, ses observations, son environnement. Grâce au temps laissé à l'imaginaire, on plonge petit à petit dans un univers fictionnel précis : celui du retour à la nature par un business man et des idéaux que l'on peut tirer à partir de cette trame narrative et ce personnage. La valeur « universelle » de la nature comme une ressource apaisante est mise à l'épreuve : on finit par douter des intentions troubles de ce campeur du dimanche. Que vient-il chercher ici ? Peut-il se sentir chez lui ? Pourquoi pense-t-il « se retrouver » en allant camper dans une forêt ? Et que compte-t-il trouver ? A quoi ne s'attend-il pas ? De quoi n'est-il pas conscient ? Autant de questions que de confrontations face à notre propre inspiration, utilisation et relation à la nature, dans le travail artistique (chorégraphique) aussi bien que notre vie quotidienne.

Cette résidence à La Bellone est une occasion de faire évoluer le propos de la performance et d'y intégrer de nouvelles préoccupations ayant émergé dans mes pratiques artistiques depuis. Je souhaite notamment retravailler à partir des conséquences politiques de la « déconstruction », du soin, du confort, de l'individualisme, et de l'arrogance à pouvoir (ou essayer de) s'affranchir de toute douleur ou réalité physique - que je vois comme autant de caractéristiques de la blanchité que de processus à l'œuvre dans les arts de la scène. Finalement, je compte utiliser ce campeur comme un bel outil (ou une bonne excuse) pour me reconfronter à mes propres processus de compréhension, de relation et de déconstruction, et de les réactualiser afin qu'ils soient de nouveau pertinemment mis à l'œuvre au plateau.

Visuel © Charlotte Cetaire

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23/02/2024 - Morgane Azoulay

Fri, 23 Feb 2024 15:43:22 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(02:58) Retour sur le temps de l'écriture pendant la résidence

(05:15) Fantasme, désir, fiction

(15:56) Sexualité, théâtralité, subversion

(26:47) Les prochaines étapes du projet

Aqua Midnight Dream, est un projet d’écriture de fiction, voire de Science-Fiction, destiné à la scène. L’écriture est principalement créative mais s’appuie sur la recherche et la collecte de données sur le poids des traumas communautaires, raciaux et sexistes sur la construction des fantasmes. L’objectif n’est pas de documenter le sujet ou répondre à une « problématique » mais de tenter de toucher le point de transformation d’un script sexuel.

Lors de cette résidence à La Bellone, il sera surtout question de la création du texte dramatique et des pistes dramaturgiques envisagées.

De manière régulière durant ces quatre semaines, il y aura des temps privilégiés pour convier quelques personnes à un partage d’expérience et de témoignage autour de la question des fantasmes et de l’imaginaire sexuel.

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22/02/2024 - Lucile Saada Choquet

Thu, 22 Feb 2024 15:43:27 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(3:10) Adoption, assimilation, migrations

(06:40) Passer du je au nous

(10:39) Retour sur la résidence / La frise du projet

(17:15) A qui profite l'adoption ? Illégalités et militances

(26:07) Des espaces de parole entre personnes directement concernées

(28:14) Les prochaines étapes du projet

Qui adopte qui ? est un espace de recherche artistique au service d’un discours critique sur l’adoption internationale. Il naît suite à de nombreuses conversations avec des personnes adoptées racisées lors de ma première installation performative Jusque dans nos lits. Cette recherche se présente comme une (en)quête d’amour et de justice dont le processus m’amène à décrypter les répercussions intimes et politiques de l’adoption internationale sur les corps des personnes adoptées transraciales et transnationales. A partir d’archives individuelles et collectives, Qui adopte qui ? tente de renverser le discours dominant et romantisé du système de l’adoption internationale pour en révéler sa colonialité, sa fiction organisée et ses pratiques illicites. Cet espace de recherche mêle plusieurs champs de références liés au droit, à la justice, à l’activisme et à l’artistique.

Le corps des archives pourrait être le titre de ma résidence à la Bellone. Mon objectif est de créer une archivothèque, envisagée comme une escale artistique après un an de recherche. Le projet est de faire du Studio 2 de la Bellone, le quartier général de ma recherche. Au-delà d’un ancrage matériel, il s’agira d’esthétiser le fait de trier/déclasser/choisir/superposer les matériaux textuels, sonores, audiovisuels qui habitent ma recherche. Le mot-clé de cette résidence est expérimentations. Il sera question de montage, de jeu et de plasticité pour ancrer mes archives dans une recherche d’esthétique et de langage. L’objectif est de jouer à jouer avec les archives et donc d’entrer en relation avec elles. En tant que performeuse j’ai le désir d’explorer la porosité entre les arts performatifs et les arts visuels.

Lucile Saada Choquet a entrepris sa recherche dans le cadre du programme Future Laboratory (2022-2024) soutenu par le Théâtre de Liège, pour lequel elle collabore avec l’artiste de performance, chercheuse et dramaturge Yasmina Reggad à la dramaturgie. Elle est accompagnée par le bureau de production et de diffusion Habemus Papam.

Lucile Saada Choquet (elle/adoptée – FR) est une artiste décoloniale basée à Bruxelles. Après des études d’Arts du spectacle en Normandie, elle se forme comme actrice à Arts²/Ecole Supérieure des Arts (Belgique). Issue d’une formation artistique ancrée dans un héritage culturel raciste et eurocentré, elle développe et questionne son propre langage artistique. Se définissant comme une artiviste, Lucile Saada expérimente dans chacun de ses gestes une pratique décoloniale de l’art (mise en scène, jeu, dramaturgie). Préoccupée par la trace, elle crée des dispositifs scéniques -performance, installation- qui mettent en jeu des corps politiques et repensent les imaginaires collectifs. Avec sa première création, JUSQUE DANS NOS LITS, elle situe son travail à l’endroit d’une réparation collective du trauma colonial. Elle pose des choix artistiques radicaux qui embrassent les enjeux de représentations en termes de genre, de race et de classe.

Visuel © Lucile Saada Choquet - Cérémonie du café. Ethiopie, 2017

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9/02/2024 - Clément Papachristou et l'équipe de "Justice"

Fri, 09 Feb 2024 15:44:24 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(02:59) Présentations

(4:16) Créer et rechercher dans la neurodiversité

(09:39) Faire venir les personnages

(16:08) Justice et handicap

(27:43) Les prochaines étapes du projet

(30:54) Edouardo nous lit son texte "Je me souviens"

Les membres de l'équipe autour de la table : Clément Papachristou, Edouardo De La Faille, Guillaume Paps, Virginie Vandezande, Noémie Zurletti, Marie Alié

Le combat pour l’inclusion des personnes porteuses de handicap ne peut pas ignorer certaines questions sensibles, notamment dans le champ juridique.

Quels sont les principes sur lesquels reposent la justice et la notion de responsabilité juridique ou pénale ? Est-ce que l'exercice de la justice doit reposer sur un égalitarisme strict ? Quels sont les droits et les responsabilités des personnes en situation de handicap mental dans une procédure judiciaire ?

Le projet JUSTICE vise à construire une œuvre théâtrale à la fois fictionnelle et documentée, qui pose en son cœur les questions de jugement et de responsabilités des personnes dites "en situation de handicap mental", pour mieux les poser à tous les autres membres qui forment société.

La résidence de dramaturgie à La Bellone servira de terrain accueillant pour des rencontres avec des spécialistes en question juridiques en droits humains et droits des personnes en situation de handicap — mais elle sera aussi un bureau d'écriture joyeux pour rêver et poser les bases d'une fiction qu'on espère légère et multiforme.

La dernière semaine, l'équipe de plateau rejoindra la résidence pour bousculer un peu plus et mieux la distinction entre spécialistes et expériences vécues, et celle toujours floue entre rêveries à la table et travail de plateau rêvé.

Clément Papachristou est acteur, metteur en scène et dramaturge.

Lauréat de l'ESACT/Conservatoire de Liège en 2014, il s’intéresse aux pratiques artistiques inclusives à destination des publics exclus, et son travail s'oriente particulièrement sur les rapports entretenus entre Corps et Histoires collectives. Après Almanach, présenté en 2017 au Festival Émulation, il présente Une tentative presque comme une autre avec son frère jumeau au Festival de Marseille et Festival Pays de Danses, et repris en Création Studio au Théâtre National Wallonie-Bruxelles en 2022.

Il crée sa troisième mise en scène La Grotte créée au Théâtre Varia à Bruxelles et au Théâtre de Liège en 2022.

Cette année, il coordonne un programme inclusif de workshops de recherche théâtrale intitulés "Pratiques Partagées", dont le premier est accueilli à La Bellone en décembre 23 avec la metteuse en scène Florence Minder. https://www.bellone.be/F/event.asp?event=7388

Depuis 2022, il est artiste associé au Théâtre National Wallonie-Bruxelles.

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1/02/2024 - Maria Kakogianni

Thu, 01 Feb 2024 15:44:34 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(03:32) Ecrire à la Bellone / Deux textes

(06:11) La relation dramaturgique - Thèses sur la dramaturgie

(11:38) Catharsis et menstruations - Dialogue sur la dramaturgie

(20:58) Menstruations et dramaturgie : évacuer les excès de possible

- « Puis-je n’être pas moi ? En étant moi, puis-je faire autrement que moi ? »

C’est ainsi que Jacques le Fataliste questionnait l’Anarchie lors d’une de ces soirées au pain noir et à la bière tiède. Tous les deux ne semblaient pas avoir un grand appétit pour l’histoire. Comment s’étaient-ils rencontrés ? Par hasard, comme tout le monde. Où allaient-ils ? Est-ce que l’on sait où on va ?

- « L’haleine du Monde sent mauvais »

Aujourd’hui, nous semblons très souvent à la fois « hypersensibles» et « anesthésiés ». Nos corps semblent surréagir à la poussière, au pollen, à des minuscules presque rien, et demeurent parfois anesthésiés devant les Grands Sujets de l’actualité. Tout ce qui demande moins de voir clair que d’agir. A côté du lavage de cerveaux, qu’en est-il d’un certain lavage d’émotions ?

Lorsqu’Aristote introduit sa catharsis, il la range comme un phénomène à la fois médical et moral : un enchainement efficace amenant à une décharge, capable de soulager. On pourrait dire que quand une dramaturgie fonctionne quelque chose est suscité dans le corps et mobilise une raison sensible. Comment quelque chose nous touche « trop » ou « pas assez » ? Qu’en est-il d’un certain phalogocetrisme dramaturgique ? Celle d’un point culminant? Et qu’en est-il des dramaturgies en reste ? Celles d’une histoire qui n’avance pas, d’un dénouement qui n’arrive pas, ou alors d’une progression faite de digressions et d’ellipses. Dans ce dialogue, on invitera Anarchia, et peut-être un plaisir conjugué au féminin qui trace des écarts par rapport au Grand Soir.

Maria Kakogianni est née à Athènes. Philosophe de formation, dramaturge par amitié, et travailleuse du texte par conviction, elle aime multiplier les formats d’écriture et de mise en partage. Elle propose régulièrement des ateliers et des séminaires dans différentes universités, des institutions artistiques, et des tiers-lieux. Parmi ses publications on trouve : Printemps précaires des peuples (éditions Divergences, 2017), avec les dessins de Satya Chatillon ; Ivre décor (éditions Hippocampe, 2020) ; Surgeons et autres pousses (éditions Excès, 2022), en collaboration avec Marie Rouzin et Amalia Ramanankirahina. En 2023, elle a écrit « Iphigénie à Kos », mise en lecture sur scène avec Chantal Raffanel, Kala Neza, et Vincent Gueillet (création Isle 80).

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11/01/2024 - Clara Delorme

Thu, 11 Jan 2024 15:44:40 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro

(3:21) Monochrome et synesthésie

(11:59) Malgrés

(19:37) Jour

(22:22) Aube et cornemuse

(26:40) Les prochaines étapes pour le projet

Entre chien et loup est le prochain volet de mon travail sur les monochromes. C’est une pièce double, en deux actes, acte bleu et acte orange. Une pièce imaginée pour quatre interprètes pleureuses dans une scénographie évolutive qui passe du bleu à l’orange. Anticipation funèbre, douce et nostalgique, Entre chien et loup est pour moi une traversée pour dire au revoir, en s’y prenant à l’avance.

Pendant cette première semaine à la Bellone je serai seule avec Christian Garcia-Gaucher qui composera nos pleurs.

Clara Delorme (1997) nait et grandit en Ardèche, dans le sud de la France. En 2016 elle intègre la Compagnie Junior Le Marchepied à Lausanne dont elle obtient le certificat en juillet 2017. Cette même année elle rejoint la Compagnie Alias sur la création de Contre-Mondes, et depuis elle danse pour Judith Desse, Yasmine Hugonnet, Mark Lorimer, Nicole Seiler, Yann Hermenjat, entre autres.

En parallèle elle fonde l'association racine et crée ses propres projets. Elle s'intéresse aux couleurs et les utilise pour créer des espaces dédiés à l'étrange. Depuis 2019 elle est artiste associée auThéâtre Sévelin 36 à Lausanne, où elle développe son travail autour des monochromes. Elle y crée L’albâtre (blanc) en 2019 et Malgré (vert) en 2021. Ces deux pièces reçoivent un bel encouragement, L'albâtre est notamment programmé aux Swiss Dance Days 21-22 et Malgrés reçoit le premier prix PREMIO 2020. En 2020 elle intègre la plateforme de Mentoring Double, du Pour-cent Culturel Migros pour les saisons 2020-2021 avec Yan Duyvendak. En 2021 grâce à Prohelvetia elle participe au programme ATLAS- Impulstanz à Vienne en Autriche où elle initie un nouveau solo, Clara Delorme lift her leg to make her vagina lip come out accompagnée par Steven Cohen et Guy Cools, solo qui est notamment présenté aux Printemps de Sévelin 2022. Elle crée également C’est l’enfer ! un spectacle pour et avec une classe adaptée de jeunes de 16 à 21 ans de L’ELAN, la pièce est jouée en juin 2022 au Théâtre Sévelin 36.

Clara co-fonde en 2020 avec Claire Dessimoz et Louis Bonard Arts_Sainement groupe romand de réflexion et d’action autour du bien-être au travail qui compte aujourd’hui plus d’une dizaine de membres actives, puis en 2022 LIEU COMMUN, un lieu de résidence de recherche artistique à Lausanne. En juillet 2023 le joyeux trio signera Festival une pièce qui en cache d’autres, pour le Festival de la Cité en extérieur et à la Grange de Dorigny, et le Pavillon ADC en salle. En mars 2024 elle présentera aux Printemps de Sévelin le volet bleu de sa recherche autour des monochromes.

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08/12/2023 - Marie Umuhoza

Fri, 08 Dec 2023 15:44:48 GMT

Chapitrage :

(0:00) Intro - Un souvenir

(05:27) L'intuition dramaturgique - La résidence à La Bellone & La Serre - arts vivants (Montréal)

(19:35) Hériter du mouvement Harlem Renaissance

(13:13) Le texte issu de la résidence : live memories of dreams* deferred

(16:27) Une pratique en émergence et en communauté

(25:26) Une Bruxelles Renaissance ?

(29:05) Conclusion : tes futurs dramaturgiques

Avec Montage of a Dream Deffered (1951), l'écrivain-poète-activiste afroaméricain Langston Hughes dépeint des scènes du quotidien dans le quartier d'Harlem à New York. Dans ce recueil de poésie jazz, le leader du mouvement de la Renaissance de Harlem utilise des codes du montage cinématographique en structurant des récits rêvés de manière saccadée, rythmée et presque agitée.

Ces mêmes scènes inspireront quelques années plus tard l’artiste Lorraine Hansberry lors de l’écriture de A Raisin in the Sun (1959). Cette pièce sera la première pièce d’une auteure afroaméricaine à être présentée à Broadway. Acclamée tant par les critiques blancs que par les publics noirs, cette pièce a eu un impact sur la narration des récits de vie afroaméricains.

Tou·tes deux se sont concentré·es sur des rêves portés par la communauté afroaméricaine dans les années 1920 : ceux d’être défini et reconnu par leurs pairs et non plus par un système dominé par la blanchité.

Ces rêves sont, avec d’autres implications & contextualisations, ceux de nombreux.ses artistes racisé.es de ma génération. Mais comment s’articulent ces rêves aujourd’hui ? Comment suscite-t-on la reconnaissance ? Qui sont les pairs en question ?

Dans mon émergente pratique dramaturgique, je me questionne quant aux éléments qui constituent ces rêves aujourd’hui, dans une scène en constante effervescence. Mais je me questionne surtout sur les éléments scéniques et clés de lectures qui cristallisent de manière visible ou non ces rêves.

Sur quels rêves se construisent les (re)présentations, et inversement ? Et surtout, comment ceux-ci sont-ils questionnés dans la création et l'accompagnement dramaturgique ? Je souhaite profiter de ces moments de résidence pour dialoguer avec des artistes et des ressources porteur.ses de ces rêves différés.

Visuel © Blaise Burezi for Decoratelier

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30-11-2023 - Maxime Arnould

Thu, 30 Nov 2023 15:54:52 GMT

Passion for fear a pour point de départ ma difficulté à m’imaginer un futur dans une société où internet serait un moteur d’influence et de production de récits, pour l’avenir.

Internet est devenu un des nombreux outils où les « passionné·es de la peur », celles et ceux qui la fabriquent, se rejoignent. Tout en l’alimentant, cette peur conduit certain·e à penser que l’on nous cacherait un autre « monde ». Pour moi toutes ces possibilités d’ailleurs et de récits sont apparues comme des facteurs d’un même symptôme : une volonté d’échapper au récit écrit pour nous, structuré autour de la politique de la peur, le tout massivement partagé sur les réseaux sociaux.

Dans cette pièce, ce discours digital transposé à la réalité du plateau proposerait de rendre compte des conséquences sur le réel, de certaines activités et théories complotistes diffusées sur le web et de montrer en quoi ces besoins d’exprimer et partager ces récits sont les symptômes d’une peur pour le futur.

Passion for fear est un travail en cours, en vue de la création d’un solo performatif prévu pour la saison 2025-26.

Maxime Arnould est metteur en scène. Il est né en 1992 à Reims (France). Après une formation d’acteur à la Comédie de Reims, Centre Dramatique National, il part étudier la mise en scène à Bruxelles, à l’I.N.S.A.S d’où il sort diplômé en 2019. Il est à la fois metteur en scène et performeur tout en collaborant avec d’autres artistes. Ivana Müller Paola Pisciottano, Elsa Chêne, Audrey Apers, Mikael Serre et Julie Benegmos.

Il crée en mars 2023 sa première pièce Hello world et est également membre du collectif 3ème vague, avec Léa Tarral et Aurélien Leforestier.

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16-11-2023 - Dada

Thu, 16 Nov 2023 15:54:47 GMT

Celle qui veut devenir a appris (ou pas) des choses sur la marche à suivre pour devenir une artiste noire reconnue et compte bien suivre à la lettre (ou non, reste à voir) toutes les règles du jeu pour y parvenir.

Ayant pour genèse une performance digitale satirique réalisée par l’artiste Jayson Musson dans le milieu des années 2000, Anatomie d’un produit commercial est une performance méta-théâtrale polyphonique qui tente de se pencher sur la difficile posture dans laquelle se trouve celleux dont l’écriture est de facto toujours politique. Celleux qui doivent faire taire la petite voix insidieuse qui leur dit qu’iels ne sont là que pour remplir des cases. Celleux dont l’écriture est « toujours précédée ».

Soit apparaitre et être visibilisé.e., mais que signifie apparaitre et être visibilisé.e. dans un monde prédationnaire et extractiviste ? N’y a-t’il pas de ces jeux étranges où le seul coup gagnant est de ne pas jouer ? (Ici, s’agit-il d’un tel jeu ? Ici, y a-t’il même quelque chose à gagner ? Sais pas. À déterminer).

Enrichi d’archives sonore, cette forme hybride aux pourtours fuyants s’amuse férocement à brouiller, sans morale, les pistes entre la fiction et le réel, l’irrévérence sincère et la provocation, la morsure caustique et la tendresse.

Cette résidence croisée à la Bellone me permettra de continuer à creuser ce qui me gruge, rechercher ce qui m’effrite, et voir ce qui peut advenir de ma langue.

Elle sera également l’opportunité d’enrichir ma recherche documentaire, et de poursuivre mon introspection sur ma posture personnelle à l’intérieur de l’écosystème néolibéral artistique.

DADA ( Haiti/Québec, 1998) peut être notamment, mais sans s’y limiter, une avocate, une fille aînée, une dramaturge (en devenir) et ou une gribouilleuse de poèmes (à temps perdu).

Sa démarche tente de cultiver une éthique de la fuite et du marronnage Elle (c’est-à-dire moi ) cherche un language artistique composite et protéiforme. Une langue poétiquement intranquille et politique. L’équilibre instable entre l’impulsion de nommer les choses avec justesse et la beauté de l’imperceptibilité et de l’indicible.

Ses axes de recherche actuels s’intéressent à l’archivage, aux cicatrices, à la marchandisation des identités ainsi qu’à l’esthétisation de la violence et au cout du théâtre de l’intime.

Artiste en résidence annuelle 2023-2024 au sein de La SERRE-arts vivants elle bénéficie également cette année d’une résidence de recherche et création dans les Laurentides auprès d’ATSA.

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27/10/2023 - Gérald Kurdian

Fri, 27 Oct 2023 14:54:40 GMT

« Glitches, Fairies & Warrior Goddesses » est une comédie musicale mythologique pour un interprète et une chorale d'avatars, pensée comme une relecture “XXIème siècle” des « Métamorphoses » d’Ovide.

Dans ce poème célèbre de 12000 vers écrit au 1er siècle, l’auteur fait le récit en 15 fables des relations tumultueuses et parfois violentes qui unissent les mortel·les à leurs divinités en s’emparant du thème de la transformation pour proposer une vision du monde alternative à celle des récits héroïques de ses contemporains.

À l’instar de cet objet poétique, manifeste et puissant, « Glitches, Fairies & Warrior Goddesses » s’imagine comme le témoignage en musique, en danse et en fabulations absurdes des bouleversements sociaux, symboliques et organiques que vivent les mondes et les corps d’aujourd’hui. Inquiétudes écologiques, conflits géopolitiques, remise en question de l’idée de famille, montée des extrémismes, redéfinition des genres et des sexualités, crises économiques, etc, tout semble ces temps-ci renvoyer à l’image d’une civilisation en transition.

En métamorphose.

Lors de sa Résidence / Documentation à La Bellone, Gérald Kurdian décide de se consacrer à l'écriture du livret de « Glitches, Fairies & Warrior Goddesses » en prenant un appui sur l'ensemble des archives écrites, photographiques et filmées générées lors des recherches qu'iel mène dans le cadre de Hot Bodies of the Future, son projet d'expérimentations performatives et musicales autour des révolutions pro-sexe des XXème et XXIème siècle.

Gérald Kurdian (aka Gærald xoxo Kurdian) est musicienxx, perfomer, DJ et l'une des voix multiples des luttes sex-positive actuelles. Iel est à l'origine de la cooperative queer Hot Bodies of the Future, des chorales Hot Bodies et des soirées inclusives Hot Bodies_Club!.

Iel est depuis 2020 artiste-chercheur.euse à l'Ecole Supérieure d'Arts de Clermont-Métropole. Ses dernières créations, X ! (un opéra fantastique), présentée au Festival d’Automne à Paris, au Kaaitheater à Bruxelles en Novembre 2022 et Hot Bodies_Télévision, présentée lors du festival Days4Ideasà Bruxelles, sont actuellement en tournée. Iel prépare pour la saison 2023-24 un nouvel EP : “M to X”

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06/10/2023 - Faustine Boissery

Fri, 06 Oct 2023 14:54:34 GMT

" PEAUX " est un projet de création sonore performative qui explore les limites intérieures et extérieures du corps et de l'esprit face à une crise d'eczéma.

" Lorsque l'on traverse une poussée, le temps, la réalité se disloque. Le monde entier devient ennemi. Au royaume de la peau, qui a déclaré la guerre à qui ? Comment reconstruit-on un champ de ruine ? Avec quelles armes, avec quelles forces ? Quel titan revêtirait l'armure pour combattre ? "

Ce projet a pour but de visibiliser l'eczéma, d'en montrer les aspects que nous voulons garder cachés.

Comment parler de la peau autrement que médicalement ? Et comment imaginer l'eczéma sans le voir ?

Je veux écrire le corps, la peau comme un territoire, un royaume végétal, minéral, vivant. Mettre d'autres mots sur nos perceptions du dehors et du dedans et sillonner la temporalité d'une crise ; un volcan en éruption, comme un opéra : un début, un milieu, une fin.

Pendant ma résidence à La Bellone, je serai occupée à allier ma recherche documentaire, à ma recherche textuelle, poétique et sonore, avec l'écriture de ce que j'appelle les " textes-sensations ", pour explorer la peau comme une planète inconnue, une terre brûlée, une ville à feu et à sang, un champ de possibles.

Faustine Boissery commence les Ateliers du Théâtre des Quartiers d'Ivry à l'âge de 6 ans, jusqu'à ses 17 ans.

En 2013, elle intègre le cursus d'Interprétation Dramatique à l'INSAS (promotion 2013-2017).

Au cours de sa formation corporelle, vocale et textuelle, elle s'essaye à la mise en scène puis intègre le Master en Ecriture théâtrale et scénaristique. En parallèle, elle performe sous la direction de Camille Lemille dans " Paroles de Serveuses " et " Dodo Stamp ". Elle assiste et joue avec la Clinic Orgasm Society, et Jean Le Peltier.

En 2022, elle joue dans " Lagunes " de Joey Elmaleh, aux Riches-Claires. Elle signe l'écriture de " BLEUES ", un thriller en cinq monologues féminins qui interroge la place et la liberté des femmes dans l'espace public la nuit (diffusion à la Semaine du son, février 2023).

En ce moment, elle s'attèle à son nouveau projet, " PEAUX ", une création sonore performative qui explore les bas-fonds d'une crise d'eczéma.

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23/06/2023 - Castélie Yalombo

Fri, 23 Jun 2023 14:54:28 GMT

La mère se tenait là, en face de l’enfant.

Mais qu’advient-il de la mère lorsque l’enfant disparaît ? Une « mère » subsiste-elle dans le corps, lorsque la gestation d’une vie à naître échoue ?

« Stabat Mater » se voudrait une exploration spéculative de la figure de la mère sans l’enfant. Comment naît la mère dans sa relation à la vie qu’elle accueille ? Et, lorsqu’une gestation est interrompue médicalement, volontairement ou non, subsiste-t-il dans le corps, une spectralité ou virtualité de cette maternité ?

Mené en collaboration avec l’artiste-céramiste Sophie Farza, ce projet veut articuler des témoignages et récits collectés relatifs aux morts périnatales, avortements, interruption de grossesses et deuil de l’enfant. Avec une production d’objets (poupées de verre et de céramique et (toiles ou tissus de peau extensibles) et une recherche performative et gestuelle sur le corps enceint, sa transformation et sa relation à la fragilité du nouveau-né.

Depuis ces objets et ces histoires, nous souhaitons interroger la maternité dans ses intrications intimes et politiques avec nos mythes, nos lois et coutumes. Comment ces structures symboliques astreignent les mères, non-mères et leurs enfants, non-enfants à la soumission et au devoir reproductif. Autant de tentatives de contrôle de l’irréductible du maternel, cet énigmatique extra-infra-terrestre absolument étrange, géniale et si commun : la vie.

Castélie Yalombo Lilonge est une artiste belgo-hispano-congolaise née et résidant à Bruxelles. Elle est diplômée de l’ULB ainsi que d’un Master de l’Institut Supérieur des Arts et Chorégraphies de l’ArBa-EsA en 2020. Sa pratique artistique se situe à l’intersection de différents champs : la chorégraphie, l’écriture poétique et l’installation. Les questions relatives à l’identité, l’altérité et les modes de relations, ainsi que le statut de sujet/objet du corps, opèrent comme les fondements et structures de sa pratique. Elle a collaboré comme performeuse et danseuse avec les artistes Clément Thirion (2016), Fabian Barba (2017), Ingrid Midgard Fiksal (2019), Faustin Linyekula (2019) et Louise Vanneste (2021). Sa participation au travail de Faustin Linyekula a contribué à la sensibiliser aux questions décoloniales, et plus particulièrement aux nécessités d’une réarticulation des récits de nos identités dans le grand maillage des Histoires oubliées, confisquées, cachées et dominantes. Depuis 2018, elle travaille à la création de plusieurs performances, le plus souvent en solo ou en duo. Ferme les yeux en 2018 (repris plus tard sous le nom de nettoyeuses de l’ombre : water et présentée au KVS lors du festival Congolisation en janvier 2020) et Ceci est mon corps livré pour vous en 2019.

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22/06/2023 - Marie Henry & Hervé Piron

Thu, 22 Jun 2023 14:54:23 GMT

Nous, Marie H et Hervé P, envisageons Extatique comme une exploration des nouvelles formes de voyages psychiques et introspectifs, par deux néophytes (MH et HP) amusé•e•s, intéressé•e•s et curieux•ses, tentant de garder un minimum de sens critique.

Pour ce faire nous allons utiliser la technique du « gonzo-théâtre ». Nous allons plonger notre propre psychisme dedans: hypnose ericksonienne, transe chamanique, transe cognitive, prise d'écorces macérés (ayahuasca), la danse extatique (extatic dance), clown-chamane… nous allons tout essayer !

Quand on reviendra… on verra bien. Peut-être qu’on fera un spectacle, peut-être qu’on écrira, ou peut-être qu’on aura eu une épiphanie et qu’on changera radicalement de vie, qu’on deviendra bergè•re, massothérapeute ou boulangè•re.

Nous, c’est Hervé Piron (comédien) et Marie Henry (autrice). Nous avons déjà collaboré ensemble à plusieurs reprises, Marie en tant qu’autrice avec Hervé comédien dans le projet, Marie en tant que dramaturge, comédienne sur les projets d’Hervé, mais jamais ensemble, comme porteur•euses de projets. L’envie est de sortir de nos rôles ou plutôt de les mixer, écrire et « jouer » ensemble, vivre en tout cas à deux une expérience humaine et théâtrale, qui nous mettrait véritablement en jeu. Si Marie en voyant un sarouel se sent déjà mal, Hervé semble plus ouvert aux expériences alternatives, avec une sorte de gêne qu’il camoufle par l’humour. Marie est sincèrement bloquée par pas mal de certitudes qu’elle a sur la vie et sur elle-même, et c’est sincèrement sans ironie, que nous, Hervé et Marie, aimerions nous confronter à nous-mêmes, et à nos carapaces de protection.

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02/06/2023 - Christine Aventin & Anne Thuot

Fri, 02 Jun 2023 14:54:17 GMT

L'histoire qui nous requiert est celle - non pas des inondations, de l'été 21, de la Vesdre, du sinistre, mais bien plutôt : l'histoire du Floréal, juste en bas de chez Christine ; unique bâtiment communal rescapé - qu'à quelques-unes, nous avons pris, occupé, défendu : le coeur au sec d'un village noyé, maintenu battant par une poignée de meufs improbables. Les looseuses à la barre du rafiot pendant huit semaines - quelle fête au milieu des ruines !

Thuot ne veut plus faire de théâtre et Aventin ne veut plus écrire de livre.

Que faire alors de cette histoire qui réclame son racontage ?

Christine a sollicité ses copines du GéCo et nous avons interrogé le tarot de Souriau* : un tarot non-divinatoire destiné à résoudre collectivement un problème en le transformant en situation dramatique. Il s'agit de traduire cette situation sur un mode, non pas théâtral mais strictement pragmatique. De sorte que le tirage, en nous ayant situées, nous a transformées.

Ce que nous retenons, c'est que l'instauration du récit est dans le même mouvement l'instauration de l'événement lui-même. C'est pourquoi le récit ne peut s'instaurer qu'avec celles qui ont instauré l'événement. Si, grâce à ce racontage, le Floréal subsiste, c'est qu'on aura pu en exprimer collectivement la puissance dramatique grâce à la puissance dramatique que nous avons reçu de lui.

Quelque chose comme ça.

La forme que prendra cette affaire est encore incertaine - essai, poésie, docu, scène.. probablement un peu tout ça, quelque chose de pluriel et d'hybride qui tentera de slalomer entre les pièges.

* conçu et réalisé par Fleur Courtois-L'Heureux, Valérie Glansdorff, Silvia Mesturini, Isabelle Stengers, Marcelle Stroobants

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01/06/2023 - Ayoh Kré Duchâtelet

Thu, 01 Jun 2023 14:54:11 GMT

Le titre du texte sur lequel je travaille Les enfants peuvent-elles parler ? est inspiré du texte de Gayatri Spivak Can the subaltern speak ?, dans lequel Spivak développe une réflexion sur la condition subalterne en rapport à la parole et à l’énonciation : quand les subalternes s’expriment personne ne les écoutent.

Les enfants peuvent-elles parler ? cherche à prolonger ces questions à travers l’histoire d’un groupe d’enfants aphasiques en territoire colonisé. Ici la condition subalterne est doublée de celle de l’«enfant», l’«infans»; celui ou celle qui ne parle pas. Enfant, aphasie, fable; ces trois mots partagent la même racine latine, le participe passé de fari « parler ». Dans l’idéologie coloniale et patriarcale, l’enfant, celui qui ne parle pas, c’est aussi le·la colonisé·e qu’il faudrait, à travers l’éducation coloniale, « amener à un niveau supérieur de civilisation ». En Afrique de l’Ouest, dans les pays de l’ancienne zone CFA (Colonies Françaises d’Afrique), le système scolaire colonial a contribué à hiérarchiser et disqualifier les langues africaines qui devenaient « dialectes » au côté de la seule unique langue française.

En considérant la langue, depuis cette histoire coloniale, la recherche se propose d’interroger la langue comme le lieu depuis lequel se forment et s’exercent des rapports de pouvoir.

Ayoh Kré Duchâtelet (1983, belgo-ivoirien, vit et travaille à Bruxelles, Belgique)

La démarche artistique d’Ayoh Kré implique un travail d’enquête documentaire sur des situations de l’histoire coloniale et contemporaine. Les recherches donnent lieu à des assemblages fictionnels hétérogènes; textes, images, vidéos, sons, installations de documents...

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26/05/2023 - Milo Slayers

Fri, 26 May 2023 14:54:05 GMT

Le Hip Hop, un générateur d’usage. Régulièrement, par les mouvements du corps, le bounce, le flow, mêlent l’intuition à la subjectivité. « Flow » et « bounce » sont des mots fréquemment employés dans la culture Hip Hop, parfois l’usage tente de se lier à la forme, mais que peuvent générer ces mots si flous ? Peuvent-ils avoir des définitions ? Peuvent-ils donner d’autres lectures au mouvement ?

Lors de ma résidence à La Bellone j’aimerai me concentrer sur cette recherche d’un point de vue dramaturgique et/ou approfondir ma recherche théoricopratique des questions que soulève le Flow.

Pendant plusieurs années j'ai pratiqué la danse Hip-Hop par des battles, concours chorégraphique avec ma compagnie Slayers, avant d'être diplômé en art et chorégraphie (ISAC) à l'académie Royale des Beaux-Arts. Mon premier solo « Monstrare/Monere », traitait de la question du monstre/de la monstruosité, avec un corps dans une multi-dualité constante. En parallèle de la pratique du corps, la photo, claymotion, design sonore, graphisme,... font partie de mes intérêts quotidiens pour réfléchir/expérimenter sous d'autres angles des théories/sensations qui viendront enrichir ma raison/mon instinct.

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28/04/2023 - Salim Djaferi

Fri, 28 Apr 2023 14:45:47 GMT