Nous admirons Judith Godrèche pour son talent d’actrice et de réalisatrice mais aussi pour son combat féministe pour #metoo dans le milieu du cinéma.

Avec son livre, Judith Godrèche nous offre un récit bouleversant construit de façon originale, personnelle et intime.

La rencontre sera animée par la journaliste Manon Legrand.

Rencontre en partenariat avec TULITU

Une librairie généraliste engagée au 55 rue de Flandre, dans le quartier Sainte-Catherine. TULITU, c’est une vision d’une librairie à l’écoute de ses clients, de son quartier, du monde du livre, un lieu dédié aux livres québécois, aux livres LGBTQIA++ et aux livres féministes. http://www.tulitu.eu/

Photo © jonas bresnan

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Il y a cinq ans, Lylybeth Merle commence à se questionner. Elle défait l’identité

de genre garçon imposée à son corps et découvre, dans ce bouleversement,

une version d’elle plus vaste. Affleure alors une émotion neuve, inattendue — la joie.

Dans « Échardes », Lylybeth Merle tisse un conte écoqueer féministe, entre poèmes,

souvenirs et rituels. Avec humour et lucidité, elle nous emmène dans ses

déconstructions, ouvrant un sentier de guérison.

Là, à l’orée de la forêt.

*

Née à Strasbourg en 1991, Lylybeth Merle est autrice, metteuse en scène,

performeuse Drag et militante Queer. Après une formation en art dramatique

à l’INSAS, elle se découvre un amour pour le cabaret. Elle monte LILITH(s) en 2022,

Hippocampe en 2023 et tourne la forme itinérante Cabaret Poème depuis 2023. Dans

ses créations, elle allie l’intime au poétique et défend le care pour se reconnecter à

soi et au monde ; la vulnérabilité comme puissance transformatrice et le partage des

vécus pour se découvrir collective.

Issue d’un milieu queer et underground, elle explore le paysage culturel

institutionnalisé et travaille à tisser des ponts entre différents espaces et différents

publics pour récréer un lien qui lui semble trop souvent fragile. Avec ses textes, elle

s’adresse à celleux dont le parcours, les expériences et les mésaventures sont

similaires, afin de contrer la sensation d’enfermement et de solitude. Et tout autant,

elle souhaite se relier à celleux qui ne savent pas. Celleux qui voudraient découvrir,

apprendre, se questionner ensemble.

La rencontre sera animée par Ariane Herman, libraire chez TULITU.

Habillez-vous chaudement car il n’y a pas de chauffage dans la cour de la Bellone mais vous vous réchaufferez le cœur en écoutant Lylybeth !

En partenariat avec TULITU

Pour la photo, copyright Typic Aelix

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Modération Olave Nduwanje

Soirée précédée d’un arpentage du livre, de 13h à 17h, animé par Mihena Alsharif à La Bellone. 

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The Day on Dramaturgy forum organized by Sévelin 36 for 40-50 professionals from the field is held every year in Lausanne. The forum gathers together artists, choreographers, dancers, dramaturgs, directors, programmers, researchers and teams from our partner theaters around topical themes currently animating the dance field. This professional event takes place in October at Sévelin 36.

The Day on Dramaturgy forum 2025 took place on Friday 3 October 10 am - 5 am at Sévelin 36 theatre. The day, conducted in English, was held in the context of the Dance & Dramaturgy European network program (D&D EU).

A DAY ON DRAMATURGY #4 EDITION

Relations in Practice - Awkwardness, Vulnerability, Grey Zones, Manipulation, Storytelling, Aesthetics. How do relationships develop in the artistic process? Where does the discomfort lie? When does vulnerability become visible—and who actually controls the narrative?

INVITED ARTISTS·DRAMATURGS·SPEAKERS

Artists : Mamu Tshi – choreographer/dancer CH, Hanna El Fakir – dramaturg BE/FR, Greta Pieropan – dramaturg IT, Sophia Mage – choreographer/dancer DK, Thomas Schaupp – dramaturg DE / coordinator D&D EU BE/FR, Greta Pieropan dramaturge IT, Sophia Mage – choreographer/dancer DK. Biographies

Directors, producers : Mylène Lauzon – director La Bellone BE, Karen Lambaek – dramaturg Bora Bora DK, Kylie Walters – director Sévelin 36 CH.

Credit photo ©Margot Sparkes

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Au loin la liberté. Essai sur Tchekhov

Les nouvelles de Tchekhov présentent les multiples versions d’un simple scénario : quelque chose pourrait arriver. Un jour, au hasard, n’importe où, l’ordinaire du temps de la servitude a été troué par une apparition : la liberté est là, au loin, qui fait signe et indique qu’une autre vie est possible, où l’on sache pourquoi l’on vit. La plupart pourtant se dérobent à l’appel. Ils préfèrent que rien n’arrive. Mais Tchekhov, lui, ne renonce pas. Il s’entête à accompagner ses personnages sur ces bords où leur vie pourrait basculer. De récit en récit, il tisse ce temps mû par la machine implacable de la reproduction, mais qui, de pause en pause et d’accroc en accroc, se déchire et se dédouble en temps d’une liberté pressentie qui se refuse au point final mais reste une possibilité en suspens. On peut appeler cela une politique de la littérature.

Jacques Rancière, né à Alger en 1940, est professeur honoraire à l’Université de Paris 8 où il a enseigné dans le département de philosophie de 1969 à 2000. Il a également enseigné dans diverses universités américaines et à l’European Graduate School. Son œuvre a été essentiellement consacrée à la question de l’émancipation et à l’étude des rapports entre esthétique et politique. Il est notamment l’auteur de La Nuit des prolétaires (1981), Le Maître ignorant (1987), Le Partage du sensible (2000), Politique de la littérature (2007), Le Spectateur émancipé (2008), et Les Bords de la fiction (2017). Il vient de publier aux éditions La Fabrique Au loin la liberté. Essai sur Tchekhov.

Louisa Yousfi (1988, France) est journaliste et critique littéraire. Elle est l’autrice de Rester barbare (La Fabrique, 2022), ouvrage dans lequel elle s’empare du motif de «la barbarie» emprunté à l’écrivain algérien Kateb Yacine pour proposer un récit à la fois politique et littéraire de ce (re)devenir barbare des Noirs et des Arabes de France. Elle a plus récemment participé à l’ouvrage collectif Contre la littérature politique (avec Pierre Alferi, Nathalie Quintane, Leslie Kaplan, Tanguy Viel et Volodine, La Fabrique, 2024).

Plus d’information ici 

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Titiou dit à propos de son nouveau livre : “Dans ce livre, vous trouverez des astuces de vie comme des sujets difficiles, des citations, des souvenirs, des savoirs étonnants et d’autres qui m’ont fait rire, du beau et du moche, de l’abstrait et du trivial, parce que la vie ressemble à ça. Parce que j’étais obsédée par les femmes tuées par leurs compagnons en même temps que j’égouttais les coquillettes pour le dîner des enfants, parce que j’écoutais une interview de Foucault en changeant la litière des chats, parce que j’ai écrit des textes entiers, dans ma tête, alors que je faisais des courses. Tout cela ne s’oppose pas. Après avoir lavé, rangé, préparé, trié, consolé, serré, rassuré, le soir, j’avais besoin d’écrire pour comprendre ce que je vivais. Le trivial nourrit l’abstrait. Mon expérience du monde est celle-là.”

L’adaptation en bd de son livre Les grandes oubliées Pourquoi l’Histoire a effacé les femmes paraîtra en même temps que son nouveau livre.

La rencontre sera animée par Anne-Lise Remacle.

En partenariat avec la Bellone et le soutien de la ville de Bruxelles.

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C’est un espace conçu en dialogue avec les luttes féministes, queer et décoloniales.

Ce sont des productions nées en Belgique ou à l’international.

C’est du théâtre-danse-concerts-conférences-discussions-ateliers-balades-films,

pour démultiplier les manières de nous rencontrer.

4e édition · Toust·es à table !

En 2025, le FAME se penche sur un besoin quotidien et fondamental : la nourriture. Avec le langage, c’est un des aspects fondamentaux de la culture. Manger est une des choses que nous avons en commun et qui peut nous apporter du plaisir, dans toutes les circonstances de la vie. Manger est un enjeu et bien manger, une revendication. Les modes de production, la dimension genrée et écologique, le rapport que différentes sociétés entretiennent avec la nourriture, son importance dans la transmission intergénérationnelle, mais aussi, simplement, la dimension affective et politique de manger et cuisiner, seront nos guides pour un FAME 2025, où on vous invite à vous mettre tous·tes à table !

En 2025, le FAME nourrira nos papilles et nos neurones. Au menu, des concerts, des spectacles, des banquets, des conférences, des films, des ateliers etc., pour célébrer une ville de Bruxelles pluriculturelle.

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C’est un espace conçu en dialogue avec les luttes féministes, queer et décoloniales.

Ce sont des productions nées en Belgique ou à l’international.

C’est du théâtre-danse-concerts-conférences-discussions-ateliers-balades-films,

pour démultiplier les manières de nous rencontrer.

4e édition · Toust·es à table !

En 2025, le FAME se penche sur un besoin quotidien et fondamental : la nourriture. Avec le langage, c’est un des aspects fondamentaux de la culture. Manger est une des choses que nous avons en commun et qui peut nous apporter du plaisir, dans toutes les circonstances de la vie. Manger est un enjeu et bien manger, une revendication. Les modes de production, la dimension genrée et écologique, le rapport que différentes sociétés entretiennent avec la nourriture, son importance dans la transmission intergénérationnelle, mais aussi, simplement, la dimension affective et politique de manger et cuisiner, seront nos guides pour un FAME 2025, où on vous invite à vous mettre tous·tes à table !

En 2025, le FAME nourrira nos papilles et nos neurones. Au menu, des concerts, des spectacles, des banquets, des conférences, des films, des ateliers etc., pour célébrer une ville de Bruxelles pluriculturelle.

https://famefestival.be/fr/

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Rose Lamy est la créatrice du compte Instagram « Préparez-vous pour la bagarre ». Ses deux premiers essais, « Défaire le discours sexiste dans les médias » (Lattès, 2021), et « En bons pères de famille » (Lattès, 2023), sont des titres incontournables pour décortiquer le monde du patriarcat.

Dans son livre « Ascendant Beauf » Rose Lamy revient sur son histoire et nous raconte le coût d’une existence déterminée par la classe sociale. La mort prématurée, les emplois aliénants, les déserts sociaux et médicaux… Elle montre tout ce que la figure du beauf et ses avatars permettent d’invisibiliser.

Avec « Ascendant Beauf », Rose Lamy tisse un récit de la domination culturelle, mais côté dominée. Films, émissions de télévision, livres, souvenirs, elle interroge les formes et les fonctions de ce mépris, porté aussi parfois par le camp politique historique des classes populaires : la gauche. Un essai puissant pour se libérer de cette domination et cesser de (se) trahir.

La rencontre est animée par Manon Didierjean, libraire chez TULITU.

Un partenariat entre La Bellone et TULITU.

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

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Proposer des écrits situés, par les personnes concernées, est essentiel pour la constitution des archives vivantes d'une pratique typo·graphique qui visibilise les personnes minorisées. Ce mouvement ne cesse de s'étendre, malgré les charges de ceux qui détiennent le pouvoir de décider du lisible, et donc du visible. La revue Bye Bye Binary alimente ainsi le débat sur la charge politique du design graphique, du langage, des représentations des corps et des identités.

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Au sommaire de ce premier numéro édition par les Editions Surfaces Utiles :

• les membres de BBB se réapproprient collectivement le texte « Imaginaires typographiques inclusifs, queer et non-binaires », publié en 2021. Iels y mettent à jour l'avancée de leurs recherches et font l'état des lieux de la place de l'écriture inclusive en France et en Belgique;

• un texte de Sophie Vela se penche sur l’accessibilité de la typographie post-binaire et pose les enjeux de l'étude lancée par l'autrice concernant sa lisibilité;

• une contribution de Nina Paim (Bikini Books, Futuress) qui est partie à la rencontre d'acteur·ices et militant·es de la typographie inclusive en portugais;

• les Mots Flex, une grille de mots fléchés par Chloé Horta avec le lexique de la collective;

• deux mises en scène graphiques des libertés formelles adoptées par la collective pour entrelacer les glyphes dans une perspective post-binaire. Clara Sambot et Léna Salabert Triby y déploient tout le potentiel des caractères dessinés par la collective.

Dans l'édito, les membres de Bye Bye Binary manifestent leurs intentions pour la revue : un lieu de ressources que l'on conseille, un espace de parole et d'émotions, de prospection, de relation, de réparation, de démonstration de la typographie post-binaire : « Nos vies sont fragiles, comme nos ligatures, comme nos grammaires fugitives, on ne sait pas ce qu'on invente, mais on sait que ça nous dépasse, que c'est pour nous et au-delà. » C'est pourquoi chaque numéro aborde également les questions de genre dans d'autres langues que le français.

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La revue aspire à faire s'embrasser différentes lisibilités. Une multitude d'actions typo·graphiques enrichit les textes comme des paillettes, comme des voix qui se font entendre et bouleversent les habitudes de lecture. L'esthétique devient alors politique, elle joue avec les normes et leurs marges tant à l'écrit que dans sa mise en page.

La rencontre est animée par Manon Didierjean, libraire chez TULITU.

Un partenariat entre La Bellone et la librairie TULITU.

Avec le soutien de la fédération Wallonie-Bruxelles

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guerre

« Tu dis que j'ai échappé à la guerre. Non, mon amour, personne n'échappe à la guerre. C'est juste que je ne suis pas mort. Je suis resté en vie, c'est tout. » Obsédants, lucides et directs, les poèmes en prose du dernier recueil de Ghayath Almadhoun vous hanteront pendant des jours.

pen vlaanderen

L’association d’écrivains internationaux PEN a pour but de « rassembler des écrivains de tous pays attachés aux valeurs de paix, de tolérance et de liberté sans lesquelles la création devient impossible » avec une attention particulière pour les auteurs des zones de guerre. Elle est représentée en Belgique notamment par la section « PEN Vlaanderen » qui organise des événements, entreprend des actions et offre aux écrivains un lieu de résidence, comme c’est le cas à Anvers pour la poétesse palestinienne Sahar Mousa.

free palestine

Pour le Passa Porta Festival, Ghayath Almadhoun et Sahar Mousa s'entretiennent avec la philosophe et écrivaine Sigrid Wallaert à propos de justice, d'activisme, d'écriture en temps de guerre. Il et elle liront aussi des extraits de leurs poèmes.

à propos des auteurs

Ghayath Almadhoun (1979) est un poète et cinéaste palestino-syrien. Il est né dans le camp de réfugiés palestiniens de Yarmouk, à Damas, d'un père palestinien et d'une mère syrienne. Il vit à Stockholm et à Berlin.

Sahar Mousa est originaire de Gaza. Elle écrit sur la polarisation politique, l'injustice sociale et la situation terrible du peuple palestinien.

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volontaire

Andriy Lubka est un jeune poète, écrivain et traducteur originaire d'Uzhhorod. Après ses débuts au milieu des années 2000, il est devenu une figure de la scène littéraire ukrainienne. Depuis le début de l'invasion russe en Ukraine, Lubka se consacre presque à plein temps à l'aide bénévole à l'armée ukrainienne, utilisant sa notoriété pour collecter des fonds, acheter des voitures pour les troupes, les remettre en état et les envoyer au front. Il publie régulièrement de courtes esquisses de ces voyages et des récits qu'il entend de la bouche des soldats.

porte-parole

Dmytro Lazutkin est journaliste et écrivain. Il a remporté le plus grand prix littéraire ukrainien en 2022. Engagé dans l'armée ukrainienne en 2023, il est aujourd'hui porte-parole du ministère de la défense. Dans son dernier recueil de poèmes, qui est beaucoup moins lyrique que ses œuvres précédentes, il parle de ses expériences au front dans des poèmes très directs, en vers libres. Dans un article paru dans le New York Times, il a témoigné de la valeur de la poésie pour accompagner les émotions.

chaise vide

L’association internationale PEN réunit des écrivains du monde entier et défend la liberté physique et d’expression de tous les écrivains, avec une attention particulière pour les auteurs en zones de guerre. La « chaise vide » est un concept de PEN International qui symbolise l’absence d’un auteur emprisonné. À la demande de PEN Ukraine, nous réserverons dans ce panel une chaise vide pour Victoria Amelina, écrivaine ukrainienne décédée en 2023 lors d'un reportage sur le front.

À propos des auteurs

Andriy Lubka est un écrivain, essayiste et traducteur ukrainien. Il est membre du PEN Ukraine. En 2023, il est devenu membre du Taras Shevchenko National Award Committee of Ukraine. Il a publié dix recueils de poésie, d'essais, de récits de voyage et de fiction. Son roman Carbide a été traduit en anglais. En français, il a contribué à l’ouvrage collectif Hommage à l’Ukraine, un recueil de textes inédits pour appréhender l’Ukraine contemporaine à travers la littérature dirigé par Emmanuel Ruben (et traduit par Iryna Dmytrychyn) aux éditions Stock.

Dmytro Lazutkin est né en 1978 à Kiev. Il est diplômé en mathématiques et en musique. Il a fait ses études supérieures à l'Université technique nationale et plus tard à l'Université internationale de Kiev. Il a travaillé comme ingénieur métallurgiste, professeur de karaté, journaliste, présentateur d’une émission télévisée consacrée aux arts martiaux et commentateur sportif. Il est l'auteur de plusieurs recueils de poésie, slameur et parolier de chansons.

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Dans une tribune publiée dans Le Monde en février 2024, et intitulée Nous avons appris à vivre sans faire attention à la mort, le poète, essayiste et romancier ukrainien Andriy Lubka revenait sur deux (trois, aujourd’hui) années de guerre en Ukraine, où la mort est devenue partie prenante du quotidien. Il y décrivait l’irruption de l’horreur alors que ce matin-là, celui du 24 février 2022, il devait prendre l’avion pour aller présenter son roman à Vilnius, en Lituanie.

En octobre dernier, dans Pourquoi Gaza a-t-elle disparu derrière des sophismes, des approximations, des murmures désolés ?, le romancier palestinien Karim Kattan (Le Palais des deux collines, L’Eden à l’aube) interpelait les milieux littéraires et intellectuels sur leur silence concernant la situation à Gaza, qu’il décrivait comme un « champ de mort ».

Quel rôle pour les poètes ?

Quel rôle et quelles responsabilités pour les poètes face à la guerre ? Et quel pouvoir pour l’écriture et la littérature face aux horreurs de l’invasion russe, à la violence des bombardements à Gaza ? Au micro de l’autrice Rym Khene, un dialogue à propos de la position des écrivains face à la guerre. Un échange plus essentiel que jamais.

À propos des auteurs

Karim Kattan est un écrivain palestinien né à Jérusalem en 1989. Il est docteur en littérature comparée. Il écrit en anglais et en français. En 2017, il entre en littérature avec le recueil Préliminaires pour un verger futur (éds. Elyzad), finaliste du Prix Boccace de la Nouvelle. Son premier roman, Le Palais des deux collines reçoit le Prix des cinq continents de la francophonie en 2021. Il publie régulièrement des textes pour Le Monde, Libération, Mediapart, et, en anglais, dans The Paris Review, The Maine Review ou The Funambulist. Ses écrits ont également été présentés dans de nombreux espaces d'art, dont la Biennale de Venise et le Forum de la Berlinale (Berlin). Sélectionné pour le Prix Renaudot 2024, finaliste du Prix de la littérature arabe 2024, L’Eden à l’aube, son dernier livre, a reçu le Prix international Rotary – Pen Club 2024, le Prix La Cagnotte 2024 et le Prix littéraire du 2e roman de Laval 2024

Andriy Lubka est un écrivain, essayiste et traducteur ukrainien. Il est membre du PEN Ukraine. En 2023, il est devenu membre du Taras Shevchenko National Award Committee of Ukraine. Il a publié dix recueils de poésie, d'essais, de récits de voyage et de fiction. Son roman Carbide a été traduit en anglais. En français, il a contribué à l’ouvrage collectif Hommage à l’Ukraine, un recueil de textes inédits pour appréhender l’Ukraine contemporaine à travers la littérature dirigé par Emmanuel Ruben (et traduit par Iryna Dmytrychyn) aux éditions Stock.

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En 2010, la revue Granta l’avait sélectionné parmi les 20 meilleurs jeunes auteurs espagnols. Depuis, de Mort d’un cheval à Vie de Guastavino et Guastavino en passant par l’incroyable Une république lumineuse qui nous hante encore (et lui a valu le Prix Herralde), Andrés Barba n’a livré que des grands textes envoûtants qui ont plus que confirmé cette intuition. Professeur de lettres, traducteur en espagnol des grands textes d’Herman Melville, Henry James ou Joseph Conrad, Andrés Barba est -bien que discret- l’un de nos grands écrivains contemporains. La peur et l’enfance sont ses thèmes de prédilection.

Vertige

« Un roman fantasmagorique de toute beauté qui explore les profondeurs de l’affection. » Le compliment est de Mariana Enriquez. Il est adressé au dernier roman de Barba, Le Dernier Jour de la vie antérieure (éds. Bourgois, traduit par François Gaudry). Soit un roman ultra énigmatique, et une authentique histoire de fantôme. Au début du livre, une agente immobilière prépare une maison vide pour une visite quand elle tombe dans la cuisine nez à nez avec un enfant de 7 ans, qui la regarde sans sourciller. Inexplicablement attirée par le garçon, elle entame un dialogue avec lui. Elle renonce à vendre la maison, s'en fait la gardienne et y retourne sans cesse, en secret. A-t-elle inventé cet enfant-mirage ? Un roman mystérieux et poétique perturbant, qui donne le vertige. Une impression de lecture unique.

Andrés Barba sera en conversation avec Anne-Lise Remacle, et interprété vers le français. Ne manquez pas l’occasion rare de venir écouter cet écrivain de premier plan convoquer ses fantômes.

« Il arrive qu’un auteur ne se contente pas de documenter la réalité, mais qu’il en crée une toute nouvelle, qui éclaire nos sentiments les plus sombres. Kafka l’a fait. Bruno Schulz l’a fait. Et maintenant, c’est au tour de l’écrivain espagnol Andrés Barba. »

 Edmund White

À propos de l’auteur

Andrés Barba est né à Madrid en 1975. Il est diplômé en lettres espagnoles. Il a publié son premier livre en 1997, El hueso que más duele (« L’os le plus douloureux », non traduit) Il a représenté l’Espagne dans divers congrès de jeunes auteurs de fiction et de théâtre. Il a enseigné au Bowdoin College (Etats-Unis) et est actuellement professeur à l’Université de Madrid. Il est l’auteur de Mort d’un cheval, Les Petites Mains, Versions de Teresa, Une république lumineuse (Prix Herralde), Vie de Guastavino et Guastavino, tous publiés par les éditions Bourgois. Il vit aujourd’hui en Argentine. Le Dernier Jour de la vie antérieure est son dernier livre traduit en français.

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Anthropologue français, Grégory Delaplace a longtemps conduit un travail ethnographique en Mongolie. À partir d’un questionnement sur la place des morts dans le quotidien des pasteurs nomades, il a progressivement cherché à poser les bases d’une anthropologie de l’invisible, qui l’a conduit à s’intéresser à des sujets aussi divers que les apparitions d’esprits, la pratique du chamanisme, le rapport à l’histoire ou la façon d’habiter les lieux. Pour Les Intelligences particulières. Enquête dans les maisons hantées en 2021, il investiguait cette fois la société anglaise et les enquêtes menées dans des maisons hantées après la Seconde Guerre mondiale. Dans La Voix des fantômes, Delaplace raconte cette fois la diversité des rituels funéraires, de l’Amérique du Sud à l’Asie orientale, du Moyen Age à nos jours. Il décrit des situations où les morts ne tiennent pas à la place où on les a assignés et "débordent" la société.

Penser la catastrophe

Guerres, migrations, écocide : dans une époque qu’il qualifie de mortifère et “spectrogène”, Grégory Delaplace interroge le rôle social qu’y auraient à jouer les fantômes. En menant une anthropologie inédite de l’invisible et des fantômes, il montre quels genres d’êtres et quels interlocuteurs les défunts sont invités à devenir. Et rend compte des situations toujours plus ou moins incongrues dans lesquelles ceux-ci échappent aux cadres prévus pour les accueillir...

Une conférence éclairée, sur base d’un essai absolument passionnant.

À propos de l’auteur

Anthropologue, spécialiste de la Mongolie et de ses rituels funéraires, Grégory Delaplace est directeur d’études à l’École pratique des Hautes Études. Médaille de bronze du CNRS (2015), il est codirecteur de la revue 

L'Homme et l'auteur de Les Intelligences particulières. Enquête dans les maisons hantées (Vies de l'esprit, 2021). Il est aussi le traducteur de Comment pensent les forêts. Une anthropologie au-delà de l’humain d'Eduardo Kohn (Zones sensibles, 2017 / Points, 2023). En 2024, il a fait paraître le remarqué La Voix des fantômes. Quand débordent les morts (éds. du Seuil).

Il est aussi le traducteur de Comment pensent les forêts. Une anthropologie au-delà de l’humain d'Eduardo Kohn (Zones sensibles, 2017 / Points, 2023). En 2024, il a fait paraître le remarqué La Voix des fantômes. Quand débordent les morts (éds. du Seuil).

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Gebied 19 van Esther Gerritsen won de Boekenbon Literatuurprijs. The Ministry of Time (vertaald als Het ministerie van de tijd, Prometheus) haalde de shortlist van twee literaire prijzen in Groot-Brittannië. Beide sciencefictionromans spelen zich af in de nabije toekomst maar vertellen vooral ook heel pertinente dingen over de wereld van vandaag.

pertinent actueel

Gebied 19 speelt zich af in twee werelden: de nieuwe planeet TOI-700 waarheen een groot gedeelte van de mensheid is verplaatst, en de wereld die we kennen als de aarde, een spookplek waar de achtergeblevenen doelloos ronddwalen. Voor deze beangstigend herkenbare roman ontving Esther Gerritsen de Boekenbon Literatuurprijs 2024. De jury schreef in haar verslag: ‘Uitgestreken over tijden, sentimenten en plaatsen is Gebied 19 pertinent actueel. De roman is een fraai staaltje sciencefiction in de polder.’

als max porter het zegt

Een ambtenaar die leeft in het Londen van de nabije toekomst en een ijsvaarder uit 1874 worden verliefd. Dat kan omdat Het ministerie van tijd experimenteert met tijdreizen. De verliefdheid is ook niet de enige onvoorziene bijwerking van dit ambitieuze project dat helemaal dreigt te ontsporen. Max Porter noemde Kaliane Bradley’s boek ‘spannend, verrassend, intellectueel provocerend, raar, radicaal, teder en ontroerend.’

straks en nu

Beide auteurs slagen erin om een verhaal met een volstrekt onwerkelijk uitgangspunt – de halve mensheid die op één nacht naar een andere planeet wordt verscheept bij Gerritsen, en een overheidsinstantie die mensen uit vervlogen eeuwen naar Londen flitst bij Bradley – ogenblikkelijk aanvaardbaar te maken. Je wordt meteen meegezogen in de vaart van hun vertelkunst, je vermaakt je als lezer geweldig terwijl je kennismaakt met een visie op de toekomst die je doet nadenken over ons ongemakkelijke heden.

over de auteurs

Kaliane Bradley is een Brits-Cambodjaanse schrijfster die in Londen woont. Haar korte verhalen en essays zijn in diverse media gepubliceerd. In 2022 won ze de Harper’s Bazaar Short Story Prize en de V.S. Pritchett Short Story Prize. Het ministerie van tijd is haar debuut. Het boek werd genomineerd voor de Waterstones Debut Fiction Prize en de Bollinger Everyman Wodehouse Prize.

Esther Gerritsen (1972) schrijft romans, columns en scenario’s voor tv en film. Sinds haar debuut in 2000 volgden meerdere succesvolle romans, waarvan er vier werden genomineerd voor de Libris Literatuurprijs. Ze had de eer om in 2016 het boekenweekgeschenk Broer te schrijven en had lange tijd een populaire wekelijkse column in de VPRO-gids. In 2023 verscheen Gebied 19, genomineerd voor de Libris Literatuurprijs en bekroond met de Boekenbon Literatuurprijs 2024.

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Eduardo Halfon est né en 1971 au Guatemala, qu’il quitte à dix ans pour les États-Unis avant d’y revenir après de longues années. Ses grands-parents et arrière-grands-parents viennent de pays aussi divers que l’Ukraine, l’Égypte, la Palestine, l’Espagne, le Liban, la Syrie et la Pologne. L’identité, le déracinement et l’intime sont les thèmes de prédilection de ses livres, qui présentent tous une facette différente d’un ensemble autobiographique en train de devenir magistral.

Entre réalité et fiction

Son dernier livre, Tarentule (éds. De la table ronde, traduit par David Fauquemberg), vient d’être couronné du prix Médicis. Il remonte à l’époque où, en 1984, deux jeunes frères exilés aux États-Unis retournent au Guatemala, au cœur de la forêt de l’Altiplano, participer à un camp de survie pour enfants juifs où les envoient leurs parents afin qu’ils n’oublient pas leurs racines. Mais un matin, les enfants découvrent que le camp s’est transformé en une chose bien plus sombre. Véritable épicentre traumatique de l’enfance du narrateur, cet épisode ne commencera à s’éclaircir que des années plus tard au fil de rencontres fortuites – à Paris avec une lectrice de Salinger devenue avocate, ou à Berlin avec un ancien instructeur en chef du camp.

Entrelaçant fantômes du passé et du présent, réalité et fiction, Eduardo Halfon approche peut-être dans Tarentule comme nulle part auparavant les fondements de son identité : le cadre strict et rigoureux de la religion juive et le giron enveloppant et maternel du Guatemala.

Après une rencontre virtuelle en 2021, Eduardo Halfon retrouve, en chair et en os cette fois, l’écrivain et critique flamand Roderik Six pour un entretien prometteur.

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Des réformes fiscales nous sont annoncées qui nous concernent au premier chef : nous travailleur·euses d’un secteur public, avons des salaires et sommes employé.es par des institutions qui dépendent de l’argent public et donc du budget de l’état. Il est donc urgent de décortiquer et de comprendre ensemble la situation.

Le détricotage des services publics, la gestion des entreprises publiques et parapubliques sur le modèle des entreprises privées, ne sont pas des phénomènes nouveaux : ils nous mènent pas à pas vers une privatisation généralisée qui rend les conditions de travail intenables pour nombre de travailleur·euses bien au-delà de notre secteur, et qui disloque notre société.

Une vue plus claire sur l’organisation du système économique et financier dont nous dépendons, en plus de nous mener à pouvoir le remettre en question concrètement, permettra peut-être de saisir une possibilité d’alternative. Nous devons nous construire un argumentaire défendant une fiscalité et une gestion des finances publiques qui permettent la survie d’un service public qui vise l'émancipation, des conditions de vie dignes et épanouissant pour tous·tes et la cohésion au sein de la société.

Il s'agira de regarder les discours dans lesquels nous baignons (annonces gouvernementales, relai par les médias, formules toutes faites reprises dans les conversations quotidiennes) et de tenter de comprendre ce qu'ils sous-tendent.

Cette discussion est aussi la tentative de rassembler des travailleur·euses de plusieurs secteurs (santé, culture, enseignement, rail), ainsi que des organisations militantes afin de participer au chemin nécessaire vers la convergence et le renforcement mutuel de nos luttes.

Aline Farès

Autrice de la conférence gesticulée Chroniques d'une ex-banquière et co-autrice de la bande dessinée La machine à détruire, pourquoi il faut en finir avec la finance (Seuil, 2024, illustrée par Jérémy Van Houtte)

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L’immense festival est un événement multiculturel et multilingue bruxellois, sociétal et non-lucratif.

Conférence « Rethinking Poverty #6 : Les fillecibles* sont-elles des Travailleuses Du Sexe (TDS) ? »

* « Fillecible : n.f. Femme ayant intégré le fait que des faveurs sexuelles, consenties ou non, font (ou feront) partie de son parcours de vie sans chez-soi. » (SDI, Thésaurus de l’immensité)

Intervenant : Daan Bauwens, directeur de Utsopi (Union des Travailleur·euses du Sexe)

Les 20 dernières années furent le théâtre d’activismes importants autour de la « prostitution », soutenant sa requalification sous l’appellation « travail du sexe » et, conséquemment, la reconnaissance de droits encadrant le travail spécifique des « travailleurs·euses du sexe ». Ce mouvement, fortement ancré dans l’expérience des communautés concernées, met en lumière au moins deux aspects très importants s’appliquant aussi bien au TDS qu’à d’autres réalités : d’abord, bien nommer les choses participe fondamentalement du combat ; ensuite, la reconnaissance de toute pratique comme forme de travail est capitale pour la reconnaissance de l’ensemble des droits des personnes impliquées par ces pratiques.

Plus d'info : https://www.bellone.be/F/event.asp?event=7845

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Comme Ali est un conte, publié aux éditions Au Diable Vauvert, en librairie le 26 mars 2025.

Inspiré par la révolte des quartiers populaires qui a eu lieu en France fin juin 2023, "Comme Ali" est une histoire du feu, cette détermination des opprimés à le voir tout ravager sur son passage. 

Dans ce conte - entre culture musulmane et fantastique - Ali doit affronter quarante policiers et passer autant d'épreuves. Mais rien ne semble pouvoir le détourner de sa quête : faire que l'incendie du commissariat en bas de chez lui aille jusqu'au bout.

Comme Ali reprend les thèmes développés par Fatima Ouassak sur la désenfantisation, la condition des garçons arabes, leurs horizons émancipateurs, s'inscrivant dans une littérature décoloniale et réparatrice.

Née en 1976 dans le Rif au Maroc, Fatima Ouassak est essayiste et conteuse. Elle a publié deux essais remarqués : La Puissance des mères, pour un nouveau sujet révolutionnaire (La Découverte, prix de l’essai Causette en 2021), puis Pour une écologie pirate, et nous serons libres (La Découverte, 2023) et, en 2024, un conte, son premier récit littéraire, Rue du Passage (JC Lattès). Elle est également militante, engagée dans l'antiracisme et l'écologie.

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• La poésie sociale, un sport comme les autres de Lisette Lombé, Poétesse nationale

Cette collection d’essais est née d’une récolte d’exemples formels et littéraires pour donner vie à des carnets entamés en 2019, à Port-au-Prince, lors du Festival Transe Poétique. Y sont abordés les thèmes de la poésie sociale, de la littérature engagée, de la maternité, de la transmission, de l’écriture créative, de l’accès à la culture, de la lecture, de la confiance en soi et de la solidarité.

• En lettres noires du collectif L-SLAM

En lettres noires est une anthologie sélective rassemblant les poéte·sses qui ont marqué de leur empreinte la Décennie internationale des personnes d’ascendance africaine (2015- 2024) en Belgique francophone.

Cette anthologie regroupe les auteur·ices primé·es : Marie Darah (Champion·ne d’Europe de slam), Huguette Izobimpa (Prix Paroles Urbaines), Gioia Kayaga, Julie Lombe (Prix Paroles Urbaines), Lisette Lombé (Poétesse Nationale), Joëlle Sambi (artiste associée du Théâtre National), Raïssa Yowali (Prix Fintro 2024).

Le recueil est dirigé par L-SLAM, collectif féministe liégeois de poétesses. Une communauté multiculturelle et intergénérationnelle qui organise, depuis 2015, des ateliers, des podiums et de l’édition de slam.

En partenariat avec TULITU

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Dans Les liens qui empêchent, Sarah Schulman analyse la reproduction de l’homophobie au sein du cercle familial, quand bien même ce dernier devrait être le lieu du développement et de l’épanouissement de chacun·e.

En s’appuyant aussi bien sur des théories sociologiques que sur des témoignages individuels, l’autrice décortique les mécanismes qui conduisent les familles à exclure certains de leurs membres. Bien que l’homosexualité soit de plus en plus représentée dans les médias et dans la culture populaire, Sarah Schulman montre en quoi celle-ci est souvent caricaturée et pathologisée. Ainsi, cette visibilisation ne s’accompagne pas nécessairement d’une meilleure acceptation des personnes homosexuelles dans le cercle familial. 

Virulent plaidoyer visant à faire de l’homophobie une question de société qui ne serait plus uniquement reléguée à la sphère privée, Sarah Schulman offre ici des pistes permettant de mettre un terme à la souffrance endurée par de nombreux·ses homosexuel·les au sein du foyer familial.

Sarah Schulman est romancière, dramaturge et militante des droits humains et LGBTQIA++. Professeure titulaire à l’université de la ville de New York (CUNY), elle a été membre d’ACT UP New York et a fondé en 2001 ACT UP Oral History Project, un projet de recueil et d’archivage de témoignages de personnes ayant activement participé aux actions menées dans le cadre de la lutte contre le sida aux États-Unis dans les années 1980 et 1990. Elle est également impliquée dans le mouvement de solidarité avec le peuple palestinien et fait partie de l’organisation activiste Jewish Voice for Peace. Elle est l’autrice de plusieurs livres aux États-Unis et deux de ses romans ont été traduits en français, Après Delores et Maggie Terry, aux éditions Inculte.

La rencontre sera animée par Peggy Pierrot, travailleuse intellectuelle et enseignante à l’ERG.

En partenariat avec TULITU

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La moitié de la population mondiale pratique au quotidien des valeurs dites féminines, qui s’avèrent être aussi des valeurs écologiques. Loin de tout essentialisme, Ariel Salleh met en évidence le rôle majeur des femmes, mais aussi des paysan·nes et des peuples autochtones, dans le soin et le maintien des milieux de vie, un travail vital mais invisible aux yeux du capital. Là où le prolétariat de Marx a échoué, elles et ils sont en mesure de constituer une nouvelle classe révolutionnaire – le moteur manquant d’une véritable révolution écologique.

Engagée dans les luttes contre l’exploitation des terres aborigènes dans les années 1970, Ariel Salleh insiste sur le rôle des femmes des Suds. Selon elle, l’écoféminisme est la synthèse de quatre révolutions – écologique, féministe, socialiste et décoloniale – qui ne pourront pas aboutir les unes sans les autres.

Préface de Vandana Shiva

Postface de Jeanne Burgart Goutal

Ariel Salleh (née en 1944), sociologue et militante australienne, est depuis les années 1990 une figure internationale de l’écoféminisme. Elle a notamment codirigé Plurivers (Wildproject, 2022).

July Robert est la traductrice de cet essai incontournable sur l’écoféminisme.

En partenariat avec TULITU

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Je me demande toujours ce que je serais devenue si je n'avais pas été une petite plouc trans qui n'a pas fait d'études. Si je n'avais pas eu ce petit complexe d'infériorité par rapport à tout ce qui est institutionnel et académique. Si je n'avais pas été autant blessée et surprise par la découverte des « gens de théâtres », de leur universalisme invraisemblable, de leur classisme et de leur racisme normalisé et encouragé puisque, sans récupération culturelle, l'art scénique s'assécherait et mourrait en France. Ces gens et ce système m'ont quasiment créée telle que je suis, un vase de colère qui ne désemplit pas. « Le complot de la culture » est un texte, une réflexion que je mène lentement devant les gens, au fil d'entretiens publics avec mon amie Marie Coquille Chambel. Je tiens à continuer de penser à haute voix sur l'hégémonie culturelle des bourgeois et sur ce système qui se nourrit de la précarité des gens sans développer de stratégies pour les en sortir réellement. C'est une façon de ne pas oublier, même après avoir eu du succès que, les périodes de silence et de nullité sociales ont été interminables et que nombreux sont mes frères et sœurs qui y sont encore plongés. Je réfléchis devant vous à voix haute, je répète les mêmes trucs, jusqu'à trouver les mots justes.

LAURÈNE MARX

Née en 1987, Laurène Marx est une femme trans non binaire dont l’œuvre tourne autour des thèmes du genre, de la normativité, du rapport à la réalité, de la neuro-atypie et de l’anticapitalisme. À l’âge de seize ans, elle quitte l’école pour écrire, tout en vivant de petits boulots pour ne pas s’éloigner de son unique but : améliorer son style et sa narration. À l’âge de vingt et un ans, elle découvre Paris, le cinéma et le théâtre et commence à réaliser ses propres films et à mettre en scène ses propres textes. Son rapport à l’écriture et à la politique change définitivement après qu’elle a assisté à une performance d’Alok Vaid-Menon, une activiste trans non binaire : il lui apparaît désormais qu’écrire sans cause, sans combat est impossible. Elle se promet de ne plus jamais raconter d’histoires inoffensives, mais de s’efforcer de mettre les zones d’ombre en lumière.

Elle obtient en 2015 le Prix de la Nouvelle de La Sorbonne Nouvelle. En 2018, son texte Transe est lauréat de l’Aide nationale à la création de textes dramatiques – Artcena (catégorie dramaturgies plurielles). En 2019, elle écrit Pour un temps sois peu pour le Collectif Lyncéus et reçoit l’Aide à la création Artcena en 2020 ainsi que le prix du jury de la Librairie Théâtrale, et le prix Adel Hakim. Le texte qui est publié aux Éditions Théâtrales – Éditeur Pierre Banos.

Son 2ème texte Borderline love est édité en 2022 aux Éditions théâtrales. En 2022, associée à Fanny Sintès elles montent la Cie Je t’accapare. Ses pièces sont mises en scène par Fanny Sintès. Laurène Marx est représentée par Anaïs Chartreau de l’Agence Althéa.

MARIE COQUILLE-CHAMBEL 

Marie Coquille-Chambel est doctorante à Paris 8 et fait partie de l’Ecole Doctorale Esthétique, sciences et technologies des arts, dans l’unité de recherche Scènes du monde, création, savoirs critiques. Ses recherches portent sur le théâtre dans une perspective politique, sociologique et historique, notamment sur le théâtre décolonial, les représentations des violences sexuelles ou du fascisme. Elle est dirigée par Nathalie Coutelet pour sa thèse intitulée « Histoire politique et sociale du théâtre décolonial en France : enjeux esthétiques, culturels et mémoriels de 1931 à nos jours ». Membre et cofondatrice du collectif #MeTooThéâtre, elle coordonne des initiatives remarquées en matière de lutte contre les violences sexistes et sexuelles dans le milieu de la culture et de la politique.

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Avec la Voix des Sans-Papiers de Bruxelles, un des collectifs auto-géré de personnes sans papiers (Modou Ndiaye), Febul - Fédération Bruxelloise Unie pour le Logement (Karine Seront) et Communa, une asbl qui occupe des bâtiments vides et y rend possible hébergements et projets d'intérêt collectif (Antoine Dutrieu).

Modération : Milady Renoir, voisine solidaire de la lutte des sans papiers

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Co-pensé avec Marianne MULAKOZè et co-initié avec BHM Belgium

Stand librairie par Pépite Blues et stand nourriture par le service traiteur du Comité Des Femmes Sans Papiers

INVITÉES

• La militante Sarah Mussenge (@Kokoon_ConfortEnSoi)
• La podcasteuse et artiste Yophine Kimwanga
• La militante Mimi Maboleko (autour de la Drépanocytose
• La réalisatrice/actrice, personnalité radio et conférencière Mireille Mbayoko Yaba (autour de la sclérose en plaques)

Présenté et modéré par Emmanuelle Nsunda

NOTA BENE : L'intention de cet événement étant le partage de savoir et d'expérience ancrée localement, dans le but accroître l'intelligence collective autour de ces thématiques, la priorité dans le public sera donnée aux personnes Noires.

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En écho à sa redoutable réflexion sur les tabous dominants notre société, différent.es artistes interrogeront les limites de l'art, le lien étroit avec la morale, les tabous, la politique.

Avec :

Marianne Chargois, performeuse multidisciplinaire et travailleuse sexuelle militante

et Gérald Kurdian (aka Gaerald xoxo Kurdian), musicienxx, performer, DJ et l'une des voix multiples des luttes sex-positive actuelles. Iel est à l'origine de la coopérative queer Hot Bodies of the Future, des chorales Hot Bodies et des soirées inclusives Hot Bodies_Club !

Avec le soutien de la COCOF - Label IMPACT

Visuel Chiara Schiavon

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Bienvenue à Lauren Bastide à l’occasion de la parution de son premier roman 2060 paru Au Diable Vauvert.

Lauren Bastide, c’est la créatrice du podcast féministe La Poudre et on l’adore ! Nous l’avions déjà reçue pour ses deux essais Présentes et Futur.es parus chez Allary.

Lauren s’est mise au roman pour notre plus grand bonheur.

Voici la présentation de l’éditrice :

“22 juin 2060. Après des siècles à vivre comme si demain n’existait pas, l’humanité se prépare à une Fin du Monde, rebaptisée FDM comme pour conjurer l’inéluctable.

Durant son ultime journée, heure après heure, l’héroïne va revivre les combats féministes et écologistes qui ont rythmé sa vie.

Dans une ambiance à la fois mélancolique et poignante, qui évoque Charlotte Perkins Gilman ou Virginia Woolf, cette fiction trouve un équilibre subtil entre anticipation, littérature et politique.”

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La Bellone a organisé de 2018 à 2021 un colloque annuel sur un thème touchant à des problématiques de genre dans les arts de la scène que Jessica Gazon, Isabelle Jans, Mylène Lauzon et Cora-Line Lefevre ont intitulé « Pouvoirs et Dérives ». Avec cette publication se jouent pour elles la nécessité de la trace et le souhait de transmettre ces idées à qui voudra s’en emparer. Elles élaborent ces pages, qui ont été le fruit de tentatives expérimentales, avec la certitude que tout reste à faire et que les besoins du milieu culturel pour tendre à des structures et à des expériences plus respectueuses du plus grand nombre restent grands. Elles invitent à ce que touxtes se responsabilisent : politiques, lieux de création, artistes, compagnies, fédérations, producteurices et administrations.

Programme : https://www.bellone.be/f/event.asp?event=7482

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Le premier numéro est composé de plusieurs rubriques :

• Un Focus Queer avec des interviews d’artistes lié.es à ce thème

Nour Beetch & Nicky Lapierre (@nour_beetch – @nicky_lapierre photo/vidéo/performance) – Klou (@klou_bagarre illustration/BD) – Blanket la Goulue (@blanketlagoulue drag) – La Veuve (@la.veuve drag) – Lion Ascendant Connasse (@lion_ascendant_connasse fashion design) – Lylybeth Merle (@lylybeth.merle théatre/drag) – Butchibou (@b6butchibou pole dance/performance/écriture) – Leoluna (@leoluna__ animation) – Rose Gigot (@rose.gigot sculpture/drag) – Baxter Halter (@dareal.kingbaxter performance/drag queer/son) – Vera Moro (@veramor.o DJ). 

• Un Open Call sur le thème du magazine (Freaks) – reprenant une quinzaine d’artistes
• Une partie intitulée “Cis-sters”, destinée à mettre en avant le travail artistique de nos soeurs hétérocisgenres alliées
• Enfin, deux cartes blanches internationales afin de créer des contacts extérieurs (Geneviève Kuzak, réalisateur de porno trans aux USA & Ana Filipa, une artiste calligraphe au Luxembourg)

Nous sommes heureuxses d’accueillir l’équipe de Full Love qui a invité des artistes ayant participé à ce premier numéro. Sont annoncé.e.s pour l’instant Baxter, la Veuve et blanket la goulue 

La rencontre sera animée par Manon Didierjean, librairie chez TULITU.

L’évènement est une collaboration avec TULITU

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

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Ariane Herman de la librairie Tulitu sera présente pour mener l'entretien et proposer une sélection de livres autour de cette thématique.

Marielle Macé est écrivaine, et directrice de recherche au CNRS (Paris). Ses livres (essais, poèmes) saisissent les formes de la vie commune, les colères et les espoirs qui les animent. Parmi ses publications : Styles. Critique de nos formes de vie (Gallimard, 2016) ; Sidérer, considérer (Verdier, 2017) ; Nos cabanes (Verdier, 2019) ; Une pluie d’oiseaux (José Corti, 2022, Grand prix de la non-fiction SGDL) ; Respire (Verdier, 2023).

© Photo de Daniele Molajoli

Diplômée d'un master en art dramatique au Conservatoire Royal de Mons (Belgique), Consolate Sipérus a travaillé pour et avec différent.es metteureuses en scène belges et étrangères. Elle aurait aimé travailler dans le social mais le théâtre l'a sauvé. Aujourd’hui l’art lui permet de traverser les différentes temporalités de son histoire. Aujourd’hui son art est social.

« Je suis une femme, racisée, adoptée. Illégalement.

La nécessité de porter mon histoire à travers l'art est urgence. Car c'est celle de tant d'autres. L'art répare et laisse place à une conscientisation collective. On ne peut pas changer l’histoire mais on peut la transformer si on se connait mieux. Aujourd’hui mon art n’est plus un bouclier pour survivre mais un langage où les mots ne dominent plus. Trop longtemps mon corps, mes sens ont été endormis. Dans un art qui rassemble, nous les réveillons ensemble.

Partager

pour conscientiser.

Créer

pour rassembler

Se raconter

pour réparer. »

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Elle vient en France et en Belgique pour une semaine à l’occasion du lancement de son livre, Le Pacte de la blanchité publié aux éditions Anacaona.

Réfléchir à la blanchité, c’est cesser de considérer le groupe Blanc comme le groupe universel, de référence, la norme. Réfléchir à la blanchité, c’est aussi réfléchir aux privilèges (symboliques et matériels) attachés à cette identité. Enfin, il est indispensable d’y réfléchir lorsque l’on parle d’antiracisme.

Et puis, nous parlerons aussi des actions affirmatives / quotas, que Cida défend, et qu'elle a contribué à mettre en place au Brésil. Elle nous racontera les défis et obstacles qu’elle a dû affronter.

La rencontre sera traduite simultanément en français par l’éditrice Paula Anacaona et animée par Gia Abrassart, journaliste indépendante et militante de la culture décoloniale.

En partenariat avec Tulitu.

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Deborah Levy nous livre au fil de ces textes réjouissants, rassemblés ici pour la toute première fois, un véritable traité de l’indiscipline et une plongée revigorante dans son intimité loufoque et érudite. Le tout traduit de l'anglais avec finesse par Nathalie Azoulai. Les deux romancières nous partageront des extraits du livre, nous feront part de leurs réflexions, du travail respectif de l'une et de l'autre ainsi que de leur collaboration pour cette parution.

La rencontre se fera entre les murs de La Bellone, également en présence de l'interprète Marguerite Cappelle et de la journaliste Ysaline Parisis qui mènera l’entretien. 

Une sélection de livres sera disponible sur place, sélectionnée par la librairie Tulitu. 

Tarif normal : 15€

Tarif réduit : 12€

Dramaturge, poétesse et romancière anglaise, Deborah Levy est l'autrice de trois romans remarqués, dont The Man Who Saw Everything, finaliste du Man Booker Prize. Sa trilogie autobiographique a reçu le prix Femina étranger en 2020. Son dernier livre La Position de la cuillère est une célébration de l’impertinence et de la liberté.

Nathalie Azoulai est romancière, lauréate du prix Médicis et membre du jury Femina. Son dernier roman La Fille parfaite (éditions POL, 2022) vient de paraître en édition Folio. Elle est également traductrice. Elle a traduit Mrs Dalloway de Virginia Woolf en 2021 et le dernier ouvrage paru de Deborah Levy, La Position de la cuillère.

Marguerite Capelle est interprète et accompagne depuis une quinzaine d’année les auteur.ices anglophones invité.es en France et en Belgique lors de festivals, rencontres en librairies ou encore à la radio. Elle traduit également de l’anglais des auteur.ices nigérian.es (Akwaeke Emezi, Chika Unigwe, Chimamanda Adichie), américain.es (Kathleen Collins, Mary Gaitskill, Melissa Broder, Tadzio Koelb, Kristen Roupenian), canadien.nes (John Vigna) ou encore anglais.es (Jonathan Coe).

Journaliste, Ysaline Parisis a notamment oeuvré comme critique littéraire à la RTBF et au Focus Vif/L’Express. Elle est à présent responsable de programmation au sein de Passa Porta, maison internationale des littératures à Bruxelles.

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Une journée pour rassembler le secteur des arts de la scène autour de ces questions largement sous-explorées en francophonie, entendre des témoignages, paroles d’artistes et d’expert·es, prendre part à des tables rondes et imaginer ensemble un secteur artistique plus conscient et inclusif.

Que vous soyez parent ou non, soyez les bienvenu·es.

Avec, entre autres :

– Lola Galer, chargée d’études au service études et action politique de la Ligue des familles

– Juliette Mogenet, pour le podcast « Comment j’ai retrouvé ma mère »

– Amandine Thiriet et Manon André pour le collectif les Matermittentes (FR)

– Alice Matterne, responsable de l’accueil en résidence des artistes et de leur famille à Latitude 50, le pôle des arts du cirque et de la rue

– La Compagnie M.A.P.S. qui organise les résidences d’écriture enfants admis

Et de nombreux artistes.

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Présentation d’une étude universitaire sur la présence des femmes et des inégalités dans le milieu des arts vivants. Suivie de témoignages.

Avec Écarlate la Compagnie · Jacinthe Mazzocchetti · Mariam Diallo · Miriam Youssef

Dans la suite des travaux menés dans le cadre du projet « La Deuxième Scène », sous l’égide de la Cie Écarlate, venez découvrir l’étude « Acte 4 », dirigée par Jacinthe Mazzocchetti de l’UCLouvain en collaboration avec Mariam Diallo.

Cette étude porte sur les inégalités et la présence des femmes dans le milieu des arts de la scène avec une perspective intersectionnelle. Ce cadre d’analyse, théorisé par Kimberlé Crenshaw, nous permet de considérer les différentes catégories sociales imbriquées et la multiplicité des rapports de pouvoir. Cela, afin d’interroger leurs effets sur les vies individuelles, mais également sur le fonctionnement des institutions. Ainsi, l’étude se déploie autour de trois angles spécifiques :

– La question des apprentissages, des transmissions et des héritages ainsi que des rapports intergénérationnels avec un premier focus sur les écoles ;

– Les femmes et les personnes racisées à la croisée des rapports de pouvoir ;

– La question des rapports de pouvoir avec un angle davantage institutionnel. 

Remerciements : la Chaufferie-Acte 1, Emilie Duvivier, Jacinthe Mazzocchetti, Benoit Vreux et l’équipe du Centre des Arts Scéniques.

Réservation : https://famefestival.be/fr/fame-event/deuxieme-scene/

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Avec : La Voix des Sans Papiers de Bruxelles (VSP) · Le Comité des femmes sans papiers · VSP Liège · Baraka Grafika · Les Écoles Supérieures d’Arts Saint-Luc & ERG · Des artistes sans et avec papiers.

https://famefestival.be/fr/fame-event/exil-creation/

À destination de : Artistes sans ou avec papiers, professionnel·les de la culture, des arts, du social, militant·es allié·es de la lutte des sans-papiers

Remerciements : Toutes les personnes sans papiers qui engagent leur temps à éduquer, soutenir les soutiens dans leur parcours militant, artistique. La Bellone pour l’accueil.

TW Mentions et partages d’expériences de violences institutionnelles, de racisme, sexisme et classisme dans les lieux d’arts et de culture

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Amour & Sagesse (À travers les Arts ! asbl · Le Service Seniors de la Commune de Forest)

https://famefestival.be/fr/fame-event/heritages-transmissions/

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Résa https://famefestival.be/fr/fame-event/ecriture-inclusive/

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Rencontre autour de la notion de Criticality d’Irit Rogoff avec une partie de l’équipe de La Salve, Anna Czapski, Mylène Lauzon et Arnaud Timmermans.

Réservations : https://famefestival.be/fr/fame-event/criticality/

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Ouverture des portes : 17h30

À partir de 18h

Conversation publique avec les collaborateur.ices de Pangée et DÉNÈTEM TOUAM BONA, artiste-philosophe et SOPHIA OPFERGELT, géologue

> Les soirées se déroulent dans une scénographie créée à partir des éléments de la recherche : installation visuelle et sonore, dessins et textes

Imaginé par Louise Vanneste avec la participation d’Emmanuelle Nizou, Paula Almiron, Esther Denis, Cédric Dambrain, Arnaud Gerniers, Anja Rottgerkamp, Katia Petrowick, Alix Sarrade & Andrea Kerr

INFO +:

https://louisevanneste.be

Évènement co-produit par La Bellone et co-organisé avec Emmanuelle Nizou, Paula Almiron, Cédric Dambrain, Arnaud Gerniers, Alix Sarrade, Andrea Kerr & Esther Denis.

Recherche financée par le FRArt (F.R.S.-FNRS) en collaboration avec l'Institut des Arts de Diffusion à Ottignies Louvain-la-Neuve

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À partir de 18h

Conversation publique avec les collaborateur.ices de Pangée et DÉNÈTEM TOUAM BONA, artiste-philosophe et SOPHIA OPFERGELT, géologue

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Imaginé par Louise Vanneste avec la participation d’Emmanuelle Nizou, Paula Almiron, Esther Denis, Cédric Dambrain, Arnaud Gerniers, Anja Rottgerkamp, Katia Petrowick, Alix Sarrade & Andrea Kerr

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Ouverture des portes : 17h30

À partir de 18h :

Performance dansée et littéraire « Une Incursion » de LOUISE VANNESTE

& Conversation publique avec TRISTAN GARCIA, écrivain et philosophe

> Les soirées se déroulent dans une scénographie créée à partir des éléments de la recherche : installation visuelle et sonore, dessins et textes

Imaginé par Louise Vanneste avec la participation d’Emmanuelle Nizou, Paula Almiron, Esther Denis, Cédric Dambrain, Arnaud Gerniers, Anja Rottgerkamp, Katia Petrowick, Alix Sarrade & Andrea Kerr

INFO +:

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Évènement co-produit par La Bellone et co-organisé avec Emmanuelle Nizou, Paula Almiron, Cédric Dambrain, Arnaud Gerniers, Alix Sarrade, Andrea Kerr & Esther Denis.

Recherche financée par le FRArt (F.R.S.-FNRS) en collaboration avec l'Institut des Arts de Diffusion à Ottignies Louvain-la-Neuve

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Het hele jaar 2023 buigt het Letterenhuis zich over schrijversbiografieën, memoires, autofictie en egodocumenten. Zo ook op het literatuurfestival, in een unieke samenwerking met Passa Porta. Samen dagen we vijf auteurs uit om een nieuw verhaal te schrijven over een nevenpersonage uit de wereldliteratuur. Bregje Hofstede geeft een stem aan juffrouw Kalvelage uit de roman Karakter van Bordewijk. Bij Mustafa Kör krijgt de papegaai uit Liefde in tijden van Cholera meer kleur en Carmien Michels vond haar studieobject bij John Irving. Aya Sabi neemt dan weer een personage van Renate Dorrestein onder de loep en bij Joost de Vries krijgt Aleksej Aleksandrovitsj Karenin een nieuw leven.

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Mes hommes (éds. Dalva, dans une traduction de Jean-Baptiste Coursaud) est une œuvre de fiction inspirée de la vie de Brynhild, une servante norvégienne. Brynhild émigre en Amérique à la fin du XIXe siècle et devient Bella Sørensen, puis Bella Gunness de La Porte, Indiana. Après sa mort, Bella restera connue comme la première femme tueuse en série d'Amérique. Victoria Kielland l’aborde plutôt comme un être brisé, en proie aux déceptions et aux gouffres, tenant de ne pas se perdre, et décidant qui peut vivre et qui doit mourir : "Ceux qui aiment de tout leur cœur ne survivront jamais à l'amour".

Saskia De Coster s'entretient avec l'autrice sur ses mobiles et -comment pourrait-il en être autrement- sur ceux de Brynhild.

à propos de l'autrice

Victoria Kielland (1985) vit à Oslo et est l'une des voix les plus originales de sa génération. Son premier roman a été publié en 2016. Son deuxième roman, Mes hommes, est devenu un best-seller en Norvège, a été nominé pour le prix de la librairie norvégienne et le prix de la jeune critique, et est aujourd’hui traduit en 11 langues. Lors du festival norvégien de littérature à Lillehammer en juin 2022, M. Kielland a reçu le prestigieux prix Dobloug, le prix qui récompense chaque année deux écrivains suédois et deux écrivains norvégiens pour leur œuvre littéraire distinctive. Le jury a déclaré : "Kielland a une façon très physique de s'exprimer, un style unique dans la littérature norvégienne contemporaine".

à propos de la modératrice

Saskia De Coster (née en 1976) est une autrice belge néerlandophone. Elle a publié huit romans à ce jour, dont le best-seller Wik en ik, Wat alleen wij horen et Nachtouders. Son œuvre a été traduite dans plus de dix langues, mais pas encore en français.

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Les critiques la comparent à Nathalie Sarraute, Virginia Woolf ou Sylvia Plath. Excusez du peu. Un style radicalement personnel, une critique des relations conventionnelles et de sombres désirs animent le travail d’Ariana Harwicz. Et la violence, l'érotisme et l'ironie sont au cœur de son travail. Avis aux lectrices et lecteurs en quête de prose poétique, et d’histoires qui brisent tous les tabous.

J’écris comme je tombe amoureuse : dans l'abondance, et l’extrême. Lorsque je travaille, il n'y a rien d'autre que mon texte, et je veux constamment y revenir. Pour moi, c'est le bonheur absolu. L'art est en lien direct avec le désir. Il n’y a plus d’art si le désir disparaît.

 Ariana Harwicz

Publié en français en 2020, son premier roman Crève mon amour est l’histoire, dans une campagne reculée, d’une femme en lutte contre les démons qui la rongent. Éperdument éprise de liberté, elle est enfermée dans les rôles inconciliables qui lui sont assignés : celui d'épouse et de mère dévouée, mais aussi celui de sorcière et de prostituée jetée en pâture à la vindicte populaire. Harvicz y déploie une écriture explosive, honnête, vitale. Son deuxième roman, écrit en 2014, La debil mental (non traduit) se structure autour de la relation asphyxiante, animale, presque incestueuse, entre une mère et sa fille. C'est ce roman qui lui a valu le surnom de "La Sade argentine".

a propos de l'autrice

Ariana Harwicz est née à Buenos Aires en 1977. Après des études de cinéma et de dramaturgie en Argentine puis de littérature comparée à la Sorbonne, elle réside aujourd’hui en France, près de Sancerre. Elle est l’autrice de pièces de théâtre et de quatre romans qui l’ont révélée dans le monde entier comme le nouveau prodige de la jeune littérature argentine. Traduit dans une quinzaine de langues, adapté avec succès au théâtre dans de nombreux pays et sélectionné pour l’International Booker Prize en 2018, Crève, mon amour est son premier roman publié en France (éds. Seuil, dans une traduction d’Isabelle Gugnon).

À propos de la modératrice

Julie Cafmeyer (1987) est diplômée de l'école d'art dramatique de Maastricht en mise en scène. Elle écrit, fait du théâtre, et rédige des chroniques pour De Morgen. Son ton se caractérise par un humour ironique, entre comique et tragédie.

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Auteur de La Cache, prix Femina 2015, Christophe Boltanski fait retour sur un pan négligé de l’histoire de la colonisation belge. Un livre écrit de nuit, devant le « roi du Kasaï » et près d’un Léopold II à la gloire déboulonnée, qui est aussi une plongée au cœur des ténèbres de l’Histoire.

La collection « Ma nuit au musée » des éditions Stock propose à un.e écrivain.e de passer une nuit, seul.e, dans un musée de son choix. Jakuta Alikavazovic au Louvre, Leïla Slimani dans les collections de la Fondation Pinault à Venise ou tout récemment Lola Lafon au Musée Anne Frank… De cette aventure - insolite, mystique, angoissante, émouvante selon les cas - naît un livre. C’est à l’AfricaMuseum de Tervuren (ex Musée Royal d’Afrique Centrale) que Christophe Boltanski a pour sa part choisi d’aller passer la nuit, au pied d’un Léopold II à la gloire déboulonnée.

Au cœur des ténèbres

Si le journaliste et romancier français aborde Tervuren, c’est avant tout avec l’idée de s’intéresser à l’histoire de « King Kasaï », l’éléphant empaillé qui fut longtemps le symbole du Musée Royal de l’Afrique Centrale. Ce faisant, il part sur les traces du chasseur qui participa à la vaste expédition zoologique du Musée et abattit l’éléphant en 1956. Et de s’aventurer au cœur des ténèbres, celles de la mémoire d’une entreprise coloniale encore insuffisamment déconstruite…

Je me dirige vers une énormité. Un empire comprimé dans une boîte, une encyclopédie en trois dimensions, une arche qui contient tout. Faune, flore, hommes et dieux. Toute la mémoire d’un monde rassemblée dans un même écrin. Je m’apprête à passer la nuit à l’intérieur d’un bâtiment monumental et aux prétentions exorbitantes.

Décoloniser les arts

A l’initiative du collectif Décoloniser les arts, Françoise Vergès dénonce, au même moment, l'absence de formes de narrations prenant à rebours les récits nationaux des anciennes colonies. Pour la politiste française, le musée occidental n’a jamais été un espace neutre : ses fondements, son fonctionnement, sa structure, sa mission, ses objectifs en font un champ de bataille -idéologique, politique et économique.

Dans son nouvel essai Programme de désordre absolu (éds. La Fabrique), l’autrice d'Un féminisme décolonial étudie les transformations nécessaires pour décoloniser le musée, et les négociations à entreprendre avec les communautés dont des objets sont exposés, dans une exigence de réparation, de restitution et de justice. Rappelant notamment le rôle du pillage dans la constitution historique du musée du Louvre, elle imagine des pratiques et des méthodes collectives de performances artistiques.

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Une vie d’exil qui trouve un écho dans son dernier roman, Hetze (pas encore traduit en français). Un journaliste qui en sait trop, un fils qui trahit son père, un oligarque sans pitié, des médias qui ruinent des réputations sur simple demande : Filipenko raconte l'histoire d'un journaliste idéaliste qui s'attaque à un oligarque, qui à son tour donnera des ordres pour qu’on s'occupe de faire taire le journaliste...

Un scénario effrayant et réaliste qui fait de Sacha Filipenko un critique courageux de la Russie et de sa Biélorussie natale.

Ce livre explique (du moins, je l'espère) pourquoi les Biélorusses de 2020 n’ont plus voulu somnoler et se sont réveillés de leur coma. Ce livre tente de comprendre pourquoi nous sommes devenus des ex-fils et des ex-filles de notre propre pays, et des ex-enfants de nos propres parents. Ce livre est en fait un recensement des pistes, un dictionnaire des motivations qui poussent les Biélorusses à sortir de chez eux. La seule chose que j’espère sincèrement, c’est qu’un jour, dans mon pays, ce livre cessera d’être actuel…

 Sacha Filipenko à propos de Un fils perdu.

à propos de l'auteur

Sacha Filipenko né à Minsk en 1984, est un écrivain biélorusse d’expression russe. Après une formation en musique classique, il étudie la littérature à Saint-Pétersbourg. Il travaille comme journaliste et scénariste, notamment pour la chaîne de télévision indépendante Dojd’. Après Croix rouges (éds. des Syrtes, 2018) et La Traque (Syrtes, 2020), Un fils perdu (éds. Noir sur blanc) est le troisième de ses romans à paraître en français. Dans ses ouvrages, la fiction interroge la violence des régimes soviétique et postsoviétique, les rouages de la terreur et leurs conséquences sur les êtres qui y sont confrontés. Opposant déclaré de Loukachenko et de Poutine, Filipenko est temporairement hébergé par Passa Porta en tant qu’écrivain en résidence.

à propos de la modératrice

Catherine Vuylsteke est journaliste, elle est auteur de livres et a réalisé des films sur la Chine, les gays (marocains), Bruxelles et les mineurs non accompagnés.

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Histoires de familles

« Mais qui t’a appris à parler alors ? » est la première question que les gens posent invariablement à Claudia Durastanti lorsqu'ils apprennent que ses deux parents étaient sourds. « Et tu rêves dans quelle langue ? », lui demandent les mêmes quand ils apprennent qu’elle a quitté Brooklyn pour l’Italie rurale de la Basilicate à l'âge de six ans. Dans L'Etrangère (éds. Buchet-Chastel, traduit par Lise Chapuis), Durastanti revient sur son enfance. Et en particulier sur le profil de ses deux parents sourds, qui ne sont jamais parvenus à trouver de véritables connexions ni avec la réalité ou le monde extérieur, ni entre eux ou avec leurs enfants entendants. L'Etrangère est un roman sur le silence - le silence de la surdité, mais aussi le silence dans lequel sont maintenues les personnes migrantes. Un livre à la phrase profondément originale sur la façon dont on peut transformer le silence par l'amour de la langue.

à propos de L’Etrangère :

Ce roman est une illumination, une bouée de sauvetage jetée dans les eaux sombres de la mémoire et de l’imagination. Ocean Vuong, auteur d’Un bref instant de splendeur

Dans son roman Sauvage est celui qui se sauve, Veronika Mabardi tente de dessiner Shin Do, le garçon coréen qui est devenu son frère à 7 ans, du jour au lendemain, par adoption. L’autrice et comédienne belge suit les traces que ce frère disparu trop tôt a laissées, comme on suit une piste : celle de l’enfance au sein d’une famille métisse, de la fraternité, des assignations et de l’histoire qu’on s’en fait, qu’on s’en dessine, qu’on s’en raconte. Qu’est-ce qui n’a pas été dit, pas même pensé ?

à propos des autrices

Claudia Durastanti (1984) est écrivaine et journaliste pour La Repubblica. Son travaillé a été couronné de plusieurs prix, et L’Etrangère (éds. Buchet Chastel, traduction de Lise Chapuis), son premier livre traduit en français, a été nominé pour le prestigieux prix Strega. Durastanti est elle-même traductrice, et elle parle aussi couramment anglais qu’italien. Les langues et la traduction constituent un fil rouge dans sa vie et son travail.

Veronika Mabardi est née à Leuven, d’un père à demi égyptien et d’une mère flamande. Comédienne, elle se dirige peu à peu vers l’écriture, la mise en scène et la création radiophonique. Elle a choisi le français pour devenir écrivaine. Elle écrit ou co-écrit pour le théâtre. Sa pièce Loin de Linden (Lansman, 2014), a reçu le Prix Triennal de la Littérature dramatique de la Fédération Wallonie Bruxelles et le Prix Georges Vaxelaire de l’Académie des Lettres de Belgique. En 2014, elle publie Les Cerfs et en 2019, Peau de louve, un récit-conte d’ombre et de lumière, de place à trouver en tant que femme, d’épreuve et de transformation. Paru aux éditions Esperluète en 2022, Sauvage est celui qui se sauve est sans doute son livre le plus intime à ce jour.

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‘Een wanhopig optimist’ werd hij genoemd in de titel van de documentaire die de VPRO recent over zijn leven maakte. Het typeert Adriaan van Dis treffend. Je zou hem ook onvermoeibaar en oeverloos kunnen noemen. Van Dis schreef een indrukwekkend oeuvre bij elkaar dat genres overstijgt, van de moderne klassieker Indische Duinen tot zijn recente roman KliFi.

Deze dystopische klimaatroman -een ‘boze vertelling’ volgens de auteur- vormt misschien wel de aanleiding waarom Bregje Hofstede net met Van Dis in gesprek wil. Woede en zorg zijn ook drijfveren in haar werk. Na een pornografisch uitstapje -de novelle December- werkt Hofstede zonder oponthoud aan haar volgende roman. Nu ja, een klein oponthoud dan, in Brussel.

Twee uitgesproken schrijvers in gesprek met een uitgeslapen interviewer. Als het ergens zal vonken, dan in Club Boomer.

Over de auteurs

Bregje Hofstede (1988) is schrijver en journalist. Haar debuutroman De hemel boven Parijs werd genomineerd voor o.a. de Libris Literatuur Prijs, de Anton Wachterprijs en de Gouden Boekenuil, en werd vertaald naar het Deens en Duits. In 2016 verscheen haar tweede boek, De herontdekking van het lichaam. Over de burn-out. De roman Drift (2018) stond op de shortlist van de Libris Literatuur Prijs. In 2019 verscheen Bergje, een wandelverhaal, in 2020 Slaap Vatten. Hoe een slapeloze de nacht terugwon en in 2022 December, een pornografische pastiche over de aard van verlangen.

Adriaan van Dis (1946) is een veelzijdig, geëngageerd schrijver, getuige romans als Indische duinen, De wandelaar en Tikkop. In 2015 won zijn grote moederroman Ik kom terug de Libris Literatuurprijs en kreeg hij de Constantijn Huygens-prijs voor zijn gehele oeuvre. Van Ik kom terug zijn inmiddels meer dan 200.000 exemplaren verkocht.

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Franco-finlandaise élevée et scolarisée au Sénégal jusqu’à l’âge de ses 15 ans, Taina Tervonen se souvient de la surprise qu’elle éprouve, à son arrivée en France, face au récit colonial français qui lui est fait. Elle s’en souviendra quand, devenue journaliste, elle entend parler d’un sabre précieux dont le Sénégal réclame depuis des décennies la restitution. Pour tenter de comprendre, elle décide de partir sur les traces de ce qui est un butin colonial, volé par un colonel français en 1890 à Ségou, ville d’Afrique de l’Ouest. Destinée édifiante : là où le Sénégal réclame le sabre comme un symbole de mémoire collective, la France tergiverse, coincée dans un carcan idéologique et juridique… Sous la plume de Taina Tervonen, l’enquête devient Les Otages, contre-histoire d’un butin colonial (éds. Marchialy), un non fiction novel tout ce qu’il y a de palpitant.

Économiste sénégalais, écrivain et fondateur avec Achille MBembe des Ateliers de la pensée à Dakar, auteur avec Bénédicte Savoy en 2018 du Rapport sur la restitution du patrimoine culturel africain à la demande d'Emmanuel Macron, Felwine Sarr a étudié de près les conditions dans lesquelles les œuvres pourraient être rapatriées dans leur pays d’origine.

A qui appartient le passé ? Et si les objets étaient les témoins silencieux de la colonisation ? Au micro de l’écrivaine Aiko Solovkine, Felwine Sarr et Taina Tervonen échangeront sur la question des spoliations dont l’Afrique a été victime au cours de l’Histoire, et sur les multiples et passionnants défis liés à la réappropriation du patrimoine africain.

à propos des auteurs

Felwine Sarr (1972) est agrégé d’économie, auteur, musicien, universitaire et co-fondateur de la première maison d’édition de Saint-Louis. Après un essai remarquable, Afrotopia, hommage à l’Afrique nouvelle et célébration optimiste de la pensée universelle, il crée à Dakar aux côtés d’Achille M’Bembé les Ateliers de la pensée, dont les actes Écrire l’Afrique-Monde sont publiés en 2018. En novembre 2017, Emmanuel Macron commande à Felwine Sarr et Bénédicte Savoy un "Rapport sur la restitution du patrimoine culturel africain", inventaire des collections africaines conservées dans les musées publics français. Un ouvrage qui permet de prendre conscience de l’ampleur des spoliations dont l’Afrique a été victime au cours de l’Histoire et évoque les multiples défis liés à la réappropriation du patrimoine africain.

Taina Tervonen (1973) est une documentariste et une journaliste indépendante pour la presse finlandaise et française. Elle écrit sur la famille, les migrations, les récits de vie. Elle écrit pour des revues prestigieuses telles que Les Jours ou XXI. Taina Tervonen est autrice de plusieurs ouvrages en français et en finnois, dont Les Fossoyeuses (Marchialy, 2021), Au pays des disparus (Fayard, 2019), prix Louise-Weiss du meilleur reportage européen en 2019, et Hukkuneet (S&S, 2019), lauréat du prix Finlandia pour le meilleur ouvrage de non-fiction la même année. Elle est aussi l’autrice de Parler avec les morts, son premier long métrage, après deux webdocumentaires. En 2022, elle reçoit le prix Jan Michalski de littérature pour Les Fossoyeuses.

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La rencontre sera animée par July Robert et aura lieu à La Bellone (46 rue de Flandre 1000 Bruxelles).

Une collaboration TULITU/ La Bellone / Ce qui nous arrive

http://tulitu.eu/

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Le tout s’inscrit dans le travail avec la compagnie Maison Ravage et servira à développer un espace sécurisant où la parole intime de femme en lutte peut être livrée et reçue, en respectant la proxémie de personnes diverses, laissant la possibilité de l’utiliser selon leurs besoins respectifs, un espace modulaire, mais sécurisant, qui libère et contient, qui se préoccupe du bien-être du cerveau et de l’âme, nouveau et connu depuis toujours.

Paule Perron est architecte DE HMONP, co-fondatrice de minor, un collectif d’architectes qui interroge la manière dont nous souhaitons agir dans le « paysage de nos erreurs construites » à travers des projets aux échelles variées. Elle est également assistante d’enseignement à la HEAD — Genève, et membre des plateformes de recherche Scènes de Nuit et Domotopie (HEAD x LaSUR EPFL). Depuis son diplôme à l’ENSA Paris-Malaquais, elle travaille entre recherche et projet pour questionner la perpétuation des systèmes de domination patriarcale sur les corps par l’espace. Son travail a été publié et exposé dans divers magazines et institutions tels que Plan Libre, Architecture d’Aujourd’hui, ou la Villa Noailles. Elle a récemment écrit pour le livre Interiors in the Era of Covid-19 édité par Penny Sparke, se questionnant sur les stratégies spatiales d’un corpus de femmes genevoises travaillant à domicile pour négocier leur indépendance, tant domestique que professionnelle. En 2022, elle a été commissaire de l’exposition Des corps dans la ville. architectures, féminismes et espaces construits, à la Maison de l’Architecture Île-de-France. 

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Ouverture au public à 14h30

Intervenant : Frédéric Panni

Conférence et série de questions thématiques

Pause

Discussion ouverte avec les membres de l’équipe et le public.

« L’Enfance majeure » est une vaste recherche sur des questions de pédagogie, de théâtre, d’espace public et de pâtisserie qui se met en place pendant 2 ans.

Ce projet pose la question de l’auto-détermination chez les enfants.

PHILOSOPHIE

L’utopie dans le domaine de l’enfance (Notamment chez Charles Fourier).

HISTOIRE

La place des enfants dans les mouvements sociaux ou durant les épisodes révolutionnaires

PSYCHOLOGIE / PÉDAGOGIE

Naissance et orchestration du sentiment de confiance dans un groupe d’enfants. Rôle de la confiance dans la dynamique des groupes restreints.

Frédéric Panni

Conservateur du Familistère de Guise (Fr)

Équipe

RECHERCHE

Alice conquand - LUC Laboratoire d’Usages Collaboratifs / www.luc-lab.com

Vincent lebourg - Architecte (www.vincentpalexis.info) - Mobilier urbain pour enfants dans le cadre d’expérimentation sur terrain sauvages.

Sophie Vanhulst - Comédienne et intervenante en structure spécialisée pour les enfants avec handicaps mentaux.

Julien fournet - Direction artistique (www.amicale.coop)

CRÉATION

Arnaud Verley - Scénographe

Emma lee Harder - Danseuse

Lucie Yerlés - Acrobate & chorégraphe

Marion Menan - Performeuse

Eric Bezy - Vidéaste, création d’image et collaboration artistique

Salomé Dollat - Chargée de production

 REGARDS EXTÉRIEURS & ACCOMPAGNEMENTS

Christophe Meiherans - Artiste activiste (Regard extérieur (écologie - transition - relations contractuelles)

Marion le Guerroué - Productrice et animatrice (production - dispositifs pédagogiques)

Medea Anselin - Metteuse en scène & assistanat (dramaturgie - développement du récit)

Emmanuel Nizou- Programmatrice & artiste (positionnement - procédés - sortilèges)

Hélène Fraigneux - Médiatrice culturelle (Mars - Mons)

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Une femme* entre en conversation avec une autre femme* de son choix.

Il s’agit de recueillir l’expérience, de découvrir des cheminements, de tracer des récits et de les partager en notre jardin.

Jardinières* est une tentative de désinvisibilisation, un este qui replace les histoires de ces femmes* au centre de nos écoutes.

Chaque soirée est composée d’une rencontre suivie d’un spectacle.

Le jeudi 20 octobre à la Balsamine a eu lieu une rencontre/échange entre Bwanga Pilipili et Nadia De Dyn

Cette rencontre était suivie de la performance « Armes molles » de Léa Rivière.

Ce podcast est l’enregistrement de la rencontre.

Bwanga Pilipili / Nadia De Dyn

Crédits

Réalisation : Caroline Berliner

Générique : Cabiria Chomel

Une production de la Balsamine et Le Bruit et la Fureur

Avec le soutien de la Cocof – service des affaires culturelles générales.

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Langue : Français

Intervenant : Gilles Jacinto

En nous appuyant sur un dialogue entre théories et pratiques, en mobilisant nos corps-pensées-émotions, nous remettrons en question le lien, supposé évident, entre queer, art et politique. Nous penserons le queer sous le prisme des relations entre art et politique, l'art sous le prisme des relations entre queer et politique, et le politique sous le prisme des relations entre art et queer. De cette manière, nous chercherons à arracher "l'art queer" aux idéologies postmodernistes dominantes (y compris dans le champ du queer) - et notamment à l'idéologie "corpo-identitaire" qui dissout ou caricature la question des rapports de pouvoir. Et pour cela, quoi de mieux que de remettre le queer en dialogue avec le féminisme, plutôt que d'en faire un prolongement postmoderne ou néolibéral des luttes sociales du passé ?

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Intervenant·es : Barbara Métais-Chastanier | Le Crabe collectif

Quel est le rapport entre écologie et féminisme ? Entre écologie, théâtre et féminisme ? Comment le théâtre peut-il se réinventer pour sortir d’un modèle capitaliste, mercantile et extractiviste pour aller vers un « modèle basé sur l’invention de formes de relation, dans un souci de réciprocité et de justice écologique et sociale (Barbara Métais-Chastanier) » ? C’est à ces questions que répondront nos intervenantes.

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Langues : Français et Anglais

Intervenant·es : Aminata Demba | Marine Bachelot Nguyen | Lîlâ Bisiaux

Modération : Aru Lee

Comme le dit Aníbal Quijano, « la ‘race’, à la fois mode et résultat de la domination coloniale moderne, a imprégné tous les champs du pouvoir capitaliste mondial ». « Tous les champs », c’est-à-dire également celui de la culture et des esthétiques. Dans cette table ronde, il s’agira d’explorer, avec des artistes et des chercheuses, des tentatives de réponses à la question : comment créer des spectacles décoloniaux et féministes ?

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Langue : Français

Intervenant·es : Mylène Lauzon | Emmanuelle Nizou | Équipe de La Bellone

Rencontre avec Maria Kakogianni à l’occasion de la sortie du livre Surgeons et autres pousses aux éditions Excès. Écrit et réalisé à plusieurs mains, avec Marie Rouzin et Amalia Ramanankirahina, le livre est une collection, ou plutôt une cueillette de textes courts et de dessins qui concernent des plantes et les multiples mondes du végétal. Ses rythmes, ses saisons, nos rapports de soin, de guérison ou d’empoisonnement. Comment pousser sans nous pousser ? Pousser ensemble ? Trouver des alliances et cultiver des associations ? Quelles histoires avons-nous en commun ? Quels héritages ? Quels types de racines ? Quelles migrations ? Comment faire commun ?

« Noues sommes le travail féminisé, précaire, non-déclaré. Vies jetables, malformées, épuisées, parasites, noues sommes les restes de leurs indices de performance. Noues sommes les questions à toutes leurs réponses. Noues sommes le sol glissant d’une grammaire où la police assassine. Noues sommes les herbes folles dans les pelouses patrimoniales. Ce qui n’était que pollens devient des fruits épineux, puisse-t-il en être de même de nos créations et de nos pousses. Qu’elles dansent et dérangent, qu’elles sèment le trouble et la colère, et se dégustent avec attention sans essuyer les pieds avant de passer à table.

Surgeons-nous. »

En collaboration avec la librairie Tulitu

Dans le cadre du FAME festival https://famefestival.be/fr/

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Une fois par mois, Rokia Bamba, femme de radio, artiste sonore, DJ et art-iviste afroféministe bruxelloise, s’entretient avec des femmes artistes, ses sistas. Rokia et ses deux invitées vous convient à un voyage, un moment de partage d’émotions, de rêves, de rires et tendresse.  

Enregistrées en public à Bruxelles dans les conditions du direct, ces conversations croisent l'intime et le politique à travers des thématiques comme l’intersectionnalité, le féminisme, la décolonisation, la question du care, la représentation des femmes, la musique, etc. Un « show » radiophonique, délicat et intime. De l’empouvoirement inclusif.  

Sororités, conversations with my sistas est un podcast talk-show de Rokia Bamba produit par le Studio Balado en partenariat avec Les Grenades - RTBF.

Les invitées : 

Catherine LE GOFF

Catherine Le Goff pratique la gravure depuis une dizaine d’années.

Avant cela, elle avait commencé le dessin en autodidacte, à la fin de ses études d’arabe et d’espagnol, pour exorciser les douleurs d’une maladie invalidante.

Elle ne s’est jamais arrêtée, et elle est passée par des académies pour améliorer sa pratique. Elle dessine plutôt comme on on ferait de l’art brut, a réalisé deux films d’animation avec Graphoui, et depuis quelques années, elle a fait plusieurs expositions à Bruxelles.

Julie MENUGE

Julie Menuge est styliste et créatrice de mode. Après des études en Arts Appliqués à Roubaix elle s'installe à Bruxelles en 2002 pour étudier le stylisme à La Cambre. Elle dirige son propre atelier de création depuis 2011 et a ouvert son atelier-boutique en 2019 où elle vend ses créations marquées par le métissage et le surcyclage. Elle collabore notamment avec des artistes et artisan.es en Afrique de l'ouest pour la création textile de batik, tie & dye et tissages exceptionnels. Quelques-unes de ses pièces phares ont intégré les collections du Musée Mode et Dentelle de Bruxelles.

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Ouverture aux publics à 14h30

Intervenant.e.s : Nicolas Duval Valachs

Isabelle Robin (sous réserve)

Conférence (15 min) et série de questions thématiques (45 min) Pause

Discussion ouverte avec les membres de l’équipe et le public.

« L’Enfance majeure » est une vaste recherche sur des questions de pédagogie, de théâtre, d’espace public et de pâtisserie qui se met en place pendant 2 ans.

Ce projet pose la question de l’auto-détermination chez les enfants.

PHILOSOPHIE

L’utopie dans le domaine de l’enfance (Notamment chez Charles Fourier).

HISTOIRE

La place des enfants dans les mouvements sociaux ou durant les épisodes révolutionnaires

PSYCHOLOGIE / PÉDAGOGIE

Naissance et orchestration du sentiment de confiance dans un groupe d’enfants. Rôle de la confiance dans la dynamique des groupes restreints.

NICOLAS DUVAL VALACHS

Soutien une thèse au CEMS (EHESS), sous la direction de Juliette Rennes et Rachel Gasparini “La démocratie est un jeu d’enfants. Ethnographie de “conseils d’élèves” à l’école primaire”.

ISABELLE ROBIN

Professeure à l’Université Paris-Sorbonne Paris 4.

Historienne de l’enfance. A notamment co-écrit “De l’enfance aux enfants. Les études sur l’enfance du Moyen  ge au début du XXIe siècle”.

Équipe

RECHERCHE

Alice conquand - LUC Laboratoire d’Usages Collaboratifs / www.luc-lab.com

Vincent lebourg - Architecte (www.vincentpalexis.info) - Mobilier urbain pour enfants dans le cadre d’expérimentation sur terrain sauvages.

Sophie Vanhulst - Comédienne et intervenante en structure spécialisée pour les enfants avec handicaps mentaux.

Julien fournet - Direction artistique (www.amicale.coop)

CRÉATION

Arnaud Verley - Scénographe

Emma lee Harder - Danseuse

Lucie Yerlés - Acrobate & chorégraphe

Marion Menan - Performeuse

Eric Bezy - Vidéaste, création d’image et collaboration artistique

Salomé Dollat - Chargée de production

 REGARDS EXTÉRIEURS & ACCOMPAGNEMENTS

Christophe Meiherans - Artiste activiste (Regard extérieur (écologie - transition - relations contractuelles)

Marion le Guerroué - Productrice et animatrice (production - dispositifs pédagogiques)

Medea Anselin - Metteuse en scène & assistanat (dramaturgie - développement du récit)

Emmanuel Nizou- Programmatrice & artiste (positionnement - procédés - sortilèges)

Hélène Fraigneux - Médiatrice culturelle (Mars - Mons)

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La dramaturgie, au sens de l’accompagnement sensible, intellectuel et esthétique d’un processus créatif, est une pratique encore souvent méconnue du grand public, mais de plus en plus courante et recherchée dans les scènes contemporaines francophones. Ce livre s’ancre dans ce lieu de création et de réflexion en arts de la scène qu’est La Bellone, pour donner la parole à des dramaturges qui y sont actif.ve.s. Ils et elles étudient les contours et les défis de leur travail, et proposent des manières singulières de penser la scène, le monde, l’institution et leur entrelacs.

Mylène Lauzon dirige La Bellone depuis 2015, et a fait de la dramaturgie un enjeu essentiel de son projet artistique ; Caroline Godart est membre du comité dramaturgique de La Bellone et codirectrice éditoriale d’Alternatives théâtrales. Ensemble, elles ont rassemblé ces textes, qui sont moins l’état des lieux d’un métier qu’une invitation à penser, agir et créer dramaturgiquement, c’est-à-dire en renonçant à la posture d’expertise et à la voix unique, pour lui préférer le mouvement, l’ouverture et la polyphonie.

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À l’occasion de la sortie de son livre, La conspiration des enfants, qui paraitra le 20 Octobre aux PUF dans la collection Perspectives critiques, Camille Louis, philosophe, activiste et dramaturge associée à La Bellone depuis 2016, invite certain.e.s de ses alliées d’écriture à converser autour de cet ouvrage écrit au croisement de la philosophie et de la dramaturgie, de l’enquête de terrain et de la fabulation. En plus de ses collaboratrices dramaturgiques de la Bellone (Mylène Lauzon et Emmanuelle Nizou), de son éditeur philosophe, juriste, et inventeur d’histoires, Laurent de Sutter, Camille Louis convie une écrivaine, compagne de tout son parcours: Marie Cosnay dont le dernier ouvrage, Des îles (Lesbos 2020 - Canaries 2021) tente, comme celui de Camille Louis mais dans un registre différent, de se tenir au plus près des histoires - invisibles, inaudibles, impossibles… - de ces vies que l’Histoire dominante et la politique excluante ne comptent pas et qu’il s’agit plus que jamais de pouvoir conter ou, peut-être d’abord, d’apprendre à écouter. Entre transmission, traduction, documentaire et fiction, ces différent.e.s praticien.ne.s des écritures alternatives s’interrogeront respectivement sur ce que peut l’écriture face à la condamnation violente à l’étouffement et la disparition.  

En collaboration avec Tulitu.

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Rencontre avec Françoise Vergès, militante féministe décoloniale et politologue, à l’occasion de la sortie de son dernier livre De la violence coloniale dans l’espace public publié chez Shed publishing, 

Ce guide décolonial nous emmène du côté de la Porte Dorée, à Paris, visiter un « triangle colonial » composé de trois monuments qui offrent un condensé de l'histoire coloniale, culturelle, économique, raciale et politique de la France.

L'ouvrage revient sur les débats et les luttes menées à travers le monde, à Paris, New-York ou Bruxelles, autour de statues, célébrant esclavagistes et colonialistes, « au pied desquelles le pouvoir dépose des gerbes de fleurs. » Françoise Vergès présentera le livre qui s’inspire des bases d’une pédagogie critique explorée par les universités de Décoloniser Les Arts (DLA). 

La rencontre sera animée par l’éditrice, Lydia Amarouche de Shed publishing, en partenariat avec la librairie Tulitu.

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Nourrir le commun aujourd'hui: rencontre autour du numéro 142 d'Alternatives théâtrales, Bruxelles, ce qui s'y trame

Avec Anna Rispoli, Sarah Vanhee, Emmanuelle Nizou et Jozef Wouters

Le 18 juin à 18h, Mylène Lauzon et Caroline Godart organiseront une table-ronde, "Nourrir le commun aujourd'hui", autour du numéro 142 d'Alternatives théâtrales, Bruxelles, ce qui s'y trame, avec Anna Rispoli, Sarah Vanhee, Emmanuelle Nizou et Jozef Wouters. Dans notre éditorial, nous parlions de la culture du commun à Bruxelles, de cette tendance dans notre secteur artistique à ne pas chercher coûte-que-coûte à se démarquer par l'innovation, pour plutôt se poser la question de ce que signifie le collectif et ou le fait de poser un geste artistique dans la cité. Pour beaucoup d'artistes bruxellois, la pandémie a intensifié cette dimension citoyenne : certain.e.s ont continué leurs créations mais en concevant leur pratique à l'intérieur d'un espace qui sert la collectivité, et d'autres ont temporairement mis leur pratique artistique en pause pour se mettre au service des autres, pas dans un esprit de sacrifice, mais de nécessité vitale pour elleux et pour la société. 

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Où est-ce que ça brûle ? Quels sont les liens entre les récents incendies en Australie et votre burn out ? Comment maîtriser le feu ? Que pouvons-nous mettre en place pour neutraliser, déjouer, désamorcer le burn-out ? Faut-il éteindre le feu du burn-out pour raviver la flamme intérieure ?

Présentation des intervenant·e·s : https://www.bellone.be/f/event.asp?event=6364

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Partir de la présentation des enjeux de cette démarche pour aller vers les formes et le travail si spécifique du corps et de l’écriture avec les témoignages audio d’Alexandre da Silva, Sonia Delbost, Marie Fonte, Marie-Lise Naud, Marie Papon, Jonathan Schatz et les prolongements dans leur propre évolution.

« Je souhaite partager l’expérience d’une transformation profonde et radicale qui m’a progressivement amenée à prendre conscience de savoirs propres à mon corps dansant et à sa potentialité de corps critique. Corps critique dont Laurence Louppe souligne l’action d’ouverture d’horizons inédits et de déplacements de nos habitudes : « C’est l’artiste qui se sert de son corps pour élaborer une pensée sur le monde. C’est la remise en cause à partir du mouvement de toute procédure.

C’est un corps qui met en échec les habituels schémas de représentation de soi. C’est un corps qui questionne les modes de production spectaculaire, à partir de l’expérience du corps lui-même. » 

Catherine Contour

Catherine Contour, artiste chorégraphe mais aussi pédagogue, basée en France près de Grenoble, explore depuis une quinzaine d’années les possibilités de l’outil hypnotique, qu’elle a amplifié de ses connaissances et expériences reliées à d’autres pratiques artistiques et énergétiques (qi gong et taï-chi-chuan). Tissant des liens subtils entre processus hypnotique et processus de création, elle propose des scénarios sensibles ouverts, des expériences artistiques basées sur l’exploration perceptive, le déploiement et la mise en mouvement des imaginaires et de leur immensité intime.

Ainsi invite-t-elle le·a danseur·euse et le·a spectateur·rice à devenir sujet d’une création en commun.

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Viandes artificielles

Au XIXe, l’organisation de la ville contemporaine se construit notamment en opposition avec la ruralité. Tous les animaux deviennent suspects : potentiellement pathogènes, dangereux, nocifs, à moins d’être domestiqués, entravés pour être désormais confinés à l’espace privé.

Jusque-là, les animaux destinés à la consommation, poules, moutons, vaches, chevaux, cohabitaient avec les humains dans les villes. Désormais, ils seront élevés ailleurs et abattus dans des lieux spécialisés, les abattoirs. Ces lieux seront déplacés chaque fois plus loin des centres villes jusqu’à devenir des usines de production isolées dans les campagnes et zoning industriels. Notre millénaire cherche aujourd’hui à commercialiser une viande produite en laboratoire, conditionnée par des imprimantes 3D (ce n’est pas une blague). La viande de synthèse n’est-elle pas l’aboutissement d’un processus de disparition qui a commencé par séparer citadin·e·s et animaux d’élevage puis a confiné et ensuite invisibilisé leur mort animale derrière les murs des abattoirs usine?

C’est cette histoire que nous raconte Cataline Sénéchal (animatrice-chercheuse Forum-Abattoir) depuis qui pourrait être lu comme contrexemple, l’abattoir d’Anderlecht, une anomalie dans le paysage, une exception urbaine puisqu’encore en activité au cœur de la ville.

L’émission sera enregistrée en public le 26 novembre 2019 à La Bellone à 18h00.

Les singes en Hiver Chedia, Vincent, Guillermo, Cabiria.

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Elle publie aux Éditions Amsterdam

« La révolution féministe » .

« Le féminisme est révolutionnaire ou il n’est pas : voilà la thèse soutenue par Aurore Koechlin, qui se propose d’abord de guider ses lectrices et lecteurs à travers l’histoire trop méconnue des différentes vagues féministes. Du MLF à l’intersectionnalité, de l’émergence d’un « féminisme d’État » au féminisme de la reproduction sociale, ce petit livre tire le bilan politique et intellectuel d’une quarantaine d’années de combats, repère leurs impasses, souligne leurs forces, pour contribuer aux luttes actuelles et à venir.»

Réservation à l’adresse courriel de TULITU : librairie@tulitu.eu

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Le CBAI, le Centre Librex, Culture & Démocratie et PointCulture vous invitent à réfléchir durant trois jours sur la question des camps et, à travers elle, de l’hospitalité en général. La programmation de ces trois jours inclut la projection d’un film documentaire, une soirée de tables rondes/conférence et une journée de mise en évidence d’associations de terrain, suivie d'un grand banquet.

· 18h | Table ronde 

Les formes de l’accueil

Avec Isabelle Coutant (sociologue, chargée de recherche CNRS), un·e représentant·e de la plateforme citoyenne de soutien aux réfugié·e·s – Bruxelles Refugees et Alessandro Mazzola (chercheur au CEDEM).

· 18h45 | Table ronde 

Regarder l’autre

Avec Aurore Vermylen (anthropologue, UCLouvain), Basel Adoum (universitaire CEDEM) et Hamedine Kane (artiste).

Modération des deux tables rondes : Martine Vandemeulebroucke (journaliste).

· 19h30 | Buffet

proposé par La Petite Maison asbl

· 20h30 | 

Privée, publique, cosmopolitique : trois leçons sur l'hospitalité

Conférence de Michel Agier, anthropologue, directeur de recherche à l'Institut de recherche pour le développement (IRD) et directeur d'études à l'EHESS.

Organisé par Culture et Démocratie, le CBAI, le Centre Librex et PointCulture en partenariat avec La Bellone et Tropismes.

Lieu : La Bellone | Maison du Spectacle, rue de Flandre 46, 1000 Bruxelles

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« Habiter le trouble », dit Donna Haraway, est une invitation à penser, à ouvrir de nouvelles possibilités de cohabitation et de continuation, dans des temps de bouleversements écologiques et de violences culturelles sans précédent. Accompagnés de deux entretiens

(« Le rire de Méduse » et « La tentation de l’innocence »), les essais ici réunis se présentent comme autant d’enquêtes avec et à partir de Haraway – dans les domaines de l’anthropologie, de la philosophie, des sciences sociales et de la création artistique. Se proposant d’habiter le trouble sur des terrains divers, ces textes portent, chacun à leur façon, le témoignage d’une rencontre située avec l’œuvre de Donna Haraway. Croisant les figures des cyborgs et des espèces compagnes, auxquelles s’ajoutent aujourd’hui les créatures du Chthulucène, ils proposent de reprendre et de prolonger quelques-uns des motifs majeurs de son

travail : le jeu de l’écriture et des tropes, la fabrication des temps et des histoires, l’importance de vivre en mortels, la puissance des politiques féministes.»

Textes réunis et présentés par Florence Caeymaex, Vinciane Despret et Julien Pieron.

Avec des contributions de Jessica Borotto, Jérémy Damian, Donna Haraway, Kim Hendrickx, Ariane d’Hoop, Amandine Guilbert & Rémi Eliçabe, Elsa Maury, Isabelle Stengers, Lucienne Strivay, Fabrizio Terranova, Benedikte Zitouni.

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Chloé Deligne est historienne et ses recherches l'ont amené à explorer l'histoire de l'eau à Bruxelles. Elle enseigne actuellement à l'ULB.

L’enregistrement aura lieu le mardi

1er octobre à La Bellone à 18h.

L’émission sera diffusée le jeudi 7 novembre à 19h sur les ondes de Radio Panik. A partir de cette date elle sera disponible en podcast sur le site de Radio Panik.

Réalisé par Les Singes : Chedia, Guillermo, Cabiria, Vincent et Wintz. Musicien : el maestro Mario Fonseca. Avec : Chloé Schuiten et Clément Thiry pour la chanson poétique.

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Loin des yeux loin du cœur ? Faudrait voir...

Depuis une quinzaine d'années les antennes relais ont rempli l'espace public d'ondes de plus en plus nombreuses et puissantes. 2G, 3G, 4G, bientôt ... 5G.

Lorsqu'une partie de la population a commencé à se plaindre d'être atteinte « d'électro-sensibilité », c'est-à-dire de souffrir de ces ondes, on leur a répondu, plus ou moins poliment, que c'était simplement dans leur tête, que ça ne pouvait pas exister dans le monde réel.

S'ils souffrent ce serait de leur imaginaire. Et dans la vision des experts légitimes, imaginaire n'est qu'un synonyme d'erreur. S'il y a problème c'est dans le rapport au monde des malades qu'il est situé...

Déterminer ce qui peut exister ou pas, décider ce qui fait partie du monde réel n'est pas une question anecdotique. Ni pour celles et ceux qui souffrent, ni pour tou·te·s les autres. L'effet de pouvoir est extrêmement violent : tout ce que peuvent dire les électro-sensibles est disqualifié. Aucun type de savoir produit à partir de leur vécu n'est valable en dehors du registre psy.

Comment cette limite, en apparence si nette, entre ce qui est réel et ce qui est imaginaire se construit-elle ? Surtout, quel type de savoir peut être produit en passant outre?

Nous reviendrons sur ces ondes en compagnie de Nicolas Prignot (ULB)et de Stephanie D'haenens (IEB).

Comme à notre habitude l'enregistrement se fera en public.

Il aura lieu le jeudi 12 septembre à La Bellone, on vous attend.

L’émission sera diffusée le jeudi 3 octobre à 19h sur les ondes de Radio Panik. A partir de cette date elle sera disponible en podcast sur le site de Radio Panik.

vous pouvez également écouter nos anciennes émissions.

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A contrepied des discours de haine, des actes de mépris ou d’exclusion, à côté de la violence, à côté du déni, chacun·e des membres du label entend faire émerger une autre voix, forte, assumée, déterminée :

Nous -théâtres, centres culturels, associations- ne serons pas les spectateur·rice·s passif·ve·s du déni de droits de celles et ceux qui ne s’insèrent pas dans les standards de la société individualiste, patriarcale, blanche et carriériste.

Nous -théâtres, centres culturels, associations- sommes déterminés à marcher côte à côte avec celles et ceux que la précarité étreint, que les frontières malmènent et que nos États dédaignent.

Pour le respect de leurs droits, le respect de nos droits.

Inscriptions: Ici

Oeil extérieur, critique et

bienveillant : Véronique Dockx, avocate au barreau de Bruxelles.

Jeudi 13 juin 2019, La Bellone

9h30 Accueil

10h00 Institutions culturelles, entre posture philanthropique, solidaire et militante.

Pourquoi on s’engage ?

Quand il s’agit de savoir si nous sommes pour la justice, la solidarité, la dignité ou le respect, le consensus est immédiat, en revanche, dès que nous tentons de traduire ces valeurs en objectifs communs, les voix divergent. Repartons de notre genèse. Début 2017, alors que des centaines de réfugié·e·s affluent au parc Maximilien, une dizaine d’opérateur·rice·s culturel·le·s initient des actions de solidarité, motivé·e·s par les urgences de cette crise.

Plus de deux ans après, statu quo. La situation a même empiré, les hébergeur·euse·s perdent espoir, les migrant·e·s sont à bout, de nerfs, de fatigue, de faim et pendant ce temps là, le nombre de personnes sans abri n’a cessé de grimper.

Quel sens donner à notre action humanitaire dans ce contexte ? Sommes-nous en train de contribuer, malgré nous, à la « gestion de la misère » ? Plutôt qu’à son

éradication ? Peut-on tirer parti de cette tension entre la nécessité d’agir et l’envie de s’attaquer aux racines du /des problèmes, et tâcher d’y trouver l’horizon de notre action sociale et politique de fond ?

Intervenante confirmée: Christine Mahy, secrétaire du Réseau Wallon de Lutte contre la Pauvreté.

13h00 

Lunch (sandwiches prévus)

14h30 

Quels moyens, quelles actions ?Comment on s’engage ?

Au sein du label les modalités d’engagement varient, certain·e·s hébergent, d’autres programment ou publient, beaucoup récoltent des fonds, mais comment collectivement donner priorité à nos valeurs au sein de nos structures ? Comment prendre le temps, se donner les moyens de notre engagement alors que presque partout les moyens manquent ? Et si les moyens manquent, peut-on envisager de détourner une partie des ressources de la culture pour la lutte contre les inégalités ? Doit-on privilégier l’action culturelle, le plaidoyer, l’éducation permanente, la désobéissance ? Tout cela à la fois ?

Forum ouvert.

17h30 

Drink

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Elle associe très intelligemment activisme politique, lutte anti-racisme, anti-sexiste, avec aussi une approche de classe. Elle est devenue une figure essentielle du débat public sur le sujet de la norme hétérosexuelle/masculine et blanche, sur les mouvements identitaires et aussi l'activisme sur les réseaux sociaux.

Deux livres seront présentés :

Le féminisme noir – Chroniques du Brésil réunit des articles où Djamila Ribeiro propose des discussions sur les origines du féminisme noir, le racisme et la mobilisation sur les réseaux sociaux, par exemple.

Elle évoque également des situations du quotidien – intolérance, mythe du métissage, place de la femme dans les médias, attaques envers des célébrités comme Serena Williams –pour aborder des concepts comme l’autonomisation des femmes et l’intersectionnalité. 

En plus de ces articles, le livre comporte également un court essai autobiographique où l’autrice, à travers son enfance, pose la question de la mise sous silence de la culture noire.

C'est un livre d'accès facile, accessible à tou·te·s les non-initié·e·s.

La place de la parole noire est un essai philosophique, qui questionne qui a droit à la parole dans une société où la masculinité, la blanchité et l’hétérosexualité sont la norme.

Le concept mis en avant par Djamila, « la place de la parole », déstabilise les normes en vigueur et souligne l’importance de rompre cette voix unique, dans l’objectif de favoriser une multiplicité de voix.

Cet essai affirme l’urgence de briser les silences institués en expliquant simplement ce concept, tout en vulgarisant la production intellectuelle d'autres femmes noires (elle évoque Judith Butler, Simone de Beauvoir, Gayatri Spivak, etc.).

Penser à d’autres « places de la parole » impose de penser à d’autres perspectives qui rompent avec l’histoire unique.

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Comment peut-on rendre les quartiers, les rues, les espaces communs, les logements plus accessibles aux

femmes ?

Tentatives de réponses lors du Brussels Talks #12 avec Salembier Chloé, anthropologue urbaine (chargée de cours à l'UCLouvain – Université catholique de Louvain).

L'entretien débutera à 18h30 ce mercredi 8 mai à La Bellone et sera animé par Nuno Pinto da Cruz et moi.

Vous venez lui poser vos questions ?

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Each artist is invited to share with the public a selection of five sound materials (rhythms, soundscapes, conversations, sounds or songs) that open up every a perspective on their artistic practices.

The specificity of these meetings is thus listening to the itineraries of the invited artists, to open the practice of movement through sound.

On April 3rd, 2019 at 6pm, ISAC and La Bellone will welcome the Hungarian choreographer Eszter Salamon at La Bellone.

Eszter Salamon is a choreographer and performer. Since 2001 she has been creating solos and group pieces. Her work is presented internationally and she is also frequently invited to work in museums. Eszter Salamon uses choreography as an extended practice, understood as a machine to maneuver between different media: video, sound, music, text, voice, movement and body actions.

In her early works, activation of the cognitive experience questions visual perception, sensation, and kinesthesia. Since 2005, her interest in documentary and female autobiography has resulted in a multiplicity of formats, such as a dance conference, a video-choreography or a monodrama. Her research on speculation and fiction led her to create Tales of the bodiless, a futuristic, uninterpreted opera that imagined possible ways of life after the disappearance of humans. Recently, Eszter Salamon began a series of plays exploring both the concept of monument and the practice of a rewriting of history.

Eszter Salamon lives in Berlin and Paris.

The conversation will be moderated by Daniel Blanga-Gubbay in English.

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Pendant une heure, prendre le temps de la rencontre avec un·e artiste des arts de la scène, explorer ce qui anime son espace de création ... dans l'intimité d'un salon bruxellois. 

La rencontre sera suivie d'un drink !

Formé à l'INSAS, Claude Schmitz s'est fait remarquer avec son premier spectacle Amerika. Entre références cinématographiques et inquiétante étrangeté, ce metteur en scène travaille la fiction et le plateau comme un artiste plasticien, traitant la 

« boîte » qu'est la scène, jouant avec le dispositif comme avec les névroses familiales et leurs ressorts, ou encore avec l'errance à moins que ce ne soit le voyage immobile.

Tout est fiction, tout est création. 

Qu'est ce que je peux faire ? J'sais pas quoi faire ? Résonne dans les mises en scènes théâtrales et cinématographiques de Claude Schmitz, toutes finement stylées. 

Infos pratiques :

attention petite jauge, merci de réserver par mail.

Salon Chez Jeannine

462, Av. Georges Henri

1200 Bruxelles.

Métro : Mérode & Georges Henri 

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En soirée : événement à destination du tout public. Il s’agit ici de proposer une visite guidée et interactive de notre exposition photo « La Pub selon les femmes ». Aboutissement d’un travail créateur de conscientisation et de réaction au sexisme inhérent à la publicité, cette exposition a été réalisée dans le cadre d’un atelier d’empowerment à la Maison des Femmes de Schaerbeek en collaboration avec la photographe féministe originaire du monde arabe Nora Noor (Prix international du portrait féminin Euromed). Un groupe de femmes, d’horizons très différents, s’est réuni pendant plusieurs mois afin d’une part, de déconstruire les publicités sexistes et de cerner leurs impacts sur notre vie quotidienne et d’autre part, de proposer une alternative féministe consistant à créer leurs propres publicités. Dès lors, nous souhaitons poursuivre cet élan d’empowerment en proposant aux participantes des ateliers « La Pub selon les femmes » de présenter elles-mêmes leur travail au public. L’avantage évident de cette visite guidée est de continuer à mettre en avant la parole de ces femmes, mais aussi de montrer que cette expérience de déconstruction et de création est à la portée de toutes. L’idée est également de créer un échange avec le public et de leur permettre de poser toutes leurs questions – quant à la réalisation des photos, au travail de déconstruction, au processus d’objectivation des corps des femmes, ou encore à la force de l’intelligence collective. Enfin, pour clôturer cette soirée, nous désirons mettre en avant la slameuse et militante algérienne, Toute fine, en l’invitant pour une représentation artistique (45min-1h). Il nous semble particulièrement pertinent de l’inviter car sa musique traite de sa propre expérience concernant la réappropriation de son corps de femme et de son combat féministe.

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En soirée : événement à destination du tout public. Il s’agit ici de proposer une visite guidée et interactive de notre exposition photo « La Pub selon les femmes ». Aboutissement d’un travail créateur de conscientisation et de réaction au sexisme inhérent à la publicité, cette exposition a été réalisée dans le cadre d’un atelier d’empowerment à la Maison des Femmes de Schaerbeek en collaboration avec la photographe féministe originaire du monde arabe Nora Noor (Prix international du portrait féminin Euromed). Un groupe de femmes, d’horizons très différents, s’est réuni pendant plusieurs mois afin d’une part, de déconstruire les publicités sexistes et de cerner leurs impacts sur notre vie quotidienne et d’autre part, de proposer une alternative féministe consistant à créer leurs propres publicités. Dès lors, nous souhaitons poursuivre cet élan d’empowerment en proposant aux participantes des ateliers « La Pub selon les femmes » de présenter elles-mêmes leur travail au public. L’avantage évident de cette visite guidée est de continuer à mettre en avant la parole de ces femmes, mais aussi de montrer que cette expérience de déconstruction et de création est à la portée de toutes. L’idée est également de créer un échange avec le public et de leur permettre de poser toutes leurs questions – quant à la réalisation des photos, au travail de déconstruction, au processus d’objectivation des corps des femmes, ou encore à la force de l’intelligence collective. Enfin, pour clôturer cette soirée, nous désirons mettre en avant la slameuse et militante algérienne, Toute fine, en l’invitant pour une représentation artistique (45min-1h). Il nous semble particulièrement pertinent de l’inviter car sa musique traite de sa propre expérience concernant la réappropriation de son corps de femme et de son combat féministe.

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En soirée : événement à destination du tout public. Il s’agit ici de proposer une visite guidée et interactive de notre exposition photo « La Pub selon les femmes ». Aboutissement d’un travail créateur de conscientisation et de réaction au sexisme inhérent à la publicité, cette exposition a été réalisée dans le cadre d’un atelier d’empowerment à la Maison des Femmes de Schaerbeek en collaboration avec la photographe féministe originaire du monde arabe Nora Noor (Prix international du portrait féminin Euromed). Un groupe de femmes, d’horizons très différents, s’est réuni pendant plusieurs mois afin d’une part, de déconstruire les publicités sexistes et de cerner leurs impacts sur notre vie quotidienne et d’autre part, de proposer une alternative féministe consistant à créer leurs propres publicités. Dès lors, nous souhaitons poursuivre cet élan d’empowerment en proposant aux participantes des ateliers « La Pub selon les femmes » de présenter elles-mêmes leur travail au public. L’avantage évident de cette visite guidée est de continuer à mettre en avant la parole de ces femmes, mais aussi de montrer que cette expérience de déconstruction et de création est à la portée de toutes. L’idée est également de créer un échange avec le public et de leur permettre de poser toutes leurs questions – quant à la réalisation des photos, au travail de déconstruction, au processus d’objectivation des corps des femmes, ou encore à la force de l’intelligence collective. Enfin, pour clôturer cette soirée, nous désirons mettre en avant la slameuse et militante algérienne, Toute fine, en l’invitant pour une représentation artistique (45min-1h). Il nous semble particulièrement pertinent de l’inviter car sa musique traite de sa propre expérience concernant la réappropriation de son corps de femme et de son combat féministe.

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En soirée : événement à destination du tout public. Il s’agit ici de proposer une visite guidée et interactive de notre exposition photo « La Pub selon les femmes ». Aboutissement d’un travail créateur de conscientisation et de réaction au sexisme inhérent à la publicité, cette exposition a été réalisée dans le cadre d’un atelier d’empowerment à la Maison des Femmes de Schaerbeek en collaboration avec la photographe féministe originaire du monde arabe Nora Noor (Prix international du portrait féminin Euromed). Un groupe de femmes, d’horizons très différents, s’est réuni pendant plusieurs mois afin d’une part, de déconstruire les publicités sexistes et de cerner leurs impacts sur notre vie quotidienne et d’autre part, de proposer une alternative féministe consistant à créer leurs propres publicités. Dès lors, nous souhaitons poursuivre cet élan d’empowerment en proposant aux participantes des ateliers « La Pub selon les femmes » de présenter elles-mêmes leur travail au public. L’avantage évident de cette visite guidée est de continuer à mettre en avant la parole de ces femmes, mais aussi de montrer que cette expérience de déconstruction et de création est à la portée de toutes. L’idée est également de créer un échange avec le public et de leur permettre de poser toutes leurs questions – quant à la réalisation des photos, au travail de déconstruction, au processus d’objectivation des corps des femmes, ou encore à la force de l’intelligence collective. Enfin, pour clôturer cette soirée, nous désirons mettre en avant la slameuse et militante algérienne, Toute fine, en l’invitant pour une représentation artistique (45min-1h). Il nous semble particulièrement pertinent de l’inviter car sa musique traite de sa propre expérience concernant la réappropriation de son corps de femme et de son combat féministe.

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During this talk, we'll talk more specifically about his most popular project that connects art and public space, in the city of brussels but also beyond : « Belgian solutions » (pictures, social media & printed books). After that, we'll also talk about two other projects : « What People Say » (installation at Beursschouwburg) and

« Commission Nieuwland » (long-term project in the Marolles).

David Helbich (1973, Berlin/Bremen) is an artist who has been living and working in Brussels since 2002. 

He studied composition in Amsterdam and Freiburg. 

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Cette activité fait partie de Brussels, dance!

Autour de Kontakthof de Pina Bausch. La danse comme lieu de rencontres à travers les âges de la vie. 

À l'occasion de la sortie du livre de Béatrice Wegnez, consacré à Kontakthof de Pina Bausch, Contredanse propose une rencontre en trois temps. La projection du documentaire Dancing Dreams consacré à la reprise de cette pièce phare par des adolescent·e·s ; une présentation des enjeux de l'œuvre par Béatrice Wegnez et un échange animé par Gilles Abel. Kontakthof est une pièce qui traverse le temps, une œuvre de transmission. Une « cour de contacts », toute de tendresse et de violence, nous confrontant à l'émergence de la séduction comme au vieillissement et à la mort.

Béatrice Wegnez est comédienne et dramaturge. Formée au Conservatoire royal de Bruxelles en art dramatique dans la classe de Pierre Laroche, elle alterne les pièces de répertoire et les créations contemporaines. Le mot est la matière première de son travail : les mots à lire, à jouer, à analyser.

Elle se partage entre son activité de comédienne et de dramaturge en Belgique et en France où elle accompagne des auteur·rice·s, des metteur·se·s en scène et les aide à traduire leurs univers artistiques en mots et sur le plateau.

Désireuse d’approfondir l’aspect théorique de la création, elle termine un Master en Arts du spectacle à l'Université Catholique de Louvain-la-Neuve en 2012. Son mémoire consacré à Kontakthof de Pina Bausch est primé par l'université et par la fondation Horlait-Dapsens.

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Fondé à Montréal en 2003 par

Éric de Larochellière, qui en est le directeur général et éditorial, Le Quartanier défend dès les premiers titres la singularité des écritures, la recherche formelle et l’exigence critique. Notre catalogue s’impose très tôt comme celui d’une maison où l’invention langagière va de pair avec une passion pour la fiction : il offre à lire la variété de ses manifestations contemporaines, roman, novella, nouvelles et œuvres génériquement hybrides ou expérimentales, par quoi s’éprouvent la teneur de la fiction elle-même, la langue, l’imaginaire, la pensée – et cette américanité du nord vécue en français, au confluent des littératures québécoise, française et américaine, qui font partie de l’ADN de la maison depuis ses débuts. Quinze ans plus tard, Le Quartanier occupe un rôle de premier plan dans l’édition et la littérature québécoises, cumulant succès critiques et de librairie, de même que prix et nominations. Si elle fait paraître chaque année de nouvelles voix, la maison est aussi un lieu où les auteur·rice·s approfondissent leur œuvre dans la durée. Nous sommes fidèles en cela à une tradition perpétuée par des maisons comme José Corti, Minuit, P.O.L, Bourgois ou Verdier, ou encore New Directions ou Les Herbes rouges.

Aujourd’hui, fort du soutien des lecteur·rice·s et des libraires au Québec, Le Quartanier a atteint la maturité financière nécessaire pour s’implanter en France, en Belgique et en Suisse, où la vitalité et la richesse de son catalogue restent à découvrir, et où pourra aussi avoir lieu la suite de son histoire, qui fera cohabiter auteur·rice·s québécois·e·s, belges, suisses et français·es, présent·e·s et à venir.

Né en 1970 à Montréal, Éric de Larochellière est éditeur. Il est titulaire d’une maîtrise en études littéraires. Il a enseigné pendant cinq ans la grammaire et la rédaction en français langue étrangère (FLE) au département de linguistique de l’Université du Québec à Montréal.

Il a fondé à Montréal en 2003 Le Quartanier Éditeur, dont il est aujourd’hui encore le directeur général et littéraire.

Alexie Morin est née en 1984 à Windsor, dans les Cantons-de-l’Est. Elle est l’autrice de Chien de fusil, de Royauté (2013) et d’Ouvrir son cœur (2018), tous parus au Quartanier.

Elle vit à Montréal et travaille comme éditrice pour Le Quartanier Éditeur.

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Pendant une heure, prendre le temps de la rencontre avec un·e artiste des arts de la scène, explorer ce qui anime son espace de création ... dans l'intimité d'un salon bruxellois. 

La rencontre sera suivie d'un drink !

Adeline Rosenstein a étudié la mise en scène à l'école Ernst Buch à Berlin. Elle pratique depuis le début des années 2000 un travail documentaire en collaboration avec des chercheur·se·s en sciences sociales. Ses spectacles ont pour thème des sujets variés comme la main d'oeuvre masculine d'Europe de l'est à Berlin, la question de la Palestine ... Elle anime des ateliers de créations radiophoniques avec des femmes en alphabétisation... Actuellement, elle travaille à partir de témoignages de résistants communistes de la seconde guerre mondiale et questionne la figure du héros.  

Infos pratiques :

attention petite jauge, merci de réserver par mail.

(objet : salon Adeline Rosenstein)

Salon Chez Jeannine

462, Av. Georges Henri

1200 Bruxelles

Métro : Mérode & Georges Henri 

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Pascal Smet est Ministre bruxellois de la Mobilité et des Travaux publics, Membre du Collège de la VGC pour la Culture, la Jeunesse, le Sport et la Politique urbaine, Membre de la GGC pour la Politique relative à l’assistance aux Personnes, la Politique familiale et le contrôle des films. Il est Conseiller communal à Bruxelles-Ville depuis 2006.

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Sous la direction de Saskia Brichart & Isabelle Urbain, Anne Thuot & Virginie Thirion, Miriam Youssef, Frederic Lepers & Stephanie Van Vye et Laura Zanatta, des élèves des écoles nationales supérieures d’art dramatique (IAD, Insaas, Convervatoire de Bxl, Esact, Arts2) se sont plongés dans le matrimoine de l’Ancien Régime.

L’objectif : faire découvrir des femmes dramaturges du XVI, XVII, et XVIII siècles à travers des lectures et partager avec le public leur sélection inédite de scènes coup de coeur/coup de point. 2019

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« migrant·e·s », il se présente comme un recueil de langues distinctes, étrangères les unes aux autres et porteuses de divers mouvements. Philosophes, anthropologues, poètes, sociologues, politistes et théoricien·ne·s de la littérature nous font passer, dans leurs écrits, de l'étude de phénomènes locaux (espace frontière en Grèce, deux communes françaises hospitalières, initiatives de solidarité à Bruxelles...) à une réflexion à l'échelle du monde, à la fois dans ce qui en constitue la crise et ce qui peut poser les bases de sa réinvention ; ils nous font passer de l'examen de possibles xenopolis (les villes de et pour l'étranger) à l'imagination d'un monde pluriel qui se compose à partir des actes d'hospitalités et de la reconnaissance des exilé·e·s comme acteur·rice·s d'un commun nouveau. Ces acteur·rice·s, plus que porteur·euse·s d'une crise qui accable nos Etats-Nations, sont surtout perçus ici comme vecteurs positifs d'une critique nécessaire à porter à l'incapacité de l'échelle statonationale non pour « gérer la crise migratoire» mais pour composer, avec ces sujets en mouvement, une politique véritablement adaptée aux enjeux et données nouvelles de notre temps. Hospitalité et xénopolitique sont les concepts clés qui permettent d’apprécier l’immense créativité politique alternative qui se fait jour ici et qui se mettra en discussion, le 13 décembre, dans un lieu qui ne cesse d’interroger, repenser et accompagner les créativités (artistiques, politiques, sociales…) : La Bellone.

Cet échange réunira certain·e·s des auteur.rice.s de l’ouvrage, des lecteurs et lectrices singulier·e·s (pouvant venir du champ du droit comme de celui de l’art ou de l’associatif) et un public varié venu d’ici et de « la-bas » sans distinction.

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Kristiaan Borret est bouwmeester maître architecte de la Région Bruxelles-Capitale depuis 2015. Ingénieur civil-architecte de formation (KU Leuven), il est également détenteur d’un baccalauréat en philosophie obtenu dans la même université et en science politique et affaires publiques (UCL) ainsi que d’un Master en urbanisme décroché à Barcelone. De 2006 à 2014, il a occupé la fonction de stadsbouwmeester de la Ville d’Anvers. Il est également professeur invité en projet urbain à l’Université de Gand depuis 2005.

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Pendant une heure, prendre le temps de la rencontre avec un·e artiste des arts de la scène, explorer ce qui anime son espace de création ... dans l'intimité d'un salon bruxellois. 

La rencontre sera suivie d'un drink !

Tristero est un collectif néerlandophone établi à Bruxelles. L'humour, la recherche de textes singuliers, l'élaboration de partitions scéniques originales sont les principales caractéristiques de cette compagnie. Si, à Bruxelles,Tristero présente ses créations au Kaaitheater ou KVS, la compagnie a collaboré avec des artistes francophones comme Transquinquennal (Coalition, La Estupidez ...) et à présent le collectif Enervé (Hervé Piron et Eno Krojanker) pour Desesperado créé au Théâtre Varia en novembre 2018.

Youri Dirkx et Peter Vandenbempt composent le noyau de Tristero. Kristien De Proost, membre jusqu'en 2017, se consacre à présent à sa propre écriture. 

Infos pratiques :

attention petite jauge , merci de réserver par mail : iomchichi@gmail.com

(objet : salon Tristero)

Salon Chez Jeannine

462, Av. Georges Henri

1200 Bruxelles.

Métro : Mérode & Georges Henri 

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À l’occasion du Brussels Talks #07, nous aurons le plaisir de nous entretenir avec Florine Cuignet du GRACQ pour comprendre où nous en sommes aujourd'hui en termes de politique cyclable. On sait qu’il y a de plus en plus de cyclistes à Bruxelles... Mais combien sont-ils/elles ? Sont-ils/elles le signe d’un vrai changement ou est-ce que l’usage du vélo reste encore anecdotique ? Est-ce utopique ou réaliste de vouloir suivre l’exemple de villes comme Amsterdam ou Copenhague ? Quels sont les priorités en termes d’investissement public et les freins au changement ?

Florine Cuignet est chargée de politique bruxelloise au Gracq.

Le GRACQ – Groupe de Recherche et d’Action des Cyclistes Quotidiens – représente les usager·e·s cyclistes en Belgique francophone et défend leurs intérêts. Depuis 1975, le GRACQ a permis d’obtenir de nombreuses avancées pour les cyclistes, comme par exemple les contresens cyclables (SUL), l’exonération fiscale de l’indemnité vélo, les points vélo dans les gares, le développement du RAVeL, le transport gratuit des vélos dans les trams et métros bruxellois ou encore le cédez-le-passage cycliste au feu rouge. 

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L'Arche est une maison d'édition française de textes de théâtre créée en 1949 par Robert Voisin.

L'Arche dispose aujourd'hui d'un large catalogue (plus de 700 pièces publiées) d'auteur·rice·s dramatiques. Parmi eux/elles, quelques-un·e·s des plus célèbres des XIXe et XXe siècles (Thomas Bernhard, Federico García Lorca, Sean O'Casey, Eugene O'Neill, Bernard Shaw, August Strindberg, Anton Tchekhov et bien d'autres).

Le 21 avril 2017, Claire Stavaux reprend la direction de la maison.

Kate Tempest est une poétesse, dramaturge et rappeuse anglaise.

En 2013, elle gagne le Ted Hughes Award pour son recueil de poésie Brand New Ancients. 

L'Arche vient de publier Fracassés, son deuxième livre, en français.  

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Communication : « pour l’égal accès des hommes et des femmes aux postes de responsabilités, aux lieux de décision, à la maîtrise de la représentation dans le secteur du spectacle vivant ».

En mettant au jour des discriminations dont on ne soupçonnait pas l’ampleur dans le spectacle vivant, ce rapport fait l’effet d’une bombe. 

Suite à cette première prise de conscience, des acteurs et actrices de la société civile s’emparent des chiffres et décident d’agir.

C’est la naissance du Mouvement HF, qualifié « d’évènement » par la philosophe Geneviève Fraisse, au regard de son caractère spontané et inattendu.

Une première association se crée en Rhône-Alpes en 2008. Des collectifs et associations HF se forment par la suite dans d’autres régions pour se constituer, à l’occasion du Festival d’Avignon 2011, en une Fédération interrégionale du Mouvement HF qui compte aujourd’hui 14 collectifs régionaux, regroupant 1 000 adhérent·e·s. 

Le Mouvement HF réclame l’égalité réelle entre femmes et hommes aux postes de responsabilité, dans l’attribution des subventions, dans les programmations, dans les instances de décisions et de nominations.

Pour atteindre cet objectif, il se fixe trois missions :

-Le repérage des inégalités de droits et de pratiques entre les hommes et les femmes dans les milieux de l’art et de la culture, toutes fonctions confondues (artistiques, administratives et techniques). 

-L’éveil des consciences par la sensibilisation des professionnel·le·s, des responsables institutionnel·le·s, des élu·e·s et de l’opinion publique. 

-L’orientation des politiques vers des mesures concrètes.

Dans une perspective de mise en partage des savoirs faire, La Bellone propose un moment d’échange avec Blandine Pélissier, co-fondatrice du Mouvement HF, Stephan Frimat, Co-fondateur du collectif HF_Nords-Pas-de-Calais et membre du Haut Conseil à l’Egalité entre les femmes et les hommes depuis 2016, où en binôme avec Anne Grumet il représente le mouvement HF, et Chloé Bégou présidente de l'association HF Auvergne-Rhone-Alpes. 

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Véronique Lamquin est rédactrice en chef adjointe au quotidien Le Soir.

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Qu’est-ce que Bruxelles aujourd’hui et, surtout, qu’est-ce que sera Bruxelles demain ?

Brussels Talks est un cycle d'entretiens à La Bellone sur les grands thèmes de la question bruxelloise avec des penseur·euse·s, urbanistes, sociologues, historien·ne·s, philosophes, économistes, artistes…, lesquels nous aideront à poser les bonnes questions et imaginer des solutions, dans une perspective d'avenir, plutôt que de poser le constat de problèmes que les gens connaissent déjà souvent très bien.

Ces entretiens de 60 minutes seront ouverts à tou·te·s. Les citoyen·ne·s pourront assister et surtout réagir, poser des questions et donner une direction imprévisible et spontanée.

Ces entretiens seront ensuite retranscrits et traduits en FR, NL et EN sur talks.brussels, où le débat pourra se poursuivre.

L'art : un lien entre les bruxellois et leur ville ?

À l’occasion du Brussels Talks #4, nous aurons l’occasion d’interroger Anna Rispoli à propos de son travail artistique, qui fait des citoyen·ne·s bruxellois·ses et des espaces publics de la ville des acteur·rice·s à part entière de son œuvre.

Les expériences artistiques d'Anna Rispoli aident les habitant·e·s à se rencontrer et à s'approprier leur ville.

Anna Rispoli est une artiste italienne qui vit et travaille à Bruxelles.

Dans son oeuvre, Anna Rispoli utilise les espaces communs de manière inattendue, via des pratiques participatives. Elle invite à investir l’espace public et à questionner son potentiel inventif. 

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A travers des témoignages d’artistes et de chercheur.euse.s, la soirée s’articulera en deux temps : un volet historique et un volet contemporain sur le phénomène de la contestation en danse à Bruxelles.

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En collaboration avec la RainbowHouse dans le cadre du PrideFestival.

Modération : Caroline Godart.

Le travestissement a traversé les âges, les styles et les genres.

Qu'il ait été décrit comme un art ou décrié comme une perversion, il vit et s'épanouit à la vie comme à la scène depuis des siècles. On en parle en termes de transgression, de non-conformiste. Le jeu sur les codes de genres a pourtant développé certaines règles, des conventions, des codes. Les artistes invité·e·s à La Bellone viennent raconter comment elles et ils et iels veulent suivre, s'approprier ou détourner ces lignes directrices. Faut-il être issu·e ou non des communautés queer ? Faut-il performer pour un public averti ou novice ? Faut-il parler de personnage ou de visages mis à nu ?

Elevée par une célèbre grosse dame bruxelloise depuis 12 ans, Mademoiselle Boop (aka Renaud Delauvaux) a grandi dans un des plus petits cabarets de la capital : CHEZ MAMAN. Loin de Dalida et Madonna, elle s'y est implantée avec son univers décalé en y interprétant du Björk, de nombreuses reprises improbables telles que Nirvana et les Red Hot Chili Peppers.

Animée par l’envie d’avoir son propre établissement et surtout d’y mêler différents univers, elle se lance dans l'aventure en ouvrant le Cabaret Mademoiselle en octobre 2017 et s’entoure d’artistes indépendant·e·s (performeur·euse·s belges et internationaux·ales) qui performent de manière occasionnelle ou régulière et présentent des numéros de cirques, de danse burlesque, de chant, … 

Gurshad Shaheman est artiste associé au CDN de Normandie-Rouen depuis septembre 2017 pour 3 ans. En tant qu’acteur, assistant à la mise en scène ou encore traducteur du persan, il a collaboré entre autres avec Thierry Bédard, Reza Baraheni, Thomas Gonzalez ou Gilberte Tsaï... Depuis 2012, soutenu par Julie Kretzschmar et le festival des Rencontres à l’échelle à Marseille, il écrit et interprète ses propres textes, dont les trois premiers, regroupés sous le titre de Pourama Pourama - cités dans les Inrock’s parmi les 5 meilleurs spectacles de 2015 - vont paraitre aux éditions des Solitaires Intempestifs en mars 2018. Il est également un membre actif des cabarets Bas Nylons dirigé par Jean Biche à Bruxelles et organise par ailleurs ses propres soirées sous le label Cabaret Dégenré. Lauréat 2017 de la Villa Médicis Hors les Murs de l’institut Français, il est aussi artiste accompagné par le Phénix, scène national Valenciennes dans le cadre du Campus Pôle Européen de la création. Il travaille actuellement à l’écriture de son prochain spectacle, 1001, installation/performance élaborée à partir de récits d’exilé·e·s. Par ailleurs, en 2018, il jouera dans AK47, adaptation d’un roman d’Oliver Rohe, dirigé par Perrine Maurin avec qui il collabore régulièrement en tant qu’acteur et dramaturge. Vous pourrez également le découvrir interprétant le rôle d’Hermione dans Andromaque de Racine, mis en scène par Damien Chardonnet-Darmaillacq.

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Qu’est-ce que Bruxelles aujourd’hui et, surtout, qu’est-ce que sera Bruxelles demain ?

Brussels Talks est un cycle d'entretiens à La Bellone sur les grands thèmes de la question bruxelloise avec des penseur·euse·s, urbanistes, sociologues, historien·ne·s, philosophes, économistes, artistes…, lesquels nous aideront à poser les bonnes questions et imaginer des solutions, dans une perspective d'avenir, plutôt que de poser le constat de problèmes que les gens connaissent déjà souvent très bien.

Ces entretiens de 60 minutes seront ouverts à tou·te·s les citoyen·ne·s qui pourront assister et surtout réagir, poser des questions et donner une direction imprévisible et spontanée.

Ces entretiens seront ensuite retranscrits et traduits en FR, NL et EN sur talks.brussels, où le débat pourra se poursuivre.

Vers un nouveau modèle pour Bruxelles.

À l’occasion du Brussels Talks #3, nous aurons l’occasion d’interroger Zakia Katthabi (co-Présidente du parti francophone Ecolo) suite à sa récente sortie dans les médias à propos d'une réforme ambitieuse de la gouvernance de la Région Bruxelles-Capitale.

Différentes pistes seront explorées : autonomie élargies, suppression des communautés linguistiques, nouveaux pouvoirs, fusion des communes, communauté urbaine...

Zakia Khattabi, née le 15 janvier 1976 à Saint-Josse-ten-Noode, est une femme politique belge bruxelloise francophone, membre du parti Ecolo. Elle est co-présidente du parti avec Patrick Dupriez depuis le 22 mars 2015.

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Questions de chorégraphe.

Table ronde en présence de Jonathan Burrows (FR/EN).

À l'occasion de la sortie du livre

Un manuel de chorégraphe de Jonathan Burrows, traduit par Denise Luccioni, les Éditons Contredanse organisent une rencontre autour des questions qui accompagnent la pratique de chorégraphe.

Par où commencer ? Comment choisir les matériaux et les agencer ? Suivre ses habitudes, respecter les règles ou pas ? Comment subvenir à ses besoins, gérer les collaborations, les contraintes du marché ?

La table ronde s'inscrit dans la continuité de l'ouvrage, dans lequel Jonathan Burrows propose une série de questionnements et d'observations à méditer et à mettre en pratique. De la création à la production d'un spectacle de danse, la discussion est ouverte et invite les participant·e·s à partager leur réflexion.

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Debate.

How art can be a tool for reclaiming economy ?

Open for everyone to join, we invite all people with a curiosity in exploring this question. Artists, scholars, philosophers, activists, hackers and other curiously minded are welcome to collectively reflect on ideas of methods to reclaim and reshap our economy.

Speakers : Paolo Cirio, Luce Goutelle, Brett Scott and the participants of the workshop « the art of financial hacking ».

Moderator : Aline Fares

Book launch.

Methods of Reclaiming Economy

Economia is an exercise in stretching our thoughts about economy and society. The publication Methods for Reclaiming Economy focuses on a selection of ideas explored during Economia festival organised by Baltan Laboratories, containing contributions by international theorists, artists, biologists and hackers. With an open-ended and kaleidoscopic approach, the pulication features contributions by Josef Bares, Daniel de Bruin, Dan E. Burr, Paolo Cirio, Meredith Degyansky, Michael Goodwin, Monique Grimord, Ilan Katin, Thomas Kern, Nicholas McGuigan, Jennifer Lyn Morone, Mark van der Net, Brett Scott, Timothy Smith, Ubermorgen, Pablo Velasco, Lenara Verle and Geerat Vermeij that show how we can shape new economic realities. The book consists of three different chapters, each with a distinctive focus from the artistic; the social and the biological domain to approach our economy.

More info here.

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Cette activité est organisée en collaboration avec Alternatives théâtrales & Le 140.

Habitué des scénographies inédites, le chorégraphe suisse Philippe Saire sonde le potentiel du double dans CUT. Un plateau divisé pour une expérience multiple du public. Que se passe-t-il dans la sphère qui nous est encore invisible ? Que gagne-t-on à voir un spectacle en alternance ?

Philippe Saire, la performeuse Anne Thuot et le cinéaste Jaco Van Dormael (sous réserve) ont tous joué avec des scénographies dédoublées sur scène ou à l’écran. Que procurent-elles aux spectateur·rice·s ? Un don de double-vue ou un sentiment de frustration. Que cherchent ces créateurs de l’envers et de l’endroit ? Un croisement des points de vue ou une manipulation ludique des spectateur·rice·s. Cette rencontre, à La Bellone, sera menée par Benoît Hennaut, membre du comité de rédaction d'Alternatives théâtrales.

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Cette activité est organisé en collaboration avec Alternatives théâtrales & Le 140.

Des expériences scéniques pluridimensionnelles se multiplient ces dernières années. Monumentales ou minuscules, mais toujours atypiques… Dans une publication de 2013, Alternatives théâtrales explorait les enjeux du Grand Format. Ce sont les miniatures qui nous intéressent cette fois : petites formes de courte durée, pièces légères adaptées à des espaces réduits. À l’occasion de cette rencontre, nous interrogerons le sens et les enjeux du « micro-théâtre ». Est-il l’équivalent scénique de la nouvelle en littérature, du court-métrage en cinéma, ou répond-il plus prosaïquement à un souci d’économie ?

Yannic Mancel mènera la discussion avec Alexandre Caputo, Lorenzo De Angelis et Nicole Mossoux.

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En collaboration avec Brussels Talks.

Bruxelles n'est pas toujours bien comprise, pas toujours bien gérée, pas suffisamment financée et pas toujours reconnue en tant que région à part entière, souvent victime de la question communautaire belge. Pourtant, cette ville-monde au cœur de l'Europe, ni wallonne, ni flamande et finalement même plus si belge et dont l’identité reste difficile à appréhender, offre à ses habitant·e·s une qualité de vie et des potentiels souvent insoupçonnés.

Qu’est-ce que Bruxelles aujourd’hui et, surtout, qu’est-ce que sera Bruxelles demain ?

Brussels Talks est un cycle d'entretiens à La Bellone sur les grands thèmes de la question bruxelloise avec des penseur·e·s, urbanistes, sociologues, historien·ne·s, philosophes, économistes, artistes…, lesquels nous aideront à poser les bonnes questions et imaginer des solutions, dans une perspective d'avenir, plutôt que de poser le constat de problèmes que les gens connaissent déjà souvent très bien.

Ces entretiens de 60 minutes seront ouverts à tou·te·s les citoyen·ne·s qui pourront y assister et surtout réagir, poser des questions et donner une direction imprévisible et spontanée.

Ces entretiens seront ensuite retranscrits et traduits en FR, NL et EN sur talks.brussels, où le débat pourra se poursuivre.

Tous bobos ? 

Le terme de « bobo » est aujourd’hui si utilisé qu’on ne sait même plus très bien ce qu’il signifie. Le sociologue urbain Mathieu Berger démythifie le concept, en évitant les étiquettes trop réductrices d’une réalité plus complexe. Est-ce que Bruxelles connait un processus de gentrification excessive ou est-ce un phénomène social inévitable que l’on retrouve dans toutes les grandes villes ?

Mathieu Berger est professeur de sociologie urbaine à l’UCL et chercheur à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales à Paris. Depuis 2015, il coordonne le Metrolab Brussels, un laboratoire interdisciplinaire de recherche urbaine appliquée financé par FEDER-Bruxelles (www.metrolab.brussels). 

Pour plus d'info > event FB

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Cette activité est une collaboration entre l'ISAC (ArBa-EsA) & La Bellone.

Nous proposons trois rendez-vous publics avec des artistes internationaux invités dans le cadre de la formation : Faustin Linyekula, Mithkal Alzghair et Arkadi Zaides. Ces rencontres sont modérées par Daniel Blanca-Gubbay.

Chaque artiste est invité à partager avec le public une sélection de cinq matériels sonores (rythmes, paysages sonores, captations de conversations, bruits ou chansons) qui ouvrent chaque fois une perspective sur leurs pratiques artistiques.

La spécificité de ces rencontres est ainsi une mise en écoute des parcours des artistes invités, pour ouvrir la pratique du mouvement à travers le prisme du sonore.

Le 01 fevrier à 17h La Bellone accueille Mithkal Alzghair, chorégraphe et danseur. Après des études à l’Institut supérieur d’art dramatique de Damas, il suit le master d’études chorégraphiques

« ex.er.ce » au Centre Chorégraphique National de Montpellier de 2011 à 2013. Il crée Déplacement en mars 2016 récompensé par le 1er prix dans le cadre du concours Danse élargie 2016 organisé par le Théâtre de la Ville à Paris et le Musée de la danse / CCN de Rennes et de Bretagne.

Il crée la compagnie HEK-MA et présente Transaction, une performance – installation au Centre National de la danse à Pantin. 

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In collaboration with Arts and Theatre Institue, CiAsp (ULB), Czech Centre Brussels, BOZAR, Polish Institute of Brussels, Lithuanian Culture Institute, Romanian Culture Institute, Zbigniew Raszewski Theatre Institue Warsaw & Festival Temps d'Images Rumania (& Loft Theatre Germany).

The year 1918 marks not only the birth of new nation states but it stands as a powerful symbol of the desire of so many people in Europe to construct a better future and embrace modernity. The upcoming anniversary of the crucial years 1918, 1948 and 1968 is a pretext for the symposium Remembering 1918: East and Central European Modernity Rebuilding in Performing Arts. The international symposium opens the issue of the influence of modernity past and present on theatre and dance in Central and Eastern Europe from a comparative point of view, offering dialogues between scholars and artists, between theatrical studies and testimony. The outcomes and inspirations from the symposium will be the source of artistic (dance and theatre) creations which will be presented under the title Remembering 1918 / European Dreams of Becoming Modern on May 24 to 26, 2018 at BOZAR/Brussels.

PROGRAM - 23.11

9:30 – 10:00

Arrival of guests, morning coffee

10:00 – 10:30

Welcome speeches and Introduction to the Symposium and the

« Remembering 1918 » project.

Sarah Flock, Université Libre de Bruxelles,

Martina Peckova Cerna, Arts and Theatre Institute Prague,

Jitka Panek Jurkova, Czech Centre Brussels,

Anna Vondracek, BOZAR, Brussels.

10:45 – 12:45

BLOCK I – First and Second Avant-Garde : Ruptures or Inspiration for todays theatre ? (Focus Interwar Period) (chaired by Sarah Flock, ULB)

Speakers :

Dorota Walczak (ULB, Belgium) : Dance Me to the End of My Poem : A Short Story of Synergy between Poets, Dancers and Painters in the Polish Interwar Period Dagmar Krocanova (Comenius University Bratislava, Slovakia) : Between Appeal and Refusal : Notes on Slovak Literary and Theatre Avant-Garde in the Interwar Period

Martina Musilova (Masaryk University of Brno, Czech Republic) : As you make your bed so you must lie on it (Czech avant-garde in the period 1920s - 1950s) Darius Kosinski (ZRTI, Poland) : Reclaimed Avant-garde.

13:00 – 14:00 lunch

14:15 – 17:30

BLOCK II – Artists Face the Avant-Garde (Presentations and personal statements of artists involved in the artistic creation for 2018) (chaired by Iulia, Edyta, Martina)

Speakers:

Mirenka Cechova (dancer and director, Czech Republic), Stanislav Dobak (dancer, Slovakia) (chaired by Martina Peckova Cerna),

Katarzyna Chmielewska-Jankowska, Monika Drozynska (Poland) (chaired by Edyta Zielnik/Anna Galas Kosil),

Farid Fairuz (Romania), Agnija Seijko (Lithuania), Boglarka Borcsok (Hungary) (chaired by Iulia Popovici),

Johanne Saunier (Belgium), Ine Claes (Belgium) (video presentation).

PROGRAM - 24.11

10:00 – 12:30

BLOCK II – First and Second Avant-garde : Ruptures or Inspiration for todays’ theatre ? (Focus Afterwar Period) (chaired by Karel Vanhaesenbrouck)

Speakers :

Iulia Popovici (Arts University Tirgu Mures/Marosvasarhely, Romania) : Legacy of Romanian Avant-Garde.

Judit Galacz (ELTE University) : The Hungarian Theatre Avant-Garde and the Green Donkey Theatre

Jitka Pavlisova (Czech Republic) : Czech Dance Avant-Garde in the Context of Modern/Expressive Dance (R)evolution in Central Europe.

Justyna Michalik (Institute of Art of the Polish Academy of Sciences): Theater in un-obvious spaces – Cricot and Cricot 2

12:45 – 14:15 lunch

14:30 – 17:00 (closed session)

Discussion among artists and scholars, preparation of the 2018 project.

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In collaboration with Arts and Theatre Institue, CiAsp (ULB), Czech Centre Brussels, BOZAR, Polish Institute of Brussels, Lithuanian Culture Institute, Romanian Culture Institute, Zbigniew Raszewski Theatre Institue Warsaw & Festival Temps d'Images Rumania (& Loft Theatre Germany).

The year 1918 marks not only the birth of new nation states but it stands as a powerful symbol of the desire of so many people in Europe to construct a better future and embrace modernity. The upcoming anniversary of the crucial years 1918, 1948 and 1968 is a pretext for the symposium Remembering 1918: East and Central European Modernity Rebuilding in Performing Arts. The international symposium opens the issue of the influence of modernity past and present on theatre and dance in Central and Eastern Europe from a comparative point of view, offering dialogues between scholars and artists, between theatrical studies and testimony. The outcomes and inspirations from the symposium will be the source of artistic (dance and theatre) creations which will be presented under the title Remembering 1918 / European Dreams of Becoming Modern on May 24 to 26, 2018 at BOZAR/Brussels.

PROGRAM - 23.11

9:30 – 10:00

Arrival of guests, morning coffee

10:00 – 10:30

Welcome speeches and Introduction to the Symposium and the

« Remembering 1918 » project.

Sarah Flock, Université Libre de Bruxelles,

Martina Peckova Cerna, Arts and Theatre Institute Prague,

Jitka Panek Jurkova, Czech Centre Brussels,

Anna Vondracek, BOZAR, Brussels.

10:45 – 12:45

BLOCK I – First and Second Avant-Garde : Ruptures or Inspiration for todays theatre ? (Focus Interwar Period) (chaired by Sarah Flock, ULB)

Speakers :

Dorota Walczak (ULB, Belgium) : Dance Me to the End of My Poem : A Short Story of Synergy between Poets, Dancers and Painters in the Polish Interwar Period Dagmar Krocanova (Comenius University Bratislava, Slovakia) : Between Appeal and Refusal : Notes on Slovak Literary and Theatre Avant-Garde in the Interwar Period

Martina Musilova (Masaryk University of Brno, Czech Republic) : As you make your bed so you must lie on it (Czech avant-garde in the period 1920s - 1950s) Darius Kosinski (ZRTI, Poland) : Reclaimed Avant-garde.

13:00 – 14:00 lunch

14:15 – 17:30

BLOCK II – Artists Face the Avant-Garde (Presentations and personal statements of artists involved in the artistic creation for 2018) (chaired by Iulia, Edyta, Martina)

Speakers:

Mirenka Cechova (dancer and director, Czech Republic), Stanislav Dobak (dancer, Slovakia) (chaired by Martina Peckova Cerna),

Katarzyna Chmielewska-Jankowska, Monika Drozynska (Poland) (chaired by Edyta Zielnik/Anna Galas Kosil),

Farid Fairuz (Romania), Agnija Seijko (Lithuania), Boglarka Borcsok (Hungary) (chaired by Iulia Popovici),

Johanne Saunier (Belgium), Ine Claes (Belgium) (video presentation).

PROGRAM - 24.11

10:00 – 12:30

BLOCK II – First and Second Avant-garde : Ruptures or Inspiration for todays’ theatre ? (Focus Afterwar Period) (chaired by Karel Vanhaesenbrouck)

Speakers :

Iulia Popovici (Arts University Tirgu Mures/Marosvasarhely, Romania) : Legacy of Romanian Avant-Garde.

Judit Galacz (ELTE University) : The Hungarian Theatre Avant-Garde and the Green Donkey Theatre

Jitka Pavlisova (Czech Republic) : Czech Dance Avant-Garde in the Context of Modern/Expressive Dance (R)evolution in Central Europe.

Justyna Michalik (Institute of Art of the Polish Academy of Sciences): Theater in un-obvious spaces – Cricot and Cricot 2

12:45 – 14:15 lunch

14:30 – 17:00 (closed session)

Discussion among artists and scholars, preparation of the 2018 project.

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In collaboration with Arts and Theatre Institue, CiAsp (ULB), Czech Centre Brussels, BOZAR, Polish Institute of Brussels, Lithuanian Culture Institute, Romanian Culture Institute, Zbigniew Raszewski Theatre Institue Warsaw & Festival Temps d'Images Rumania (& Loft Theatre Germany).

The year 1918 marks not only the birth of new nation states but it stands as a powerful symbol of the desire of so many people in Europe to construct a better future and embrace modernity. The upcoming anniversary of the crucial years 1918, 1948 and 1968 is a pretext for the symposium Remembering 1918: East and Central European Modernity Rebuilding in Performing Arts. The international symposium opens the issue of the influence of modernity past and present on theatre and dance in Central and Eastern Europe from a comparative point of view, offering dialogues between scholars and artists, between theatrical studies and testimony. The outcomes and inspirations from the symposium will be the source of artistic (dance and theatre) creations which will be presented under the title Remembering 1918 / European Dreams of Becoming Modern on May 24 to 26, 2018 at BOZAR/Brussels.

PROGRAM - 23.11

9:30 – 10:00

Arrival of guests, morning coffee

10:00 – 10:30

Welcome speeches and Introduction to the Symposium and the

« Remembering 1918 » project.

Sarah Flock, Université Libre de Bruxelles,

Martina Peckova Cerna, Arts and Theatre Institute Prague,

Jitka Panek Jurkova, Czech Centre Brussels,

Anna Vondracek, BOZAR, Brussels.

10:45 – 12:45

BLOCK I – First and Second Avant-Garde : Ruptures or Inspiration for todays theatre ? (Focus Interwar Period) (chaired by Sarah Flock, ULB)

Speakers :

Dorota Walczak (ULB, Belgium) : Dance Me to the End of My Poem : A Short Story of Synergy between Poets, Dancers and Painters in the Polish Interwar Period Dagmar Krocanova (Comenius University Bratislava, Slovakia) : Between Appeal and Refusal : Notes on Slovak Literary and Theatre Avant-Garde in the Interwar Period

Martina Musilova (Masaryk University of Brno, Czech Republic) : As you make your bed so you must lie on it (Czech avant-garde in the period 1920s - 1950s) Darius Kosinski (ZRTI, Poland) : Reclaimed Avant-garde.

13:00 – 14:00 lunch

14:15 – 17:30

BLOCK II – Artists Face the Avant-Garde (Presentations and personal statements of artists involved in the artistic creation for 2018) (chaired by Iulia, Edyta, Martina)

Speakers:

Mirenka Cechova (dancer and director, Czech Republic), Stanislav Dobak (dancer, Slovakia) (chaired by Martina Peckova Cerna),

Katarzyna Chmielewska-Jankowska, Monika Drozynska (Poland) (chaired by Edyta Zielnik/Anna Galas Kosil),

Farid Fairuz (Romania), Agnija Seijko (Lithuania), Boglarka Borcsok (Hungary) (chaired by Iulia Popovici),

Johanne Saunier (Belgium), Ine Claes (Belgium) (video presentation).

PROGRAM - 24.11

10:00 – 12:30

BLOCK II – First and Second Avant-garde : Ruptures or Inspiration for todays’ theatre ? (Focus Afterwar Period) (chaired by Karel Vanhaesenbrouck)

Speakers :

Iulia Popovici (Arts University Tirgu Mures/Marosvasarhely, Romania) : Legacy of Romanian Avant-Garde.

Judit Galacz (ELTE University) : The Hungarian Theatre Avant-Garde and the Green Donkey Theatre

Jitka Pavlisova (Czech Republic) : Czech Dance Avant-Garde in the Context of Modern/Expressive Dance (R)evolution in Central Europe.

Justyna Michalik (Institute of Art of the Polish Academy of Sciences): Theater in un-obvious spaces – Cricot and Cricot 2

12:45 – 14:15 lunch

14:30 – 17:00 (closed session)

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In collaboration with Arts and Theatre Institue, CiAsp (ULB), Czech Centre Brussels, BOZAR, Polish Institute of Brussels, Lithuanian Culture Institute, Romanian Culture Institute, Zbigniew Raszewski Theatre Institue Warsaw & Festival Temps d'Images Rumania (& Loft Theatre Germany).

The year 1918 marks not only the birth of new nation states but it stands as a powerful symbol of the desire of so many people in Europe to construct a better future and embrace modernity. The upcoming anniversary of the crucial years 1918, 1948 and 1968 is a pretext for the symposium Remembering 1918: East and Central European Modernity Rebuilding in Performing Arts. The international symposium opens the issue of the influence of modernity past and present on theatre and dance in Central and Eastern Europe from a comparative point of view, offering dialogues between scholars and artists, between theatrical studies and testimony. The outcomes and inspirations from the symposium will be the source of artistic (dance and theatre) creations which will be presented under the title Remembering 1918 / European Dreams of Becoming Modern on May 24 to 26, 2018 at BOZAR/Brussels.

PROGRAM - 23.11

9:30 – 10:00

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10:00 – 10:30

Welcome speeches and Introduction to the Symposium and the

« Remembering 1918 » project.

Sarah Flock, Université Libre de Bruxelles,

Martina Peckova Cerna, Arts and Theatre Institute Prague,

Jitka Panek Jurkova, Czech Centre Brussels,

Anna Vondracek, BOZAR, Brussels.

10:45 – 12:45

BLOCK I – First and Second Avant-Garde : Ruptures or Inspiration for todays theatre ? (Focus Interwar Period) (chaired by Sarah Flock, ULB)

Speakers :

Dorota Walczak (ULB, Belgium) : Dance Me to the End of My Poem : A Short Story of Synergy between Poets, Dancers and Painters in the Polish Interwar Period Dagmar Krocanova (Comenius University Bratislava, Slovakia) : Between Appeal and Refusal : Notes on Slovak Literary and Theatre Avant-Garde in the Interwar Period

Martina Musilova (Masaryk University of Brno, Czech Republic) : As you make your bed so you must lie on it (Czech avant-garde in the period 1920s - 1950s) Darius Kosinski (ZRTI, Poland) : Reclaimed Avant-garde.

13:00 – 14:00 lunch

14:15 – 17:30

BLOCK II – Artists Face the Avant-Garde (Presentations and personal statements of artists involved in the artistic creation for 2018) (chaired by Iulia, Edyta, Martina)

Speakers:

Mirenka Cechova (dancer and director, Czech Republic), Stanislav Dobak (dancer, Slovakia) (chaired by Martina Peckova Cerna),

Katarzyna Chmielewska-Jankowska, Monika Drozynska (Poland) (chaired by Edyta Zielnik/Anna Galas Kosil),

Farid Fairuz (Romania), Agnija Seijko (Lithuania), Boglarka Borcsok (Hungary) (chaired by Iulia Popovici),

Johanne Saunier (Belgium), Ine Claes (Belgium) (video presentation).

PROGRAM - 24.11

10:00 – 12:30

BLOCK II – First and Second Avant-garde : Ruptures or Inspiration for todays’ theatre ? (Focus Afterwar Period) (chaired by Karel Vanhaesenbrouck)

Speakers :

Iulia Popovici (Arts University Tirgu Mures/Marosvasarhely, Romania) : Legacy of Romanian Avant-Garde.

Judit Galacz (ELTE University) : The Hungarian Theatre Avant-Garde and the Green Donkey Theatre

Jitka Pavlisova (Czech Republic) : Czech Dance Avant-Garde in the Context of Modern/Expressive Dance (R)evolution in Central Europe.

Justyna Michalik (Institute of Art of the Polish Academy of Sciences): Theater in un-obvious spaces – Cricot and Cricot 2

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En collaboration avec Rainbowhouse, Tels Quels & Europalia Indonesia.

In Belgium and at the present time, the human mind structures the landscape of fellow beings into men and women. We think this binary split has existed since the dawn of time, everywhere. How many times do we refer to famous hunter-gatherers and their gender patterns as the image and origin of present-day society ? And yet, contradictions and complementarities abound ! Whether it’s elsewhere on the globe or deep in the past… Traditions evolve from one point to another in space and time.

Indonesia offers us such examples : could we structure the landscape of fellow beings not in two but five different genders ? What a magnificent opportunity to shatter boundaries and evolve our vision/binary division ! If we remove the need to choose between two genders, we no longer have to talk about « gender issues » but genderS. We can still suggest new answers to this question. And what better way to do this than to draw from other traditions ?

Arco Renz is artistic director of Brussels based dance company Kobalt Works, creating choreographies in Europe and Asia. An important aspect of his activities is the development of research and exchange between European and Asian artists. Since 15 years he is engaged in collaborative performance projects of very different nature in Indonesia, Cambodia, Vietnam, Philippines, Laos, Singapore, Taiwan, Korea, Japan… 

Monsoon, a series of research and collaboration platforms bringing together Asian and European artists is an on-going project with editions in Europe, Asia and Australia. 

Arco Renz studied dance, theatre, and literature in Berlin and Paris before joining the first generation of P.A.R.T.S. in Brussels. He has been invited to curate the EUROPALIA Indonesia performing arts program.

www.kobaltworks.be

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Poésie : oralité, écriture et performance.

La popularité de la déclamation, acte de récitation et de représentation de la poésie avec une modulation dynamique de la voix accompagnée de gestes corporels est étroitement liée avec ce type de poésie.

La poésie indonésienne écrite en indonésien, ainsi que dans d'autres langues locales, a un fort attrait auditif, une caractéristique qui découle de la tradition poétique orale rimée appelée pantun. Les œuvres de poètes bien connus comme Chairil Anwar (1922-1949, poète de la Génération de 1945, celle de l’indépendance du pays) et W.S. Rendra (1935-2009, fut à la fois poète, dramaturge, activiste, acteur et metteur en scène et l’un des rares artistes à avoir résisté à la dictature de Suharto) surent préserver cet élément auditif et l’écho de la voix dramatique dans des poèmes de vers libres, ce qui continue de rendre leur travail populaire dans les compétitions de déclamations à l'échelle nationale.

Les œuvres des trois autres poètes de cette anthologie se situent au carrefour de la poésie en tant que littérature écrite et de répertoire pour des performances. Les poèmes de Godi Suwarna, écrits en langue soundanaise, reconnue comme étant très mélodieuse, sont des paysages sonores puissants.

Son poème Grand Prix, par exemple, incarne de manière audible les bruits de la vie de la rue. Ce paysage urbain sonore est représenté dans son multilinguisme, avec la pop musique en anglais dans l’étourdissement des transports urbains et le chant mélodieux de la langue soundanaise encadrant la scène. De tels poèmes peuvent-ils être vraiment traduits ? Un grand nombre de poèmes de Godi Suwarna sont essentiellement oraux, semblables à une musique, et sont censés être entendus dans leur langue d'origine. De fait, la lecture de la poésie de Godi Suwarna a toujours été une performance, avec de puissants aspects théâtraux, intégrant des costumes, de la musique en fond sonore et du chant traditionnel. Dans cette anthologie, les poèmes, malheureusement, sont réduits à leur seule expression verbale.

Comme Godi, Tan Lioe Ie est un artiste complet, mariant poésie et musique. Il a publié des albums musicaux, adaptant sa poésie (ainsi que celle d'autres poètes) à la musique, s’accompagnant en solo à la guitare. Sur scène, il chante, déclame et dramatise ses poèmes en une performance chorégraphiée. Dans le même temps, Tan Lioe Ie écrit des poèmes de type haiku, avec des syllabes calculées et des formes rigides.

À l'instar de Ciam Si, notices prophétiques chinoises utilisées dans les temples, les poèmes de haiku de Tan Lioe Ie ont été utilisés par certains indonésiens chinois dans le même but divinatoire. Certaines personnes allant même jusqu'à réellement placer le livre de poésie sur l'autel de la famille.

Un certain nombre de poèmes de Zubaidah Djohar, comme ceux de Godi et de Tan Lioe Ie, sont mêlés de récitations traditionnelles d'Aceh et se prêtent à être exécutés oralement, parfois combinés avec de la musique et de la danse traditionnelles.

Avec, comme toile de fond, une revendication féministe très présente, les mélodies de Zubaidah véhiculent des messages directs et un puissant pathos.

La section poétique de cette anthologie a pour objectif de souligner les interactions et un dialogue continu entre la modernité littéraire occidentale et la tradition orale. Les quatre poètes sélectionnés ici démontrent également la nature multidimensionnelle de la littérature indonésienne, non seulement comme belles-lettres, mais aussi comme carrefour de la musique et du théâtre, du rituel et de l'activisme social.

Avec une intervention musicale de Made Agus Wardana & Maxime Lacôme.

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(Re)Imagining the Social. 

A day of talks on social imaginaries

curated by Danae Theodoridou.

In their Speculative Everything (2013), Dunne and Raby argue that a series of key changes in the world after the 1970s (fall of the Berlin wall, atomization of society etc) made it much harder for us today to imagine social and political alternatives. Anything that does not fit the demands of capitalism is now dismissed as fantasy or unreal. According to the two authors, our dreams have downgraded to hopes, whereas the creation of new visions seems more and more unlikely.

In the frame of her three-year-long artistic research on social imaginaries, the performance maker and researcher Danae Theodoridou invites Feiko Beckers (visual artist, NL/BE), Guy Königstein (visual artist, IL/NL) and Rudi Laermans (KU Leuven, BE) in a series of roundtable discussions on the way we imagine our social coexistence and the way art can contribute to the emergence

of social imaginaries in the 21st century. Departing from specific ideas that have been influential to the maker’s research, the invited guests share their thoughts and suggestions in short statements, which are used as starting points for an open discussion with the audience. The evening closes with the presentation of Something Dreamy, a performance lecture on social imaginaries created in the frame of Theodoridou’s research, which is followed by a discussion moderated by dramaturg and performance theorist Jonas Rutgeerts (BE).

Schedule :

12:00-13:30 In conversation with Guy Königstein (visual artist, IL/NL)

13:30-15:00 In conversation with Rudi Laermans (KU Leuven, BE)

15:00-16:30 In conversation with Feiko Beckers (visual artist, NL/BE)

16:30-17:00 Break

17:00-18:30 Something Dreamy, performance lecture followed by a discussion moderated by Jonas Rutgeerts. 

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Accessible to english speakers & toegankelijk voor Nederlandstaligen.

Cette année, La Bellone a choisi à la fois de célébrer et de remettre en question la journée Des droits des Femmes souvent nommée La journée de La femme dans les médias... Qui est cette femme ? Et pourquoi une seule journée ? Répondant à cette absurdité par une autre, nous avons décidé d’organiser un évènement-accordéon réparti sur trois dates, dont nous pouvons dire de chacune, « C’est aujourd’hui le 8 mars! » comme nous pourrions dire

« C’est elle, c’est la Femme ! ».

MEMORY FACTORY

(english below)

Pour ce troisième volet, nous avons invité le collectif Just For The Record à présenter conjointement un évènement et un atelier à même d’envisager la mémoire collective, de notre quotidien et en ligne, dans une perspective féministe. De qui nous remémorons-nous et de quelle manière se façonne notre vision de la société, celle du passé et celle du présent ? Nous porterons plus spécifiquement notre attention sur le champ des arts de la scène et de ses représentantes en Belgique pour y trouver des réponses et nourrir la plateforme Wikipédia.

Cette soirée sera l’occasion de mieux décrypter ce que nous retenons de notre société et la manière dont nous souhaitons la consigner. Caroline Godart mènera une réflexion sur l’oubli des femmes dans la civilisation occidentale et sur Internet. L’évènement est ouvert à tou·te·s, mais nous vous encourageons à vous inscrire ici info@justfortherecord.space et vous munir de votre ordinateur portable lors de la soirée.

Just For The Record est un collectif bruxellois questionnant la représentation des genres dans les nouveaux médias et les outils d’écriture/de partage du savoir tels que Wikipédia, et l’influence de cette représentation sur l’écriture de l’histoire et du savoir. Il est par exemple très préoccupant de constater que seulement 8,5 à 22,7% des contributeurs de Wikipedia sont des femmes, et que seulement 16,6% de ses biographies concernent la vie des femmes. Pour approcher ces questions et encourager plus de diversité en ligne, Just for the Record crée des événements et du matériel axé sur la représentation en ligne en collaboration avec des chercheur·euse·s, des artistes et des organisations. Just For The Record est un projet initié en 2015 par Myriam Arseneault-Goulet, Loraine Furter, Sarah Magnan et Mia Melvær. Les quatre initiatrices sont actives dans différents domaines du champ artistique, des arts visuels à la sculpture et au design graphique, dans l’enseignement, en solo ou en collectifs.

Caroline Godart est chargée de cours à l’IHECS, collaboratrice scientifique à l’ULB, et auteure du livre The Dimensions of Difference: Space, Time and Bodies in Women’s Cinema and Continental Philosophy.

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NOUS, Sorcières, avons hérité des pires et des meilleures.

NOUS, Sorcières, nous sommes emparées de ce qui nous était dû et su et pu et tu.

NOUS, Sorcières, avons fabriqué des espaces de papiers et d’écran à la gloire de La Monstre.

La revue auto-produite célèbre ce qui est aujourd’hui, venant d’hier et de demain, déjà.

La revue #25 de Sorcières, les femmes vivent, arrive dans les chaumières, les tanières, les taupières, les hémisphères (droit ou gauche). 

Les autrices féministes Christine Aventin, Joëlle Sambi et Milady Renoir, présentent au cours de deux rencontres et un atelier le numéro 25 de la revue « Sorcières », intitulé La Monstre. Ce magazine littéraire et non mixte, datant des années 70-80, en était resté au numéro 24. Pour ce tout nouveau numéro, celles qui l’ont aujourd’hui ressuscitée, ont voulu l’ouvrir à plus de diversité. Toujours uniquement des femmes, mais pas que blanches, pas que hétérosexuelles ou cisgenres, pas que trentenaires et issues de la même classe sociale.

Le 8 juin à 17h00 aura lieu une rencontre performative dans la cour de La Bellone : les autrices présentes mettront en voix des textes déjà publiés et ceux qui auront vu le jour durant l’atelier (avec l’accord de leurs autrices). Elles raconteront cette aventure d’écriture collective sur la définition de la / des féminité/s, en quête de plus d’inclusivité culturelle, générationnelle et artistique.

Ce 8 juin est conçu comme un autre « 8 mars ». Cette année, La Bellone a choisi à la fois de célébrer et de remettre en question la Journée Des droits des Femmes souvent nommée La journée de LA femme dans les médias... Qui est cette femme ? Et pourquoi une seule journée ? Répondant à cette absurdité par une autre, nous avons décidé de donner suite à cet évènement-accordéon que nous avions entamé les 8, 15 et 22 mars. Pourquoi le 08 juin ne serait-il pas aussi la journée des femmes : nous pouvons dire « C’est aujourd’hui le 8 mars! » comme nous pourrions dire « C’est elle, c’est la Femme! ».

Avec Christine Aventin, Pascale Barret, Aya Kasasa, El Mougine Landerloupe, Maro, Milady Renoir, Joëlle Sambi, Snoeg Snoedal et Volte.

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Gérald Kurdian, musicien, performer et artiste-radio, nous propose une chorale unique, collaborative, et éphémère. Les choristes, des femmes pour la plupart, issues d’horizons différents, chantent des chansons qu’elles auront elles-mêmes écrites, inspirées de textes féministes, littéraires, philosophiques, furieux, et créateurs.

Le concert sera précédé d’un entretien avec Caroline Godart, chargée de cours à l’IHECS, collaboratrice scientifique à l’ULB, et auteure du livre The Dimensions of Difference : Space, Time and Bodies in Women’s Cinema and Continental Philosophy.

Gérald Kurdian étudie les arts visuels à l’Ensapc avant d’intégrer la formation de danse contemporains Ex.e.r.ce sous la direction de Mathilde Monnier et Xavier Le Roy. Ses concerts obliques - Royal Gala (2005), 1999 (2009),18 Chansons (2010), My first club- song ever (2011), The Magic of Spectacular Theater (2012), La Solidité des choses (2014), Les Îles Artificielles (2015) - tissent des synergies enjouées entre les pratiques de la musique électronique, de la performance et du documentaire. Stand-ups absurdes, concerts augmentés ou comédie musicale lo-fi, ils sont régulièrement présentés dans les contextes du spectacle vivant (Crossing the Line - New York, Festival des Inaccoutumés - Paris, etc), de l’art contemporain (Centre Pompidou - Metz, Fondation Cartier, etc) ou de la musique indépendante (Musiques Volantes, 6par4, etc).

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Cette année, La Bellone a choisi à la fois de célébrer et de remettre en question la journée Des droits des Femmes souvent nommée La journée de La femme dans les médias... Qui est cette femme ? Et pourquoi une seule journée ? Répondant à cette absurdité par une autre, nous avons décidé d’organiser un évènement-accordéon réparti sur trois dates, dont nous pouvons dire de chacune, « C’est aujourd’hui le 8 mars! » comme nous pourrions dire

« C’est elle, c’est la Femme! ».

Soucieuse de nourrir un dialogue entre différentes visions des enjeux et projets féministes, La Bellone fera se rencontrer Sylvie Martin-Lahmani et Chloé Andries. Cette entrevue aura pour point de départ « Scènes de femmes », le numéro de juillet 2016 de la revue Alternatives théâtrales, qu’a coordonné Sylvie Martin-Lahmani. Nous entendrons également Chloé Andries, co-fondatrice de Médor et co-pilote

du n° 5. 

La rencontre sera animée par Caroline Godart, chargée de cours à l’IHECS, collaboratrice scientifique à l’ULB, et autrice du livre The Dimensions of Difference: Space, Time and Bodies in Women’s Cinema and Continental Philosophy.

Critique et enseignante à Paris 3 Sorbonne Nouvelle et Paris Ouest Nanterre, Sylvie Martin-Lahmani s’intéresse à tous les arts de la scène. Particulièrement attentive aux formes d’arts dits mineurs (marionnette, cirque, rue), intéressée par les artistes qui ont « le souci du monde », elle est codirectrice de publication de la revue Alternatives théâtrales depuis janvier 2016. 

Journaliste indépendante, diplômée de l'Ecole de journalisme de Lille, Chloé Andries est une des fondatrices de Médor, magazine coopératif indépendant. Elle est également membre du conseil de direction de l'Association des journalistes professionnels (AJP), où elle représente les indépendant·e·s.

http://www.alternativestheatrales.be/

https://medor.coop/fr/

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La rencontre sera menée par Sylvie Martin-Lahmani, co-directrice de la publication Alternatives théâtrales et qui a participé au numéro 94-95 sur la « représentation du travail et le travail théâtral ». Comment se conçoit, s’écrit et se représente le travail au plateau ? Quelles recherches, démarches esthétiques et expérimentations lui sont associées ? L’expérience du non-sens peut-elle motiver une réorientation vers un rapport au monde plus sensé ? Points de vue croisés sur la valeur accordée au labeur bienvenus.

Après des études littéraires à Grenoble, Vincent Thomasset cumule plusieurs petits boulots puis travaille en tant qu’interprète avec différents metteurs en scène dont Pascal Rambert. En 2007, il intègre la formation Ex.e.r.ce (Centre Chorégraphique National de Montpellier), point de départ de trois années de recherches. Dans un premier temps, il travaille essentiellement in situ, dans une économie de moyens permettant d’échapper, en partie, aux contraintes économiques. Il accumule différents matériaux et problématiques à la fois littéraires, chorégraphiques et plastiques, lors de performances en public. Il écrit alors un texte qu’il utilise à différentes reprises, dont le titre, à lui seul, résume la démarche de cette période : Topographie des Forces en Présence. Depuis 2011, il produit des formes reproductibles en créant notamment une série de spectacles intitulée La Suite dont les deux premiers épisodes (Sus à la bibliothèque ! et Les Protragronistes) ont été créés au Théâtre de Vanves dans le cadre du festival Artdanthé. En 2013, création de Bodies in the Cellar, puis Médail Décor en 2014, troisième épisode de la série. En 2015, il crée une adaptation pour la scène des Lettres de non-motivation de Julien Prévieux, créée au festival La Bâtie (Genève) puis reprise au Festival d’Automne à Paris, dans lequel il reprend également La Suite (Sus à la bibliothèque ! + Les Protragronistes + Médail Décor) au Centre Georges Pompidou.

Pascal Chabot est philosophe et enseigne à l’Ihecs (Bruxelles). Il est l’auteur de La philosophie de Simondon et, aux Puf, d’Après le progrès, des Sept stades de la philosophie, de Global Burn-out, de l’Age des transitions et de ChatBot le Robot. Il a participé à la réalisation des films Simondon du désert de François Lagarde et de Burning out. Dans le ventre de l’hôpital de Jérôme le Maire.

Lettres de non-motivation

Compagnie Laars& Co/ Vincent Thomasset (Suisse, France)

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Partisan du mouvement et des idées, Étienne Lepage s’est imposé en tant qu’auteur dramatique dès sa sortie de l’École nationale de théâtre du Canada avec Rouge gueule. Créée en 2009, la pièce marque les esprits par son ton féroce et sa langue impitoyablement précise.

Également scénariste et traducteur, il s’adonne avec succès au théâtre jeune public, notamment avec Histoires pour faire des cauchemars, une pièce créée à Bruxelles et présentée aux Coups de théâtre en 2012. Plus récemment, à la Maison Théâtre, il réinvente pour marionnettes le conte La reine des neiges qui devient Le cœur en hiver. La même année, le Centre du Théâtre d’Aujourd’hui propose Robin et Marion, un cruel questionnement sur l’amour. L’enclos de l’éléphant (FTA, 2011) reçoit le Prix du texte original des critiques de l’AQCT. Ainsi parlait… (FTA, 2013), proposition radicale et engagée, s’affiche comme la première collaboration entre Étienne Lepage et Frédérick Gravel et est présentée ailleurs au Canada, en France et aux Pays-Bas.

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Cette activité est une collaboration entre Sophia et La Bellone. La lecture se déroulera en Anglais, les débats seront traduits en Anglais, Néerlandais et Français.

We will not give you the satisfaction - black perspective on gendered artistic discourses, is organised as a thank you present to Nadine Plateau, for the many years she invested in Sophia.

We will not give you the satisfaction - black perspective on gendered artistic discourses is a postscript on the project WHERE WE’RE AT! Other voices on gender (2014) curated by Christine Eyene at BOZAR (Brussels). Conceived as an illustrated lecture/essay-in-progress, it proposes to revisit the route that has led to her interest in the representation of the black body in art, and gendered expressions, particularly female and queer. Poised between African women’s narratives and the Black British context, from lived experience to theory and art practice, the presentation will address discourses and aesthetic strategies in politics of representation. It will also take a critical stance on the commodification of both the body and some strands of socio-politically oriented art, while seeking out ways to complexify an engagement with gender politics in art through non-object-based practices. Presence, voice, sound, noise will therefore be key features in this presentation.

Christine Eyene is an art historian, critic and curator. She is a Guild Research Fellow in Contemporary Art at the University of Central Lancashire and doctoral student at Birkbeck, University of London. Her areas of research and curatorial practice range from contemporary African and Diaspora arts, Black British arts, gendered art discourses, to non-object-based art practices, notably sound art.

More information on slam poetry performances and other activities: www.sophia.be

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La conférence se déroulera en partie en Anglais et en Français. 

Les couches générationnelles et les tendances importantes dans la dramaturgie slovaque contemporaine

L’état de la dramaturgie slovaque et le répertoire des théâtres reflètent les moments marquants de la vie politique et sociale en Slovaquie. L’année 1989 est pour la société slovaque une année charnière. C’est précisément le théâtre qui anticipe les changements politiques à venir et qui après la Révolution de velours perd sa fonction politique et reste un certain temps dans le vide. Dans les années 90 du XXe siècle, une nouvelle forme dramaturgique s’installe en Slovaquie. Cette 'nouvelle dramaturgie' refuse l’idée d’une œuvre dramatique homogène, préférant une diversité de motifs, discontinuité, décomposition et fragmentation. Les nouveaux auteurs se détournent des concepts de leurs prédécesseurs. Les nouveaux textes et leurs représentations obtiennent le soutien des institutions à travers des concours et festivals variés. Cette nouvelle génération d’auteurs et de metteurs en scène ainsi que le changement de rapports entre les théâtres apportent à la dramaturgie une nouvelle vision du monde, de nouvelles tendances sociales et technologiques et des inspirations de l’Europe occidentale.

Détails du programme : https://www.bellone.be/F/event-audio.asp?event=5618

Organisateurs principaux:

Institut de théâtre de Bratislava et Les Halles de Schaerbeek à Bruxelles

Organisations partenaires:

La Bellone – Maison du Spectacle, Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et des Techniques de Diffusion (INSAS), Royal Institute for Theatre, Cinema and Sound (RITCS), Wallonie-Bruxelles Théâtre / Danse (WBT / D)

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Organised by Kunstenfestivaldesarts and ULB in collaboration with La Bellone, Le Cifas et Research Group THEA.

Six researchers and well-known artists sketch an unpublished, hybrid image of the reality of Iran’s theatre scene, where permanent negotiations with the authorities and the city render theatre life both effervescent and complex. The day is taken up with theorising on the socio-political workings of theatre spaces, supplemented by the artists’ concrete experiences.

PART II

17:00 - 17:45

Naghmeh Samini

Iranian home, Iranian Identity on stage

Naghmeh Samini, playwright, scriptwriter and journalist, is also professor and member of the scientific committee at the Theatre Department of the Faculty of Fine Arts of the University of Tehran and affiliate professor at the University of Washington (UW). She belongs to the most frequently performed Iranian contemporary playwrights. She did research and published about the dramatization of oriental myths and legends, more specifically the One Thousand and One Nights.

17:45 - 18:30

Amir Reza Koohestani

Experience of space (a discussion with Mohammadamin Zamani and Azade Shahmiri)

Amir Reza Koohestani is stage director and playwright, and surely the best known and worldwide presented theatre man. Among his plays making his international reputation, we can find Dance on Glasses (2001), Recent experience (2005), Amid the Clouds (2007), and Timeloss (2013).

18:30 - 19:00

Q&A with all speakers

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Organised by Kunstenfestivaldesarts and ULB in collaboration with La Bellone, Le Cifas et Research Group THEA.

Six researchers and well-known artists sketch an unpublished, hybrid image of the reality of Iran’s theatre scene, where permanent negotiations with the authorities and the city render theatre life both effervescent and complex. The day is taken up with theorising on the socio-political workings of theatre spaces, supplemented by the artists’ concrete experiences.

PART I

14:00 - 14:20

Introduction : Mohammadamin Zamani

14:20 - 15:00

Farzan Sojoodi and Misagh Nemat Gorgani

Place and its social-historical functions in Iranian theatre

Farzan Sojoodi, linguist and semiologist, is professor of the Theatre Department at the Tehran University of Arts, former president of the Department of Semiotics at the Iranian Academy of the Arts and member of the Tehran Semiotic Circle. He has translated and drafted, amongst others, several publications and articles on semiotics in the field of theatre, art and literature. He has also directed theses and dissertations in the fields of performing arts, cinema, painting, photography and literature within a semiotic and linguistic scope.

Misagh Nemat Gorgani is PhD student in arts studies at the Isfahan University of Arts. His research focuses on the issue of the Iranian theatre's audience. He is currently working on his thesis called "The Social Critic of the Legitimate Taste of Tehran's Theatre Audience".

15:00 - 15:30

Azade Shahmiri

Between the centre and the margin : a new aspect to an emerging "in between" theatre space in Tehran

Azade Shahmiri is a theatre artist, researcher and senior lecturer. She works on her thesis entitled "The Representation of the "West" in the Iranian Dramatic Texts". Her interdisciplinary research in performing arts has been published as a book and several articles in different journals and reviews. Her theatrical work is based on research and narration. Her last creation, Damas, is a performance-conference played in Tehran, Zurich and Gwangju.

15:30 - 16:00

Mohammadamin Zamani

The Iranshahr Theater, the story of an Achilles’ heel

Mohammadamin Zamani is PhD candidate in performing arts at the Université Libre de Bruxelles and FNRS research fellow. He studies the spatial organisation of today's theatre scene in Tehran and is co-founder and editor of Simia, a specialized journal in dramatic literature. He has been publishing in Persian and French on the relations of the Iranian Theatre with its sociopolitical context in different historical periods.

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Leïla Mechentel est née en 1960, à Djerba, Tunisie, où ses parents, jeunes résistants algériens, étaient exilés. A l'indépendance de l'Algérie, en 1962, sa famille regagne le pays. Elle entre à l'Institut des langues Étrangères (ILE), travaille dans des rédactions francophones comme correctrice et journaliste. En 1989, ses chroniques suscitent la colère de ses lecteurs. Lettres de menace et d’injures se succèdent ; agressée, elle se réfugie à Alger et entre dans une clandestinité qui inspirera nombre de ses romans, dont Le Châtiment des hypocrites. Exil à Paris. Puis retour en Algérie car elle pense que la lutte doit se faire sur place. Sa mère la convainc de revenir à Paris. En 1994, elle prend la nationalité française, poursuit des études de lettres à Paris VIII et commence l'écriture de La Fille de la Casbah (1996), roman signé sous un pseudonyme. Ainsi est née Leila Marouane. En Algérie, ses livres sont vendus sous le manteau. Pour elle, impossible d’y retourner tant que « les lois seront en défaveur des femmes ». La Vie sexuelle d'un islamiste à Paris (2007), reçoit un très bon accueil de la presse et du public algériens, mais ne s’y vend pas. Longtemps persuadée qu'elle retrouverait son identité une fois la paix revenue en Algérie, elle s'installe mentalement et définitivement en France, où naît son premier enfant.

Dans La vie sexuelle d’un islamiste à Paris, Mohamed, quarante ans, banquier, pieux musulman et expert en religion, prend une décision aussi secrète qu’irrévocable : déménager de Saint-Ouen, où il vit toujours avec sa mère, pour Saint-Germain-des-Prés, et en finir avec l’abstinence sous toutes ses formes…

Avec cette autopsie implacable de l’univers d’un homme entre deux cultures, ligoté par la religion, la famille et la mère toute puissante, Leïla Marouane s’affirme comme la romancière la plus originale et la plus inspirée pour dépeindre les inhibitions et les tabous sexuels.

A noter qu’une masterclasse est organisée entre Leïla Marouane et Veronika Mabardi, le samedi 23 avril à Passa Porta. (Inscriptions : info@reseau-kalame.be) / P.A.F.: 25€ (20€ demandeurs d’emploi / Membres du Réseau KALAME) – thé, café, croissants offerts. Lieu : L’Appartement, Passa Porta, Rue Antoine Dansaert 46 – 1000 Bxl. Accueil à 9h30 – début à 10h – clôture à 13h.

Autrices, d’après une idée originale de Elsa Poisot et Line Guellati. Coproduction Ecarlate la Compagnie, La Bellone, Passa Porta, Réseau Kalame.

Avec le soutien de la Fédération Wallonie Bruxelles – Promotion de Bruxelles – Promotion des Lettres, la Commission communautaire française, la Ville de Bruxelles (Cellule Culture, la SACD & la Scam, Axelle Magazine, Echanges et synergie, La Chaufferie-Acte 1, La Boutique Culturelle, La Librairie Tulitu, Le Cedem, Le Varia, Le Groupov, l’Arbre de Diane, Le Librex, les FPS, le CEDEM, Les Amitiés Belgo-Agériennes, CEC (pour les rencontres avec Fatou Diome et Ananda Devi).

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Drama (action)­ ergon (création): pris dans sa racine greque, le terme «dramaturgie» indique cette possibilité de créer une action, de produire, à partir d’éléments conçus comme "arrêtés" ou "arrêtants" , du mouvement. Quel plan d’action s’inscrit à partir de ce qui, d’abord, nous arrête, nous fait "tomber", nous stupéfait: le "saisissement amoureux"?

Si, comme le dit le philosophe Srecko Horvat (invité pour l’occasion): l’amour ne peut se passer de la "chute" et du "choc" mais ne s’y réduit pas, ce rendez-vous du 21 Avril tentera de prolonger et de déplacer à nouveau ce qui se sera entamé dans l’événement du 16 Avril. Cette seconde situation sera l'occasion de ne pas s'arrêter là. De ne pas tenir en place mais de tenir à se déplacer, encore. De déployer les fils noués quelques nuits plus tôt à partir des traces qu'ils auront générées (fanzine, images, vidéo, sons) et d’explorer, par là­ même, "l’étoffe de l’amour": l’épaisseur qui, précisément, le noue intimement à l’action: la durée. En cette seconde soirée, réunis autour de tables de conversations dans la cour de la Bellone et à partir de l'expérience précédente nous prendrons le temps d’écouter, d’observer ce que la philosophie et l’art étendent, inscrivent et agissent à partir de l’amour, et nous nous parlerons. Aussi longtemps qu’il le faudra...

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This seminar is a collaboration between A.pass, ManyOne & La Bellone.

In this two-days seminar a group of researchers will reflect around the figure of conspiracy, which serves as a trigger to think playfully about Juan Dominguez’ current research and to focus on urgent questions such as: the spectator as an accomplice and necessary partner with equal criminal responsibility; collective actions; alternative models of intermittent and dispersed participation; continuity beyond concrete meetings at art venues; fabrication of fictions that end up leading their own life, and tension between visibility and invisibility, among others. This research has been developed in a.pass, an artistic research environment that develops research on performativity and scenography, in an international artistic and educational context.

Coordinators: Juan Dominguez and Victoria Perez Royo

Produced by a.pass

Production Manyone

Partnership La Bellone

Program:

14 April

10 - 11.45 Clean Room by Juan Dominguez

12 - 13.45 Poetical dissidences and cooperation by Jose Antonio Sanchez

lunch break

15 - 16.45 On red land crabs and democracy by Victoria Perez Royo

17 - 18.45 Conspiring subjectivities by Elke Van Campenhout 

15 April

10 - 11.45 - 'Don't you dare!' by Valeria Graziano

12 - 13.45 - expert in conspiracy theories, name tba

lunch break

15.30 - 18.30 work session with all participants + special guests

18.30 conclusion and wine

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In this two-days seminar a group of researchers will reflect around the figure of conspiracy, which serves as a trigger to think playfully about Juan Dominguez’ current research and to focus on urgent questions such as: the spectator as an accomplice and necessary partner with equal criminal responsibility; collective actions; alternative models of intermittent and dispersed participation; continuity beyond concrete meetings at art venues; fabrication of fictions that end up leading their own life, and tension between visibility and invisibility, among others. This research has been developed in a.pass, an artistic research environment that develops research on performativity and scenography, in an international artistic and educational context.

Coordinators: Juan Dominguez and Victoria Perez Royo

Produced by a.pass

Production Manyone

Partnership La Bellone

Program:

14 April

10 - 11.45 Clean Room by Juan Dominguez

12 - 13.45 Poetical dissidences and cooperation by Jose Antonio Sanchez

lunch break

15 - 16.45 On red land crabs and democracy by Victoria Perez Royo

17 - 18.45 Conspiring subjectivities by Elke Van Campenhout 

15 April

10 - 11.45 - 'Don't you dare!' by Valeria Graziano

12 - 13.45 - expert in conspiracy theories, name tba

lunch break

15.30 - 18.30 work session with all participants + special guests

18.30 conclusion and wine

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In this two-days seminar a group of researchers will reflect around the figure of conspiracy, which serves as a trigger to think playfully about Juan Dominguez’ current research and to focus on urgent questions such as: the spectator as an accomplice and necessary partner with equal criminal responsibility; collective actions; alternative models of intermittent and dispersed participation; continuity beyond concrete meetings at art venues; fabrication of fictions that end up leading their own life, and tension between visibility and invisibility, among others. This research has been developed in a.pass, an artistic research environment that develops research on performativity and scenography, in an international artistic and educational context.

Coordinators: Juan Dominguez and Victoria Perez Royo

Produced by a.pass

Production Manyone

Partnership La Bellone

Program:

14 April

10 - 11.45 Clean Room by Juan Dominguez

12 - 13.45 Poetical dissidences and cooperation by Jose Antonio Sanchez

lunch break

15 - 16.45 On red land crabs and democracy by Victoria Perez Royo

17 - 18.45 Conspiring subjectivities by Elke Van Campenhout 

15 April

10 - 11.45 - 'Don't you dare!' by Valeria Graziano

12 - 13.45 - expert in conspiracy theories, name tba

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15.30 - 18.30 work session with all participants + special guests

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In this two-days seminar a group of researchers will reflect around the figure of conspiracy, which serves as a trigger to think playfully about Juan Dominguez’ current research and to focus on urgent questions such as: the spectator as an accomplice and necessary partner with equal criminal responsibility; collective actions; alternative models of intermittent and dispersed participation; continuity beyond concrete meetings at art venues; fabrication of fictions that end up leading their own life, and tension between visibility and invisibility, among others. This research has been developed in a.pass, an artistic research environment that develops research on performativity and scenography, in an international artistic and educational context.

Coordinators: Juan Dominguez and Victoria Perez Royo

Produced by a.pass

Production Manyone

Partnership La Bellone

Program:

14 April

10 - 11.45 Clean Room by Juan Dominguez

12 - 13.45 Poetical dissidences and cooperation by Jose Antonio Sanchez

lunch break

15 - 16.45 On red land crabs and democracy by Victoria Perez Royo

17 - 18.45 Conspiring subjectivities by Elke Van Campenhout 

15 April

10 - 11.45 - 'Don't you dare!' by Valeria Graziano

12 - 13.45 - expert in conspiracy theories, name tba

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15.30 - 18.30 work session with all participants + special guests

18.30 conclusion and wine

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Les Salons sont l'occasion de converser publiquement avec les artistes invités de l'ISAC: à travers les Salons l'ISAC tient à mettre en partage ses lieux de recherches.

Maeva Cunci et Dominique Gilliot workshoperont pendant deux jours avec les étudiants de l'Institut des Arts et des Chorégraphies (Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles) et présenteront le résultat de cet échange lors de ce salon.

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Bessora grandit en Europe, aux Etats-Unis et en Afrique. Après une carrière dans la finance internationale à Genève, elle reprend des études d’anthropologie et écrit son premier roman en 1999, 53 cm. Ses nombreux voyages, ses racines donnent à son écriture un caractère « libre, exigeant, inclassable ». Elle obtient le Prix Fénéon en 2001 pour Les Taches d'encre et le Grand prix littéraire d'Afrique noire en 2007 pour Cueillez-moi, jolis Messieurs. Paraissent en 2002  Deux bébés et l'addition, en 2003 Courant d'air aux Galeries, en 2004 Petroleum, en 2008 Et si Dieu me demande, dites-lui que je dors. Cyr@no en 2011 a fait partie de la sélection du Prix France Télévisions 2011.

Dans 53 cm, Bessora joue avec beaucoup d’ironie et de talent sur le racisme bureaucratique et l'intolérance ordinaire. Zara, jeune métisse, belge, de père gabonais et de mère suisse, enceinte, raconte avec un humour décapant le parcours tortueux par lequel elle passe pour obtenir en France une carte de séjour et une régularisation pour elle et sa fille.

A noter qu’une masterclass est organisée avec Bessora et Sophie Magerat le samedi 19 mars à Passa Porta. (Inscriptions : info@reseau-kalame.be) / P.A.F.: 25€ (20€ demandeurs d’emploi / Membres du Réseau KALAME) – thé, café, croissants offerts. Lieu : L’Appartement, Passa Porta, Rue Antoine Dansaert 46 – 1000 Bxl. Accueil à 9h30 – début à 10h – clôture à 13h.

Autrices, d’après une idée originale de Elsa Poisot et Line Guellati. Coproduction Ecarlate la Compagnie, La Bellone, Passa Porta, Réseau Kalame. Avec le soutien de la Fédération Wallonie Bruxelles – Promotion de Bruxelles – Promotion des Lettres, de la, Commission communautaire française, de la Ville de Bruxelles, la SACD & la Scam, Axelle Magazine, Echanges et synergie, La Chaufferie-Acte 1, La Boutique Culturelle, Le Cedem, Le Varia, Le Groupov, l’Arbre de Diane, Le Librex, les FPS.

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Les Salons sont l'occasion de converser publiquement avec l'artiste invité de l'ISAC: à travers les Salons l'ISAC tient à mettre en partage ses lieux de recherches.

Tropismes gestuels : une conspiration de l’écriture et de la danse 

Nathalie Sarraute écrit son premier texte en 1932, qui fera partie de son ouvrage Tropismes. Une femme, décrit-elle dans ce premier petit texte sans titre, « était accroupie dans un fauteuil […] toute douce, toute plate, se tortillant » (Tropismes IX). Plus tard, elle racontera comment la description des petits mouvements de cette femme fut l’occasion d’une attention précise, d’une véritable « écologie de l’attention » sur l’expérience d’une sensation. Comment un danseur peut-il se réapproprier des sensations construites par la littérature que seul le rythme du corps, à son tour, est en charge de transmettre ? Si Nathalie Sarraute dit rejoindre la danse, comment un danseur rejoindra-t-il son écriture ? La disnarration, la dépsychologisation, la description brève et froide seront autant d’outils littéraires pour rejouer l’espace narratif et affectif de la danse.

Fleur Courtois-l’Heureux expérimente des concepts de la philosophie contemporaine à travers le prisme d’agencements propres à la danse et au cinéma. Elle est aussi danseuse de tango, docteur en philosophie, auteure.

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En collaboration avec l'ERG

Dans l’enfance, au fil de nos apprentissages moteurs, nous découvrons l’espace qui nous entoure. Nous apprenons à nous déplacer, nous éprouvons l’effort nécessaire à parcourir la distance entre deux objets. Nous faisons usage de nos mains pour les déplacer, les superposer, les mettre en relation. Plus tard, dans le développement du langage, nous conceptualisons la distance nous séparant des objets : sont-ils près ou sont-ils loin de nous ? Sommes-nous à l’intérieur d’une maison ou à l’extérieur d’une pièce de cette même maison ? Nous apprenons à représenter ces espaces, sur une feuille de papier, avec des jeux de construction, puis nous en inventons de nouveaux, qui correspondent mieux à nos désirs. Pour Joseph Beuys, c’est le monde entier qui dépend de cette disposition des objets dans l’espace, et c’est la représentation que nous nous en faisons ainsi que nos actions sur la matière qui façonnent le monde. L'espace n'est pas une donnée, mais il est fabriqué par le regard, le point de vue et la mise en relation des objets. Lorsqu’il s’agit de façonner un espace commun, comme le sont les hétérotopies décrites par Michel Foucault, il s’agit de trouver ensemble des règles du jeu, de s’accorder sur des manières d’opérer. J'aimerais amener ces considérations dans un cadre particulier, celui de l'enseignement des arts, en évoquant l'exemple de l'erg, mais également du Fresnoy, du Bauhaus, l'enseignement de Joseph Beuys et celui de Sergueï M. Eisenstein. Car s’y jouent sans cesse des processus de fabrication d’espaces et de contre-espaces, au cours desquels étudiants et enseignants transforment l’espace de l’institution elle-même. Ces phénomènes nous offrent peut-être une piste pour appréhender la transmission des arts comme un véritable processus de création.

Elise Tamisier

Née en 1980, Elise Tamisier est basée à Marseille où elle travaille actuellement comme réalisatrice, photographe et productrice. Ses études de langues appliquées et de gestion culturelle l’ont d’abord conduite à vivre en Angleterre (Liverpool) puis en Espagne (Grenade, Valence).

Son travail s’articule autour d’une réflexion sur la manière dont s’exprime l’individualité dans un environnement social donné. Sa première exposition avait pour thème l’urbanisme et la place de l’individu dans la ville, à partir de photographies prises à Liverpool et à Grenade.

Le développement de ses travaux aboutira naturellement à son premier film SANS SOMMEIL (2010), documentaire expérimental de court-métrage sur la ville de Paris, basé sur une session de prise de vue et de son de 24h non-stop. Dans la foulée, elle réalise AILLEURS COMMENCE ICI (2010), court-métrage qui déplace le dispositif de SANS SOMMEIL dans les environs de Marseille et inclut la participation active des habitants dans la prise de vue. Elle développe actuellement un projet de documentaire sur l'île de Naoshima au Japon (UTOPIE NAOSHIMA).

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La conférence sera suivie par la projection du film Le Déclin des Etats-Unis de Laura Delcon et Antoine Moustie

Pour la préservation du monde vivant. 

- Un site archivé pour alpha, bêta, gamma ou L'identification de 9 sites de déchets radioactifs dans le monde.

- La lutte contre le camouflage ou Le marquage des sites de déchets faiblement radioactifs : Cover

- Recherche d'un mode de transmission de la mémoire des sites hautement radioactifs: Les laboratoires.

- Présentation du livre: La couverture immatérielle, après une résidence en mai 2015 dans la préfecture de Fukushima.

Cécile Massart vit et travaille à Bruxelles

Artiste plasticienne, elle a enseigné à l’ESAPV à Mons et à l’ENSAV La Cambre en qualité de professeur dans le département Image imprimée.

Elle publie régulièrement notamment à l’AEN /OCDE

Dès 1994, elle explore, voyage, défriche, expose sous le titre Un site archivé pour Alpha, Bêta, Gamma. La question de l’identification des sites de déchets radioactifs, l’obsolescence des supports pour le transfert des informations et en 1998, les projets de camouflage des sites, la choque profondément.

Elle commence à obtenir les autorisations pour se rendre d’abord sur des sites européens et ensuite au Japon, au Brésil, en Inde, aux USA. Dans chaque pays, les expositions témoignent de la diversité des préoccupations.

En 2005, elle crée un vocabulaire sculptural : 7 marqueurs ou archisculptures. Le livre COVER paru en 2009 exprime la volonté de marquer les sites de déchets faiblement radioactifs pour les rendre plus lisible dans le paysage et surtout pour en être conscients.

Elle émet une idée qu’elle développera dans Laboratory, celle que les sites de déchets de haute activité pourraient bien être les monuments du XXIe siècle : invisibles mais vivants pendant des dizaines de milliers d’années. La création d’une Nuclaer Culture Residency pour la préservation du monde vivant est un projet qui commence en Belgique.

Sortie de son prochain livre La couverture immatérielle, Bruxelles, le 14 avril.

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La conférence sera suivie par la projection du film "Le Saint-Graal" de Romain Scaillet

Partant du constat (et de l’expérience) d’un corps devenant à son tour contenant et non plus seulement contenu - contenu dans l’espace -, son rapport à l’un et l’autre s’en trouve considérablement modifié. Le corps devient abri, dans lequel vivre et pénétrer, procédant d’aller-retour tout autant ordinaire qu’exceptionnel. Les sens s’éveillent développant une acuité particulière à ce qui nous entoure. Et pour peu qu’on s’en rende compte, l’espace est loin d’agir indifféremment sur nous et nous sur lui. Nous marquons de notre présence chaque lieu traversé et en retour, il s’inscrit dans notre anamnèse, métamorphosant sphères privées et espaces publics en lieux mouvants à repenser.

Proche d’une démarche phénoménologique, le texte suit les différents états du corps, vécus - dans son évolution naturelle ou autre - ou subis - tels celui de l’intrusion ou du viol - et que de nombreux artistes, écrivains, psychanalystes et philosophes ont mis au centre de leurs recherches. Ainsi, de Loïe Fuller à Sidi Larbi Cherkaoui, de Rebecca Horn à Ana Mendieta et Louise Bourgeois, ou encore de Gordon Matta-Clark à Richard Serra, l’ouvrage établit un parcours subjectif de la mise en scène du corps, dont sa réalité nait de sa propre expérience. Mais il tient compte aussi du corps du tout-petit, porté puis lâché, qui construit son devenir d’adulte. De ces corps individuels et singuliers n’apparaît pas toujours le corps collectif, envisagé par les architectes et les urbanistes. Ce qui fait que le logement conçu par Le Corbusier diffère de celui imaginé par Eileen Gray ou aujourd’hui, par Peter Zumthor.

Ce qui fait sans doute la dérive des villes modernes, oublieuses du flâneur baudelairien.

Diplômée d’architecture et de pédagogie, Florence Marchal a professé comme architecte indépendante avant de se consacrer principalement à ses projets d’écriture et de créations artistiques. Après la publication de L’architecture sexuée, équivalence et symétrie, Imagyne, La limite comme chemin (avec Jean-François Pirson), elle contribue à différentes revues telles Polyrama (Lausanne), Casabella (Milan), L’Urbanisme (Paris), L’Architecture d’Aujourd’hui (Paris), A+ (Bruxelles), Urbamouv - Danse, ville et genre (Bruxelles), L’Esprit des villes (Paris).

Avec l’artiste, Annick Blavier, elle crée la revue Non, pas ce soir et vient de publier un recueil de courts textes, Rosé, en collaboration avec la photographe, Annabel Sougné. L’ensemble a été exposé à Bruxelles et Anvers.

Elle collabore également, avec Thierry Paquot, Chris Younès, Sophie Gendrot-Body, Hacène Belmessous et Anne-Solange Muis, à la création d’une revue annuelle : l’Esprit des Villes (éd. Infolio, Lausanne-Paris).

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Les Leçons de Design rassemblent des orateurs prestigieux et invitent le public, novice ou initié, à découvrir de manière pédagogique des pans de l’histoire du Design et ses figures marquantes. 

L'introduction du design est relativement récente dans les arts de la scène. C'est la pratique chorégraphique qui en fait l'usage le plus fréquent, les deux disciplines exploitant à leur manière l'occupation de l'espace.

La démonstration en sera faite par Jean-Philippe Theyskens, historien de l'art et brillant guide-conférencier (Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique). Il enseigne à la Haute école Galilée depuis 1997 et aborde régulièrement aussi, pour de nombreuses institutions et associations socioculturelles, les questions d’art moderne et contemporains qui le passionnent.

Jean-Philippe Theyskens esquissera une histoire des riches (mais méconnues) associations du design et des arts de la scène depuis les Ballets russes et du début du XXème siècle. Il nous guidera jusqu’aux projets récents qui croisent les routes de Pablo Reinoso et de Blanca Li ou de Constance Guisset avec Angelin Preljocaj. Seront aussi associés Marcel-Louis Baugniet et Akarova, Isamu Noguchi et Martha Graham, Frédéric Flamand et les frères Campana. Il conférera une importance toute particulière à la figure centrale et incontournable de Bob Wilson.

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En partenariat avec l'ISAC (Institut Supérieur des Arts et des Chorégraphies de Bruxelles)

Les Salons sont l'occasion de converser publiquement avec les artistes invités de l'ISAC: à travers les Salons l'ISAC tient à mettre en partage ses lieux de recherches.

Pour ce salon nous proposons une rencontre avec Hana Miletic autour de My Little Blues Booklet.

Née en Croatie et basée à Bruxelles, Hana Miletic explore les résidus et les bouleversements de changement politique tout en regardant la formation de la subjectivité, au niveau de l'individu et de la communauté. Elle décrit sa pratique artistique comme étant de la photographie de rue par l'intermédiaire de laquelle elle documente les objets et les histoires. La photographie fonctionne comme moyen d'orientation dans son exploration continue de la réalité sociale. Elle crée, entre autres, des livres d’artistes, des performances et des installations.

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Ananda Devi est une romancière d’origine Telougou, Inde du sud. Très jeune, elle se passionne pour l’écriture et publie à 19 ans son premier recueil de nouvelles. Après des études en anthropologie sociale, elle revient à l’écriture. A travers ses différents romans et nouvelles, elle offre aux lecteurs une vison de l'île Maurice moins idyllique que la vision officielle transmise aux touristes. A obtenu le Prix des cinq continents de la francophonie et le Prix RFO avec son roman Ève de ses décombres en 2006. En 2007, Indian tango est sur la liste des Prix Fémina et France Télévisions. En 2010, son remarquable Sari vert reçoit le Prix Louis Guillou et l'autrice est faite Chevalier des Arts et des Lettres.

Dans Eve de ses décombres, avec Sad, Eve, Savita et Clélio, adolescents aux destins cabossés pris au piège d'un crime odieux et grâce à son écriture, à la violence contenue au service d'un suspense tout de finesse, Ananda Devi nous dit l'autre île Maurice du XXIe siècle.

A noter qu’une masterclass est organisée entre Ananda Devi et Layla Nabulsi, le samedi 13 février à Passa Porta (infos et réservations : info@reseau-kalame.be)

Autrices est un chemin vers la littérature du continent africain, des Antilles et de leur diaspora, au féminin. Projet initié par Ecarlate la Compagnie en collaboration avec l’ong CEC, le Réseau Kalame, Passa Porta. Avec le soutien de la Fédération Wallonie Bruxelles, la Ville de Bruxelles, La Bellone, la SACD et de la Scam, Le Librex, Axelle, Echanges et synergie, La Boutique Culturelle, Le Varia, l’Arbre de Diane et FPS.

Pour en savoir plus : http://autricesecarlatelacie.com/ - http://cec-ong.org/

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Martine Delvaux, romancière, essayiste, féministe et professeure de littérature à l’Université du Québec à Montréal, sera de passage à Bruxelles en février prochain dans le cadre d’une résidence de création chorégraphique qu’elle réalise avec la chorégraphe Manon Oligny. Nous sommes ravis de pouvoir saisir cette occasion pour l’inviter à vous rencontrer à la Bellone. Nous en profiterons pour, en un premier temps, entendre Caroline Godart, philosophe, s’entretenir avec Martine Delvaux sur les enjeux du féminismes aujourd'hui selon elles et, en un deuxième temps, voir si d'éventuels liens entre ces enjeux féministes et la création scénique en cours de création à l’Escaut se tissent. 

Martine Delvaux est écrivaine et professeure au Département d’études littéraires de l’UQAM. Elle a publié des romans, dont les plus récents sont Blanc dehors (Héliotrope, 2015) et Les cascadeurs de l’amour n’ont pas droit au doublage (Héliotrope, 2011), ainsi que des essais, dont Les filles en série. Des barbies aux PussyRiot (Remue-ménage, 2013), Nan Goldin. Guerrière et gorgone (Héliotrope, 2014), et Sexe, amour, pouvoir (en coll. avec V. Lebrun et L. Pelletier, Remue-ménage, 2014).

Caroline Godart est titulaire d'un doctorat en littérature comparée de l'Université Rutgers (USA) et est aujourd'hui collaboratrice scientifique à l'ULB. Son travail met en rapport procédés esthétiques et concepts dans le cadre d'une recherche sur la différence sexuelle et le genre. Son premier livre, The Dimensions of Difference: Space, Time, and Bodies in Women's Cinema and Continental Philosophy, paraitra en décembre chez Rowman and Littlefield.

http://ulb.academia.edu/CarolineGodart

http://www.productionsrhizome.org/fr/apropos/115/mission

http://www.escaut.org/philosophy/lescaut

http://www.tulitu.eu/

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Les Midis de la Poésie, en partenariat avec La Bellone Maison du Spectacle et la librairie Tulitu, organisent la sortie du livre de Paul Magnette dans la collection Essais des éditions de l’Arbre à Paroles.

Cette rencontre sera animée par David Courier.

Pasolini ou la raison poétique suivi de Pasolini politique

La collection d’essais des Midis de la Poésie propose des textes de réflexion sur la poésie et la littérature d’hier et d’aujourd’hui, d’ici et d’ailleurs.

Paul Magnette est l’auteur d’une thèse de doctorat sur la citoyenneté européenne et a publié une trentaine d’ouvrages, dont grandeur et misère de l’idée nationale, Le monde à l’envers et La gauche ne meurt jamais. Professeur à l’ULB, il a occupé plusieurs postes ministériels au sein du gouvernement wallon et du gouvernement fédéral et a été Président du PS. Paul Magnette est bourgmestre de Charleroi depuis 2012 et Ministre-Président de la Wallonie depuis 2014. Il est membre de l’académie royale de Belgique.

David Courier, né à Mons en 1966, études de communication à Louvain-la-Neuve, journaliste culturel et blogueur. A travaillé surtout en télévision dont Télé Bruxelles où il a lancé plusieurs émissions culturelles.

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Feedback est une formation de base pour tous les participants du programme DasArts Master, incluant les étudiants, le personnel et les conseillers externes. Lors des feedbacks individuels, les concernés peuvent opter pour une conversation informelle, une entrevue ou une autre formule. Lors du Feedback collectif ces derniers feront face à de nombreux points de vue différents sur une œuvre, articulés et échangés au sein d'une session.

Ensemble, avec le philosophe Karim Benammar, DasArts a tout d'abord définis les principaux obstacles qui, dans un cadre collectif, empêchent souvent les échanges critiques sur une oeuvre ou une pratique artistique d'avoir un effet d'apprentissage stimulant.

Le 17 novembre Manolis Tsipos, ancien élève de DasArts, présentera la méthode.

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La ville reflète-elle l’avenir? Absolument. Au fil des dernières décennies, beaucoup de nouvelles idées et nouvelles visions ont été présentées dans les Études Urbaines.

Au STADSSALONSURBAINS nous proposons à des professeurs de renommée internationale de présenter leurs idées au public de Bruxelles. Les STADSSALONSURBAINS sont une série de conférences et projections documentaires présentées en anglais s’adressant aux professionnels urbains, aux étudiants et aux amoureux de la ville. 

STADSSALONSURBAINS #14: GETTING PLAYFUL ? RETHINK MAPPING

A lecture by Christopher Perkins (University of Manchester, United Kingdom) reflecting upon ways in which play might contribute to mapping, change knowledge construction and enable different questions to be asked about the world.

Invited by Cosmopolis Centre for Urban Research

La Brussels Academy est une université urbaine et citoyenne. Le lieu de rencontre pour tout le monde qui s’intéresse à Bruxelles et à envie d’en apprendre plus sur la ville. Plusieurs professeurs et experts urbains y partagent leurs connaissances concernant Bruxelles avec la société civile. Nous avons donc aussi besoin de vous! Envie de participer ? Vous pouvez consulter notre calendrier d’activités ici. Cliquez ici pour des images de nos sessions en cours ! C’est clair que ça cogite !

Bio Christopher Perkins

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La ville reflète-elle l’avenir? Absolument. Au fil des dernières décennies beaucoup de nouvelles idées et nouvelles visions ont été présentées dans les Études Urbaines.

Au STADSSALONSURBAINS nous proposons à des professeurs de renommée internationale de présenter leurs idées au public de Bruxelles. Les STADSSALONSURBAINS sont une série de conférences et projections documentaires présentées en anglais s’adressant aux professionnels urbains, aux étudiants et aux amoureux de la ville. 

STADSSALONSURBAINS #13: THE GLOBAL SUPER RICH

A lecture by Jon Beaverstock (University of Bristol, United Kingdom) where he will be exposing the on and offshore worlds of the global super rich.

Invited by the Cosmopolis Centre for Urban Research

La Brussels Academy est une université urbaine et citoyenne. Le lieu de rencontre pour tout le monde qui s’intéresse à Bruxelles et a envie d’en apprendre plus sur la ville. Plusieurs professeurs et experts urbains y partagent leurs connaissances concernant Bruxelles avec la société civile. Nous avons donc aussi besoin de vous! Envie de participer ? Vous pouvez consulter notre calendrier d’activités ici. Cliquez ici pour des images de nos sessions en cours ! C’est clair que ça cogite !

Bio Jon Beaverstock

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