On revient sur mon parcours, mes activités entre podcast et édition, le développement du podcast en 2025, ainsi que les accompagnements que je propose aujourd’hui aux photographes.

On parle aussi de la formation que j’ai lancée autour du livre photo, de mon lien avec le Japon et des projets à venir, notamment le passage au format vidéo.

Un épisode plus personnel pour mieux comprendre ce qui se joue derrière le podcast et les évolutions à venir. Bonne écoute !

00:00:47 – Mon parcours : études, débuts et premières expériences

00:02:26 – Départ au Japon et lancement en indépendante

00:03:05 – Projets d’édition et collaborations (Gallimard, Fisheye, etc.)

00:03:29 – Création du podcast et développement à l’international

00:04:43 – Croissance du podcast en 2025 et audience

00:06:00 – Accompagnement des photographes

00:06:39 – Lancement de la formation autour du livre photo

00:08:04 – Organisation de mon activité entre podcast et édition

00:08:50 – Comment je trouve mes projets d’édition

00:09:47 – Mon lien avec le Japon et projets à venir

00:11:16 – Organisation, rythme de publication et équilibre perso

00:12:12 – Objectif 2026 : passer au format vidéo

Lien vers mon questionnaire pour vous aider à faire un point sur votre carrière artistique : https://bit.ly/carriereartistique

Lien vers mon questionnaire pour vous aider à faire un point sur votre projet de livre : https://bit.ly/LVDLPlivrephoto

Lien vers mes formations livre photo : https://marinelefort.fr/pour-les-photographes/

Mon site : https://marinelefort.fr/

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Dans cet épisode enregistré au Lavoir Numérique le dimanche 15 mars 2026, nous discutons avec Lee Shulman, photographe et réalisateur du documentaire I Am Martin Parr.

Nous revenons sur sa rencontre avec Martin Parr, figure majeure de la photographie contemporaine, et sur la manière dont cette relation a donné naissance à un film à la fois intime et immersif. Lee nous raconte les coulisses de ce tournage atypique, réalisé en équipe réduite, au plus près du photographe, ainsi que les défis rencontrés pour capter son regard si singulier sur le monde.

On parle aussi de processus créatif, d’amitié, d’imprévus, mais aussi de la place de la photographie aujourd’hui, notamment en France, et de ce qui distingue profondément Martin Parr dans l’histoire de l’image.

Enfin, Lee nous partage ses projets à venir, entre documentaire et exploration des obsessions humaines à travers la collection.

Bonne écoute !

Documentaire sur francetv : https://www.france.tv/documentaires/documentaires-art-et-culture/6899224-i-am-matin-parr-le-photographe-so-british.html

Exposition au Jeu de Paume : https://jeudepaume.org/evenement/martin-parr-global-warning/

Instagram de Lee Shulman : https://www.instagram.com/lee.shulman/

Site de The Anonymous Project : https://www.anonymous-project.com/

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Nous revenons sur sa rencontre avec Martin Parr, figure majeure de la photographie contemporaine, et sur la manière dont cette relation a donné naissance à un film à la fois intime et immersif. Lee nous raconte les coulisses de ce tournage atypique, réalisé en équipe réduite, au plus près du photographe, ainsi que les défis rencontrés pour capter son regard si singulier sur le monde.

On parle aussi de processus créatif, d’amitié, d’imprévus, mais aussi de la place de la photographie aujourd’hui, notamment en France, et de ce qui distingue profondément Martin Parr dans l’histoire de l’image.

Enfin, Lee nous partage ses projets à venir, entre documentaire et exploration des obsessions humaines à travers la collection.

Bonne écoute !

00:02:00 — Contexte du documentaire et du travail de Martin Parr

00:05:00 — Son approche de la photographie documentaire

00:08:30 — L’usage de la couleur et la rupture avec les codes classiques

00:11:00 — Un photographe controversé : critiques et incompréhensions

Échange avec le public

00:14:13 — Photographie amateur vs photographie d’auteur

00:16:00 — Questionner ce qu’est une “bonne image”

00:17:00 — Son regard sur les gens : moquerie ou empathie ?

00:19:00 — Sa manière d’approcher les inconnus

00:22:00 — Pourquoi Martin Parr a marqué l’histoire de la photo

00:23:30 — Le rejet initial… devenu reconnaissance

00:25:00 — Une œuvre accessible au grand public

00:27:20 — La quête de l’image forte

00:28:00 — Être photographe, c’est choisir ses images

Documentaire sur francetv : https://www.france.tv/documentaires/documentaires-art-et-culture/6899224-i-am-matin-parr-le-photographe-so-british.html

Exposition au Jeu de Paume : https://jeudepaume.org/evenement/martin-parr-global-warning/

Instagram de Lee Shulman : https://www.instagram.com/lee.shulman/

Site de The Anonymous Project : https://www.anonymous-project.com/

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Dans cet épisode, Ericka revient sur plus de vingt ans d’évolution des médias photographiques en ligne, en plaçant au cœur de son engagement deux axes fondamentaux : soutenir les acteurs et actrices du milieu de la photographie, mais aussi savoir en dénoncer les dérives. Elle raconte son parcours, depuis ses débuts au sein du premier journal photo en ligne, photographie.com, jusqu’à la création de son propre média.

Nous évoquons le choix fort qu’elle a fait de dissocier ses activités rémunératrices de journaliste pigiste de 9 Lives, afin de préserver une liberté éditoriale totale. Cette indépendance lui permet de défendre des causes qui lui tiennent à cœur, comme la dénonciation de l’omniprésence du mâle blanc dans le milieu de la photographie, les abus de certains prix photo ou encore les questions liées aux droits de représentation des photographes.

Ericka partage également son analyse lucide de l’avenir de la presse et du secteur photographique, ainsi que de nombreux conseils pour celles et ceux qui souhaitent lancer un média photo ou s’engager professionnellement dans la photographie aujourd’hui.

Un épisode engagé et sans détour, pour mieux comprendre les enjeux politiques, économiques et éthiques du monde de la photo.

Bonne écoute !

00:01:00 – Débuts chez photographie.com, premier journal photo en ligne

00:04:23 – Fermeture des médias papier et lancement de projets dans l’événementiel

00:06:50 – Le Journal de la photographie, L’Œil de la photographie et les ruptures professionnelles

00:11:00 – Création de 9 Lives Magazine et choix de l’indépendance éditoriale

00:21:30 – La grille éditoriale et le travail avec Marie de La Freney

00:34:40 – L’avenir du métier : paupérisation des photographes et saturation du marché

00:38:00 – Avancées et combats : droits, représentation et crise de la presse

00:40:40 – Conseils aux photographes : rémunération, droits d’auteur et refus du « payé en visibilité »

00:45:30 – Évolution du modèle économique des photographes

00:46:00 – Perspectives futures : écologie, mobilité et nouvelles pratiques

Site de 9 Lives Magazine : https://www.9lives-magazine.com/

LinkedIn d’Ericka Weidmann : https://www.linkedin.com/in/erickaweidmann/

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Dans cet épisode, nous discutons avec Daphné Juster, avocate spécialisée en droit d’auteur et en propriété intellectuelle, qui accompagne depuis des années de nombreux photographes, notamment des membres de Magnum, dans la protection, la transmission et la valorisation de leur œuvre.

Nous parlons de donations d’archives à la MPP, de dispositions testamentaires, de conservation des fonds photographiques, mais aussi de numérotation des tirages, de négociation de contrats d’édition, d’expositions, de produits dérivés ou encore de relations avec les galeries.

Daphné partage également des conseils très concrets pour les photographes d’aujourd’hui : comment conserver les preuves de sa paternité à l’ère du numérique, pourquoi archiver ses mails, ses contrats, ses factures, et anticiper dès maintenant la transmission de son travail.

Nous abordons enfin les enjeux liés à l’intelligence artificielle, aux évolutions du droit d’auteur et à l’importance du collectif dans la défense des photographes.

Un épisode dense, passionnant, et essentiel pour toutes celles et ceux qui souhaitent mieux protéger leur travail et comprendre les mécanismes juridiques qui structurent le monde de la photographie.

Bonne écoute !

Site de Daphné Juster : https://daphnejuster.fr/

Instagram de Daphné Juster : https://www.instagram.com/daphnejuster/

LinkedIn de Daphné Juster : https://www.linkedin.com/in/daphne-juster-4a0b19105/

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Nous parlons de donations d’archives à la MPP, de dispositions testamentaires, de conservation des fonds photographiques, mais aussi de numérotation des tirages, de négociation de contrats d’édition, d’expositions, de produits dérivés ou encore de relations avec les galeries.

Daphné partage également des conseils très concrets pour les photographes d’aujourd’hui : comment conserver les preuves de sa paternité à l’ère du numérique, pourquoi archiver ses mails, ses contrats, ses factures, et anticiper dès maintenant la transmission de son travail.

Nous abordons enfin les enjeux liés à l’intelligence artificielle, aux évolutions du droit d’auteur et à l’importance du collectif dans la défense des photographes.

Un épisode dense, passionnant, et essentiel pour toutes celles et ceux qui souhaitent mieux protéger leur travail et comprendre les mécanismes juridiques qui structurent le monde de la photographie.

Bonne écoute !

00:00:00 – Présentation de Daphné Juster et de son activité d’avocate spécialisée en droit d’auteur

00:05:00 – Accompagnement des photographes dans les donations d’archives à la MPP

00:30:05 – Comment s’organisent concrètement les donations et les dispositions testamentaires

00:32:00 – Le rôle unique de la MPP dans la protection du patrimoine photographique

00:35:30 – Conseils juridiques pour les photographes : anticiper, conserver et structurer ses archives

00:36:00 – L’importance de garder les preuves : mails, contrats, publications, métadonnées

00:39:40 – Transmission et pédagogie : intervenir dans les écoles et festivals photo

00:44:00 – L’intelligence artificielle face au droit d’auteur

00:48:00 – Les évolutions législatives en cours et les enjeux collectifs

00:49:00 – Négociation de contrats d’édition, expositions, galeries et produits dérivés

00:52:00 – Numérotation des tirages : règles, stratégies et erreurs fréquentes

00:55:00 – Protéger les auteurs dans le futur : vigilance, archives et mobilisation collective

Site de Daphné Juster : https://daphnejuster.fr/

Instagram de Daphné Juster : https://www.instagram.com/daphnejuster/

LinkedIn de Daphné Juster : https://www.linkedin.com/in/daphne-juster-4a0b19105/

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Dans cet épisode, Marie Moulin nous parle de son métier, de sa formation et revient en détail sur les différentes étapes des projets qu’elle mène, depuis la compréhension du brief jusqu’à la production des images. Elle explique le rôle central de l’acheteur·se d’art dans les commandes commerciales et l’importance du travail collectif, bien au-delà de la seule figure du photographe.

Nous évoquons les évolutions du métier, notamment la demande croissante de productions photo et vidéo, ainsi que les attentes des marques de luxe, à la recherche de photographes capables de mettre en valeur leurs produits tout en affirmant une véritable patte artistique. Marie partage également son regard sur la forte demande de contenus à durée de vie très courte pour les réseaux sociaux, qui pousse certaines marques à produire vite et à moindre coût, mais qui peut aussi devenir une opportunité de réinvention pour les créatifs.

Elle livre enfin de nombreux conseils à destination des photographes comme des acheteurs d’art, en insistant sur l’importance du travail personnel, du réseau et de la capacité à faire dialoguer contraintes marketing et ambitions artistiques.

Un épisode éclairant pour mieux comprendre les coulisses de la production d’images commerciales aujourd’hui.

Bonne écoute !

00:01:00 – Le métier d’acheteuse d’art : définition et missions

00:07:00 – Formation en langues étrangères appliquées, communication et histoire de l’art

00:09:00 – Expériences en agences : d’Arcy, Australie, Fred & Farid

00:18:00 – Commanditaires, créatifs et étapes de production des projets

00:22:00 – Évolutions du métier et attentes des marques de luxe

00:29:13 – Explosion de la demande de contenus courts pour les réseaux sociaux

00:34:00 – Le premier confinement : arrêt des shootings et prise de conscience des marques

00:36:00 – Retour à l’artisanat et à l’argentique dans la jeune scène photographique

00:40:30 – Conseils aux photographes : technique, posture et dialogue avec les marques

00:42:30 – Travail personnel, réseau et engagement au sein des Filles de la Photo

00:46:30 – Conseils aux acheteurs d’art : repenser les modes de production

Site de Marie Moulin : https://www.mariemoulin.com/

LinkedIn de Marie Moulin : https://www.linkedin.com/in/marie-moulin-0a58b44b/

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Dans cet épisode, je reçois Pauline Caplet, commissaire d’exposition et fondatrice de L’Enfant Sauvage, un espace bruxellois dédié à la photographie contemporaine. Nous revenons sur son parcours, son évolution en tant que photographe à la curation, et sur la manière dont elle accompagne les artistes dans le développement de leurs expositions.

Pauline nous parle de la genèse de L’Enfant Sauvage, de ses valeurs et de sa volonté de créer un lieu ouvert, où la photographie dialogue avec d’autres formes artistiques. Elle revient également sur les réalités de son métier et la production d’expositions.

Nous évoquons aussi les enjeux actuels pour les jeunes artistes, la manière de prendre contact avec une galerie et la construction d’une programmation solide. Enfin, Pauline partage ses inspirations, ses projets en cours et les initiatives mises en place pour renforcer la communauté autour de la galerie.

Bonne écoute !

Site de l'Enfant Sauvage : https://www.enfantsauvagebxl.com/

Instagram de l'Enfant Sauvage : https://www.instagram.com/enfantsauvagebxl/

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Pauline nous parle de la genèse de L’Enfant Sauvage, de ses valeurs et de sa volonté de créer un lieu ouvert, où la photographie dialogue avec d’autres formes artistiques. Elle revient également sur les réalités de son métier et la production d’expositions.

Nous évoquons aussi les enjeux actuels pour les jeunes artistes, la manière de prendre contact avec une galerie et la construction d’une programmation solide. Enfin, Pauline partage ses inspirations, ses projets en cours et les initiatives mises en place pour renforcer la communauté autour de la galerie.

Bonne écoute !

00:00:01 – Introduction du podcast

00:00:19 – Présentation de Pauline Caplet, fondatrice de L’Enfant Sauvage

00:01:00 – Le parcours personnel : enfance, premier rapport à l’image

00:03:00 – Études et découverte progressive de la photographie

00:06:30 – Premiers projets curatoriaux et entrée dans le milieu artistique

00:10:20 – La création de L’Enfant Sauvage : origine, intentions, positionnement

00:18:40 – Sélection des artistes : critères, cohérence, échanges avec les photographes

00:23:00 – Comment Pauline accompagne les artistes dans une exposition (editing, scénographie, rythme)

00:29:50 – Les réalités quotidiennes d’une galerie indépendante à Bruxelles

00:33:30 – Construire une communauté : événements, rencontres, espace d’échange

00:40:06 – Présentation de l’adhésion annuelle et des cafés photo mensuels

00:40:57 – Inspirations culturelles : Annie Ernaux, Nan Goldin, Lynch, Patti Smith…

Site de l'Enfant Sauvage : https://www.enfantsauvagebxl.com/

Instagram de l'Enfant Sauvage : https://www.instagram.com/enfantsauvagebxl/

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Dans cet épisode, François Hébel revient sur l’ensemble de sa carrière au sein d’institutions majeures de la photographie : son premier passage aux Rencontres d’Arles dans les années 1980, puis sa direction du festival en 1986-1987 et de 2001 à 2014, son rôle de premier directeur de Magnum Photos de 1987 à 2000, alors que l’agence traversait une période critique, ainsi que ses fonctions de vice-président de l’agence Corbis. Nous évoquons également son travail à la Fondation Henri Cartier-Bresson et la cofondation de la Biennale Foto/Industria à Bologne.

Nous parlons d’innovation dans le champ culturel, de direction artistique, de prise de risque, et de l’importance de s’entourer d’équipes solides pour mener les projets au bout. François Hébel partage aussi son regard sur les grandes évolutions du monde de la photographie, tant sur le plan technique que sur celui de la diffusion et de l’édition, ainsi que de précieux conseils à destination des artistes et des porteurs de projets.

Un épisode dense et stimulant, pour mieux comprendre les coulisses des institutions photographiques et les dynamiques qui façonnent le milieu depuis plusieurs décennies.

Bonne écoute !

00:02:36 – Enfance dans une famille de journalistes et de comédiens, études et premiers choix de carrière

00:04:26 – La direction artistique : dire « non », prendre des risques et défendre les projets

00:05:18 – Son passage aux galeries photo de la Fnac dans les années 1980

00:07:00 – Premier passage aux Rencontres d’Arles et recherche de nouveaux lieux d’exposition

00:11:20 – Direction de Magnum Photos : relance, numérisation, diversification des activités

00:18:50 – Vice-présidence chez Corbis et retour aux Rencontres d’Arles (2001–2014)

00:25:30 – Innover dans un festival : nouveaux formats, prolongation des Rencontres, lectures de portfolios

00:33:00 – S’entourer de la meilleure équipe pour mener les projets à terme

00:35:30 – Démission des Rencontres d’Arles, Fondation HCB et Biennale Foto/Industria à Bologne

00:50:00 – Évolutions majeures du monde de la photographie

00:56:57 – La place de l’artiste dans la société

00:57:57 – Oser, persévérer et trouver sa place dans le circuit artistique

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Dans cet épisode, nous discutons avec Édouard de Saint Ours, historien de la photographie et responsable des collections photographiques au musée Guimet.

Nous revenons sur son parcours, son travail autour des photographies anciennes du Japon et les enjeux contemporains de la conservation et de la valorisation des fonds photographiques en institution.

Édouard nous raconte notamment la découverte et l’ampleur du fonds Dubois, l’un des ensembles les plus importants de photographies anciennes du Japon conservés en France, et les défis que pose le traitement de collections de cette taille. Nous abordons en détail le projet HikarIA, soutenu par France 2030, qui explore l’usage de l’intelligence artificielle pour la numérisation, le catalogage et la recherche en histoire de la photographie.

L’épisode est aussi l’occasion d’évoquer les enjeux éthiques de l’IA, la question de la représentativité des corpus, l’accessibilité des collections au public, ainsi que le rôle central des institutions publiques dans la conservation du patrimoine photographique.

Enfin, Édouard partage des conseils concrets pour celles et ceux qui souhaitent travailler dans les musées et les collections photographiques aujourd’hui, en insistant sur la spécialisation, la curiosité et l’importance des rencontres professionnelles.

Bonne écoute !

LinkedIn d'Edouard de Saint Ours pour suivre son actualité : https://www.linkedin.com/in/%C3%A9douard-de-saint-ours-493440158

Son Instagram : https://www.instagram.com/edesaintours/?hl=fr

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Nous revenons sur son parcours, son travail autour des photographies anciennes du Japon et les enjeux contemporains de la conservation et de la valorisation des fonds photographiques en institution.

Édouard nous raconte notamment la découverte et l’ampleur du fonds Dubois, l’un des ensembles les plus importants de photographies anciennes du Japon conservés en France, et les défis que pose le traitement de collections de cette taille. Nous abordons en détail le projet HikarIA, soutenu par France 2030, qui explore l’usage de l’intelligence artificielle pour la numérisation, le catalogage et la recherche en histoire de la photographie. On a aussi abordé le rôle essentiel de la Société des Amis du musée Guimet.

L’épisode est aussi l’occasion d’évoquer les enjeux éthiques de l’IA, la question de la représentativité des corpus, l’accessibilité des collections au public, ainsi que le rôle central des institutions publiques dans la conservation du patrimoine photographique.

Enfin, Édouard partage des conseils concrets pour celles et ceux qui souhaitent travailler dans les musées et les collections photographiques aujourd’hui, en insistant sur la spécialisation, la curiosité et l’importance des rencontres professionnelles.

Bonne écoute !

00:00:02 – Présentation d’Édouard de Saint Ours et de son rôle au musée Guimet

00:02:00 – Son parcours et sa spécialisation en histoire de la photographie en Asie

00:05:30 – Les collections photographiques du musée Guimet

00:09:00 – La Société des Amis du musée Guimet : rôle, rayonnement et mécénat

00:13:00 – Les acquisitions photographiques et l’exemple de Pierre-Élie de Pibrac

00:18:30 – Découverte et importance du fonds Dubois (photographies anciennes du Japon)

00:23:30 – Les enjeux budgétaires, de conservation et de numérisation des fonds photographiques

00:29:00 – Genèse du projet HikarIA et appel à projets France 2030

00:34:00 – L’usage de l’intelligence artificielle pour le catalogage et la recherche

00:39:30 – Découvrabilité, bases de données et nouveaux outils pour les chercheurs

00:44:00 – Collaboration avec les chercheurs et spécialistes internationaux

00:47:30 – Les défis liés à l’évolution rapide des technologies d’IA

00:51:00 – Photographies anciennes du Japon : mises en scène, contextes et interprétation

00:54:30 – Enjeux éthiques de l’IA et place de l’expertise humaine

00:55:50 – Conseils pour travailler dans un musée et dans la conservation photographique

00:59:00 – L’importance des rencontres, du réseau et de la curiosité professionnelle

LinkedIn d'Edouard de Saint Ours pour suivre son actualité : https://www.linkedin.com/in/%C3%A9douard-de-saint-ours-493440158

Son Instagram : https://www.instagram.com/edesaintours/?hl=fr

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Dans cet épisode, Brigitte revient sur son parcours, de son enfance dans le Berry à ses débuts dans la radio, en passant par son émission emblématique Regardez voir, qu’elle a animée sur France Inter de 2012 à 2019. Nous évoquons également son podcast Écoutez voir, produit par wave.audio, ainsi que ses projets actuels.

Elle nous parle de son engagement dans la transmission à travers les ateliers médias qu’elle mène à l’École des Métiers de l’Information et avec L’Œil de l’Esprit, de son rôle de vice-présidente du pôle photographique Stimultania à Strasbourg et Givors (réseau Diagonal), et des évolutions qu’elle observe dans le photojournalisme aujourd’hui. Enfin, elle partage de précieux conseils pour celles et ceux qui souhaitent solliciter un retour sur leur travail photographique auprès des journalistes.

Un épisode riche et inspirant, au croisement de la radio, de la photographie et de la transmission.

Bonne écoute !

00:02:08 – Enfance dans le Berry, première carrière d’institutrice et rencontre avec la radio

00:06:52 – La genèse de l’émission Regardez voir sur France Inter (2012–2019)

00:18:35 – Les coulisses du podcast Écoutez voir, produit par wave.audio

00:23:00 – Projets actuels : ateliers médias, portraits sonores et travail à la prison de Fleury-Mérogis

00:29:30 – Son rôle de vice-présidente du pôle photographique Stimultania

00:32:00 – Évolutions du champ photographique : IA, techniques anciennes, visibilité des femmes photographes

00:33:00 – Regards sur l’évolution du photojournalisme

00:44:00 – Conseils pour s’adresser à un·e journaliste et demander un retour sur son travail

Site de Brigitte Patient : https://www.brigittepatient.com/

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Dans cet épisode, nous échangeons avec Françoise Denoyelle, historienne de la photographie, commissaire et auteur et précédemment enseignante à l’École nationale supérieure Louis-Lumière. Elle revient sur son parcours, son entrée dans le secteur de la photographie avec des photographes depuis sa thèse en 1991 portant sur Le marché et les usages de la photographie à Paris pendant l’entre-deux-guerres jusqu’à ses collaborations récentes comme son rôle de conseillère historique sur le film Germaine Krull, la photographie ou la vie, réalisée par Audey Gordon.

Françoise nous parle également de son engagement dans les comités scientifiques, des enjeux de transmission, et de la place de la photographie dans l’histoire culturelle.

Un épisode essentiel pour mieux comprendre la construction du paysage photographique français et les transformations du métier au fil des décennies.

Bonne écoute !

LinkedIn de Françoise Denoyelle pour suivre son actualité : https://www.linkedin.com/in/francoise-denoyelle-5b2b1844/

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Françoise nous parle également de son engagement dans les comités scientifiques, des enjeux de transmission, et de la place de la photographie dans l’histoire culturelle.

Un épisode essentiel pour mieux comprendre la construction du paysage photographique français et les transformations du métier au fil des décennies.

Bonne écoute !

01:62 - Rencontre de Françoise Denoyelle avec la photographie

03:18 - Premières recherches à la Bibliothèque Nationale de France

10:50 - Approche novatrice de l’histoire économique de la photographie

12:52 - Développement de son réseau de photographes

16:10 - Projets marquants avec les étudiants à l'école Louis-Lumière

21:13 - Son engagement pour la valorisation du patrimoine photographique

26:15 - Création de l'association pour défendre les fonds photographiques

33:20 - Collaboration sur des projets de recherche et d’exposition

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Dans cet épisode, nous rencontrons Patrick Remy, éditeur et directeur artistique, connu pour son œil singulier et sa passion pour la photographie de mode et contemporaine. Il revient sur son parcours, depuis ses débuts à la radio jusqu’à la création de Patrick Remy Studio. Patrick partage avec nous sa vision du rôle d’un éditeur, l’évolution du marché du livre, ainsi que les choix éditoriaux derrière certains projets emblématiques, et de son engagement pour des objets éditoriaux audacieux.

Une conversation enrichissante pour quiconque s’intéresse à l’édition photographique et à la direction artistique.

Bonne écoute !

00:00:00 – Introduction de l’épisode et présentation de Patrick Remy

00:01:12 – Ses débuts à la radio

00:04:26 – Le passage de la direction artistique à l’édition de livres photo

00:08:52 – Qu’est-ce qu’un bon éditeur en photographie ?

00:12:30 – Création du Patrick Remy Studio et ligne éditoriale

00:15:45 – Le rapport aux artistes et aux images fortes

00:23:40 – La fabrication des livres : format, matériaux, budget

00:27:20 – La question du public et de la diffusion des ouvrages

00:30:45 – L’évolution du marché du livre photo depuis les années 2000

00:35:00 – L’importance du regard curatorial dans l’édition indépendante

00:39:10 – Projets récents et à venir du Patrick Remy Studio

00:43:00 – Conseils pour les jeunes photographes souhaitant être publiés

00:46:12 – La singularité comme force éditoriale

Le compte Instagram de Patrick Remy : https://www.instagram.com/patrickremystudio/

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Jean-Jacques Farré, auprès des photos à Libération et Télérama, partage son parcours, depuis ses débuts à l’AFP jusqu’au lancement de la revue LIKE en 2020. Il nous parle des évolutions technologiques qui ont rendu la création de revues plus accessible, les relations entre photographes et rédactions, et partage ses conseils pour publier ou créer une revue. Bonne écoute !

1:18 – Né dans la banlieue de Grenoble, issu d’une famille ouvrière immigrée espagnole. Marqué par des profs militants qui cherchaient à enseigner à tout le monde.

3:00 – Sa découverte de la presse : un voisin postier de nuit lui ramenait des journaux. Il découpait les photos et les colonnes pour recréer des pages.

5:00 – Reçoit un appareil photo comme cadeau de communion. Poussé par un camarade, il passe et réussit le concours des Beaux-Arts de Saint Etienne.

7:13 – Écrit au rédacteur en chef du journal Le Progrès de Saint-Étienne pour accompagner les photographes. Commence un travail au labo photo le week-end, gagnant plus que son père.

11:30 – Participe à des mouvements sociaux à Saint-Étienne, écrit des articles et remplace des correspondants.

15:50 – Comprend qu’il veut devenir journaliste. Monte à Paris avec une lettre de recommandation du Progrès et entre à l’AFP.

16:30 – À l’AFP, travaille au labo photo et découvre le monde des photographes de l’agence.

23:00 – Arrivée au journal Libération : met de l’ordre dans les archives photo et participe à la création de maquettes avec les directeurs artistiques du journal.

24:30 – Joie de collaborer avec des photographes comme Gilles Favier, Depardon, Doisneau, Salgado. Confiance totale entre les différentes équipes : photographes, maquettistes et rédacteurs.

31:45 – Intègre Télérama en 1996, monte un service photo dans les règles de l’art, puis revient en freelance, travaillant sur des projets variés.

40:00 – Lancement de la revue LIKE en 2020, un projet personnel qui rassemble ses apprentissages et met en avant les récits des photographes.

46:40 – Grâce aux avancées technologiques, produire une revue est plus accessible. Partenariat avec son imprimeur, Shira, pour assurer qualité et coûts raisonnables.

50:40 – Gestion du modèle économique de la revue LIKE : boutique en ligne, incitations aux abonnements, et communication quotidienne avec les abonnés.

55:45 – Découvre l’importance des tables de vente dans les salons pour promouvoir la revue, devenant un moteur principal de son développement.

1:00:00 – Conseils pour les photographes : proposer tous les genres et restituer les images de façon claire. Mention spéciale pour Alice Pallot et Marine Lagnier.

1:06:30 – Protocole pour être publié : se baser sur les sorties de livres photos et offrir un panorama large des pratiques photographiques.

1:08:15 – Conseils pour créer une revue : s’appuyer sur ses compétences, ne pas hésiter à copier pour apprendre, et se perfectionner au fil du temps.

1:11:10 – Accessibilité des techniques actuelles : être curieux et généreux. Le retour immédiat des lecteurs permet de progresser rapidement.

1:15:10 – Le prochain numéro de LIKE (n°19) sort en janvier, accompagné d’un hors-série.

Le site de la LIKE : https://www.touslesjourscurieux.fr/

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Dans cet épisode, nous rencontrons Daniel Regard, photograveur et cofondateur des Artisans du Regard, qui est aujourd'hui dirigé par son fils. Figure discrète mais essentielle de la chaîne du livre photographique, Daniel revient sur son parcours, de ses débuts dans la photogravure à la création de son atelier, reconnu pour la qualité de son travail et sa collaboration avec de nombreux éditeurs et artistes.

Nous évoquons l’importance du dialogue avec les photographes et éditeurs, ainsi que la transmission de ce savoir-faire au sein de sa famille et de son équipe.

Un épisode passionnant pour celles et ceux qui s’intéressent à la fabrication du livre photographique.

Bonne écoute !

Site des Artisans du Regard : http://lesartisansduregard.com/

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Nous évoquons l’importance du dialogue avec les photographes et éditeurs, ainsi que la transmission de ce savoir-faire au sein de sa famille et de son équipe.

Un épisode passionnant pour celles et ceux qui s’intéressent à la fabrication du livre photographique.

Bonne écoute !

00:01:25 – Parcours de Daniel Regard et débuts dans la photogravure

00:07:10 – Création des Artisans du Regard et travail en famille

00:10:57 – Le tournant vers la numérisation

00:15:49 – La rencontre avec l'éditeur Xavier Barral

00:20:00 – Création de l'atelier "Les Artisans du Regard"

00:29:53 – Les défis professionnels et personnels

00:36:00 – Collaboration et processus de travail

00:47:10 – Évolution technologique et métiers

00:55:29 – Travaille en famille et formation des nouvelles recrues

01:00:00 – Le métier de photograveur : conseils et perspectives

Site des Artisans du Regard : http://lesartisansduregard.com/

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Dans cet épisode, je reçois Christophe Huet, fondateur du studio ASILE, reconnu pour son expertise en retouche et en création d’images 3D au service de la publicité et des grandes marques.

Nous revenons sur son parcours, de ses débuts dans la photographie à la création de son propre studio, et sur la manière dont il a accompagné les mutations technologiques de ces vingt dernières années, de la postproduction traditionnelle à l’usage de la 3D, puis de l’intelligence artificielle.

Christophe partage son regard sur l’évolution des métiers de l’image, la transformation des budgets publicitaires après la crise du Covid, la collaboration avec les agences et les photographes, ainsi que les enjeux éthiques et écologiques liés à l’usage de l’IA dans la création.

Il revient également sur la formation des jeunes professionnels, le niveau technique attendu aujourd’hui, et sur l’importance de la rigueur et de la curiosité dans un environnement où les outils se renouvellent sans cesse.

Un échange franc et précis sur les réalités d’un métier en constante évolution, entre exigence artistique, contraintes économiques et bouleversements technologiques.

Bonne écoute !

Site d'Asile : https://asile-paris.com/

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Nous revenons sur son parcours, de ses débuts dans la photographie à la création de son propre studio, et sur la manière dont il a accompagné les mutations technologiques de ces vingt dernières années, de la postproduction traditionnelle à l’usage de la 3D, puis de l’intelligence artificielle.

Christophe partage son regard sur l’évolution des métiers de l’image, la transformation des budgets publicitaires après la crise du Covid, la collaboration avec les agences et les photographes, ainsi que les enjeux éthiques et écologiques liés à l’usage de l’IA dans la création.

Il revient également sur la formation des jeunes professionnels, le niveau technique attendu aujourd’hui, et sur l’importance de la rigueur et de la curiosité dans un environnement où les outils se renouvellent sans cesse.

Un échange franc et précis sur les réalités d’un métier en constante évolution, entre exigence artistique, contraintes économiques et bouleversements technologiques.

Bonne écoute !

00:01:20 – Parcours de Christophe Huet et création du studio ASILE

00:09:00 – Premiers projets, arrivée de la 3D et évolution du marché publicitaire

00:23:30 – Impact du Covid et transformation des commandes

00:38:00 – Le processus de création : entre retouche, 3D et photographie

00:52:00 – L’intelligence artificielle dans la production d’images

01:04:00 – Enjeux éthiques et écologiques liés à l’IA

01:13:00 – Conseils aux jeunes professionnels et aux photographes

01:18:00 – L’importance du collectif, de l’apprentissage et de la qualité

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In this episode, we talk with Diane Smyth, editor at the British Journal of Photography and an established writer and lecturer based in London. Alongside her role at BJP, Diane contributes to major publications such as The Guardian, FT Weekend Magazine, Aperture, Foam, and Apollo. She also collaborates with Photoworks, where she has contributed as an editor and writer. Diane teaches history and theory of photography at the London College of Communication and has curated exhibitions for The Photographers’ Gallery and the Lianzhou Foto Festival.

With Diane, we discuss her career path, her editorial practice, and how she approaches working with photographers. She also shares her thoughts on the shifts in photography over the past fifteen years, and offers advice for photographers, writers, and editors who want to better understand the editorial world.

Enjoy the episode!

British Journal of Photography's website: https://www.1854.photography/

Diane's Intagram account: https://www.instagram.com/dismy/?hl=fr

Link to my questionnaire to help you reflect on your artistic career: https://bit.ly/carriereartistique

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With Diane, we discuss her career path, her editorial practice, and how she approaches working with photographers. She also shares her thoughts on the shifts in photography over the past fifteen years, and offers advice for photographers, writers, and editors who want to better understand the editorial world.

Enjoy the episode!

01:30 – Diane Smyth’s academic background: from literature to photography

05:45 – Joining the British Journal of Photography

11:10 – What it means to be an editor: working with photographers and shaping stories

15:40 – Collaborating with Photoworks: editing projects and contributing as a writer

17:20 – Writing across formats: magazines, catalogues, and books

22:50 – Editing at BJP today: curating issues and defining editorial directions

28:15 – Teaching at London College of Communication: guiding new generations of photographers

34:00 – How photography has shifted in the last 10–15 years

44:30 – Balancing roles: editor, writer, lecturer

49:50 – Advice for aspiring editors, writers, and photographers

British Journal of Photography's website: https://www.1854.photography/

Diane's Intagram account: https://www.instagram.com/dismy/?hl=fr

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Dans cet épisode, nous recevons Lucie Moriceau-Chastagner, historienne de l’art et responsable des collections photographiques au Musée de l’Armée. Après un parcours au Service historique de la Défense (SHD), puis à l’Établissement de communication et de production audiovisuelle de la Défense (ECPAD), elle a rejoint en 2021 le musée de l’Armée.

Spécialiste des images de guerre – qu’elles soient historiques ou contemporaines –, elle revient sur son expérience de valorisation de ce patrimoine complexe, entre conservation, recherche et exposition. Lucie nous parle également de la résidence photographique du musée de l’Armée, lancée en 2022, qui ouvre un dialogue entre photographes contemporains et mémoire militaire.

Bonne écoute !

Site du musée de l'Armée : https://www.musee-armee.fr/accueil.html

et lien vers la résidence photographique : https://www.musee-armee.fr/minerve-le-musee-de-demain/residence-photographique.html

Lien vers la liste d'attente de ma formation Du projet à l’objet : les bons réflexes pour réussir votre livre photo : https://forms.gle/eG9svk51rrYhhJ7X8

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Spécialiste des images de guerre – qu’elles soient historiques ou contemporaines –, elle revient sur son expérience de valorisation de ce patrimoine complexe, entre conservation, recherche et exposition. Lucie nous parle également de la résidence photographique du musée de l’Armée, lancée en 2022, qui ouvre un dialogue entre photographes contemporains et mémoire militaire.

Bonne écoute !

00:28 – Présentation de Lucie Moriceau-Chastagner : historienne de l’art, responsable des collections photo au Musée de l’Armée, ancienne responsable de la médiation à l’ECPAD.

01:23 – Définir la photographie militaire : représentations du fait militaire par militaires, civils, amateurs et studios.

08:12 – Début du parcours académique : école du Louvre, recherche et muséologie ; stage à la BNF auprès de Maxime Préaud.

17:40 – Premiers travaux au Service historique de la Défense (SHD) : conseil aux chercheurs et constitution de dossiers d’œuvres.

22:15 – Articulation SHD / ECPAD : complémentarité entre archives et production audiovisuelle.

23:05 – Treize ans à l’ECPAD : évolution du statut, concours et missions documentaires.

30:38 – Arrivée au Musée de l’Armée en 2021 et missions de conservatrice des collections photo (plus de 100 000 phototypes).

34:34 – Lancement de la résidence photographique du musée de l’Armée en 2022, en lien avec l’exposition Photographie en guerre.

39:48 – Constitution du jury et premières candidatures, dont Alice Broyer et Guillaume Herbaut.

53:49 – Conseils aux jeunes chercheurs : ouverture disciplinaire, histoire de la photographie et approche critique des images de conflits.

55:03 – Exposition Photographie en guerre et acquisitions récentes, notamment de Laurent Van der Stockt.

01:02:00 – Travail en réseau et circulation des projets au sein des musées et festivals de photographie.

01:03:00 – Invitation à découvrir les collections et la résidence photographique au musée de l’Armée.

Site du musée de l'Armée : https://www.musee-armee.fr/accueil.html

et lien vers la résidence photographique : https://www.musee-armee.fr/minerve-le-musee-de-demain/residence-photographique.html

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Mes deux formations sont constituées de plus de 23 modules avec des vidéos courtes d’environ 5 minutes pour que vous passiez rapidement à l’action + une cinquantaine d’exercices.

1 - À quoi ressemblent les exercices ?

2 - Ces formations m’aideront-elles si je veux être publié par un éditeur, ou sont-elles uniquement pour l’auto-édition ?

2 - Les formations seront-elles toujours accessibles après le 26 octobre ?

3 - Puis-je suivre la Formation 1 sans prendre la Formation 2 ?

4 - Y a-t-il des conseils individuels ?

N’hésitez pas à me contacter sur mes réseaux sociaux ou mon email lesvoixdelaphoto@gmail si vous avez une question. Merci de votre écoute et à très bientôt pour un nouvel épisode des Voix de la Photo !

Les formations sont disponibles sur ces deux liens :

→ Formation 1 - Transformez vos photos en livre : 129€

→ Formation 2 - Financer, diffuser et vendre son livre photo : 179€

Durant la période de lancement, jusqu’au 25 octobre, un prix réduit sera proposé, ainsi qu’un rendez-vous de travail offert d’1h30 en visio pour échanger ensemble sur votre projet d’édition.

-> Comment bénéficier de l'offre de lancement ? En allant sur chacune des pages de vente, vous trouverez l’offre de lancement (jusqu’à dimanche.)

Pour recevoir toutes les informations :

👉 https://lanewsletterdesvoixdelaphoto.substack.com/

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Dans cet épisode, je reçois Olivier Jezequel, agent de photographes et producteur chez LGA. Fort d'une vingtaine d'années d’expérience en tant qu'agent, Olivier accompagne des photographes de renommée internationale comme de jeunes talents, en France et à l’étranger.

Nous revenons sur son parcours, ses missions d’agent et de producteur, son regard sur l’évolution du métier, ainsi que les défis actuels : budgets, IA, RSE, marché du luxe…

Il partage aussi des conseils concrets pour les photographes professionnels : comment approcher un agent, se démarquer dans un marché saturé et construire une carrière sur le long terme.

Bonne écoute !

Site LGA : https://www.lgamanagement.com/

Instagram LGA : https://www.instagram.com/lgamanagement/

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Dans cet épisode spécial, je présente la formation que j’ai conçue pour accompagner les photographes qui souhaitent créer un livre photo : de l’idée initiale jusqu’à la diffusion avec mon compagnon Florian.

Née de cinq années de rencontres et d’échanges avec tous les professionnels du milieu de photographie et de sept années dans le milieu de l'édition (Beaux Arts & cie, Gallimard, Fisheye, The Eyes et le Chêne), cette formation propose une approche claire, structurée et réaliste de l’édition photographique.

J’y partage une méthode structurée et réaliste pour penser et construire un projet éditorial cohérent, tout en abordant les aspects créatifs, pratiques et stratégiques de l’édition photographique.

La formation sera disponible à partir du 22 octobre.

Durant la période de lancement, jusqu’au 25 octobre, un prix réduit sera proposé, ainsi qu’un rendez-vous de travail offert d’1h30 en visio pour échanger ensemble sur votre projet d’édition.

Pour recevoir toutes les informations :

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Instagram de Florian, designer-artisan : https://www.instagram.com/fact.atelier/

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Nous revenons sur son parcours, ses missions d’agent et de producteur, son regard sur l’évolution du métier, ainsi que les défis actuels : budgets, IA, RSE, marché du luxe…

Il partage aussi des conseils concrets pour les photographes professionnels : comment approcher un agent, se démarquer dans un marché saturé et construire une carrière sur le long terme.

Bonne écoute !

00:02 – Présentation d’Olivier Jezequel, agent et producteur chez LGA.

03:15 – Son parcours avant LGA.

08:42 – Différences entre production et rôle d’agent.

12:05 – LGA à Paris, Londres et New York.

15:30 – Son travail avec des artistes comme Steve McCurry.

18:50 – Le processus de sélection et d’accompagnement des photographes représentés.

23:10 – L’importance des relations humaines et de la confiance avec les clients.

27:25 – Évolution du marché : digital, réseaux sociaux, “content factories”.

29:35 – L’arrivée de la vidéo et du “moving image” dans les campagnes.

32:47 – L’IA : limites actuelles, risques d’uniformisation et place de l’émotion.

36:10 – Suivre sa vision artistique plutôt que les modes.

40:20 – Enjeux environnementaux : voyages, compensations carbone et greenwashing.

45:34 – Impact du ralentissement du marché du luxe et de la Chine.

47:17 – Comment est rémunéré un agent : pourcentages et droits.

51:40 – Conseils pour contacter un agent par e-mail.

53:02 – Construire une carrière : patience, étapes, résilience.

56:52 – Importance d’être ouvert et mobile : expériences à l’étranger.

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In this episode, we speak with Max Gorbatskyi, curator at Open Eye Gallery in Liverpool and co-organizer of the Ukrainian Pavilion at the Venice Biennale with Viktoria Bavykina. Max takes us behind the scenes of this major international event: how they built a team from scratch, fundraised under pressure, and navigated the responsibilities of representing Ukraine on the world stage.

We also explore the exhibition HOME, presented during Eurovision 2023 in Liverpool, and its unique approach to bringing Ukrainian photography into everyday public spaces. Max reflects on the resilience and evolution of contemporary Ukrainian photography since the war began, and shares grounded advice for curators and photographers working under challenging political and social conditions.

He also introduces Ukrainian. Photographies, an online platform and living archive showcasing works by Ukrainian photographers and featuring diverse international perspectives on photographic practices in and about Ukraine.

A vital conversation on art, politics, and the quiet power of cultural institutions. Enjoy the episode!

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00:30 – Introduction: Max Gorbatskyi and his role at Open Eye Gallery

04:10 – His early curatorial path and how he connects to Ukrainian photography

10:35 – Organizing the Ukrainian Pavilion at Venice Biennale with Viktoria Bavykina: building the team and fundraising

17:10 – The reality of being both curator and project manager

21:20 – Collaboration between Open Eye and Ukrainian initiatives

24:00 – The HOME exhibition during Eurovision 2023 and its outreach across Liverpool

28:00 – What HOME means in a context of war, displacement, and identity

31:00 – Building community through photography in times of instability

33:40 – How Ukrainian photography is evolving in response to the war

38:10 – On the international interest in Ukrainian art and the shift from post-Soviet narratives

41:20 – Max’s advice to young curators: the importance of organization, realism, and communication

45:10 – Advice to photographers: be clear on your intentions and understand your audience

47:20 – Why art cannot be separated from politics

50:00 – Final thoughts on influence, resilience, and working with meaning

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Dans cet épisode hors-série disponible aussi en format vidéo sur YouTube, je suis avec Thomas Hammoudi, photographe, auteur et créateur des sujets de la photographie. Ensemble, on a décortiqué toutes les façons de rater un livre photo, de l’idée de départ à la promotion finale. Un échange sans langue de bois, truffé de conseils concrets pour les professionnels de la photographie. Retrouvez la deuxième partie de notre discussion sur la chaîne YouTube de Thomas Hammoudi.

Bonne écoute !

Chaîne YouTube de Thomas : https://www.youtube.com/c/thomashammoudi

Site Le Chineur de livres photos : https://apps.thomashammoudi.com/

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Bonne écoute !

00:02 - Introduction de Marine Lefort et Thomas Hammoudi

01:21 - Format de l'épisode et genèse de la discussion

02:13 - Découverte de la photographie par Thomas Hammoudi

02:23 - Recherches et démarrage sur YouTube

04:27 - Passion pour les livres photo et déménagements

05:39 - Présentation du site "Le Chineur de livres photos"

Nos conseils

06:39 - Importance de la maquette et du design dans un livre photo

09:59 - Importance d'un fil conducteur dans un livre photo

13:22 - Importance des textes et de se faire accompagner

17:32 - Conseil sur la prise en compte du lecteur

20:42 - Conclusion et invitation à suivre la suite sur YouTube

Chaîne YouTube de Thomas : https://www.youtube.com/c/thomashammoudi

Site Le Chineur de livres photos : https://apps.thomashammoudi.com/

Collaboration commerciale

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Sylvain Besson est le directeur des collections du musée Nicéphore Niépce et dans cet épisode on a parlé de son arrivée à un moment décisif du musée et de ses vingt ans dans cette structure. Il nous a expliqué que l’on est actuellement dans une période charnière où il est particulièrement important d’être vigilant sur la sauvegarde de certains fonds de photographes du 20e siècle qui travaillaient à l’argentique. On a abordé les évolutions des métiers de la conservation et en particulier la prise en compte des aspects écologiques dans la gestion de fonds de photographes. Bonne écoute !

3:30 – Sa formation : depuis la biologie cellulaire aux métiers de la documentation. Son arrivée au musée Nicéphore Niépce à un moment déterminant dans l’histoire du musée.

11:40 – La plupart des collections ont été acquises par le premier directeur de la structure Paul Geai, le directeur François Cheval a posé les bases intellectuelles de ces collections et Sylvain Besson et son équipe continuent à acquérir et travailler sur les fonds. 

13:30 – Son équipe au sein du musée de plus de quarante personnes est composée de 8 personnes.

18:00 – En 2009, ils ont acheté l’ensemble de la production de Peter Knapp et Audrey Hoareau s’est consacrée au fonds de ce photographe pendant un an. Ce projet a permis en place une méthode de travail et le musée a acquis une trentaine de fonds entre 2009 et 2021. 

21:40 – Pendant de nombreuses années ils étaient seuls avec la MPP à recevoir des fonds de photographes, mais il a vu une prise de conscience depuis 5 ans par les ayants droit et les institutions.

28:00 – Délai de 3 ans en moyenne pour faire une expo, mais parfois délai beaucoup plus long pour traiter un fonds, car travail sur le temps long.

34:00 – Évolution du métier : avant on envoyait des diapositifs maintenant des wetransfer.

La thématique de l’écologie est très présente chez les artistes du point de vue de leurs recherches artistiques, mais aussi sur l’aspect écologique ou non écologique de leur pratique.

38:30 – Le passage de l’argentique au numérique :

- Un fonds de photo argentique pollue avec : des pochettes et cartons neutres, une température maintenue basse et un fonds de photo argentique pouvait être rangés dans une étagère

- Un fonds de photographie pollue également avec les différents disques durs et serveurs et avec un volume de photos souvent plus important à traiter

45:00 – Période intéressante, car passage de l’argentique au numérique durant laquelle les photographes qui ont travaillé au 20e sont en train de nous quitter.

48:00 - Son conseil pour des ayants droit ou photographes et de se renseigner en ligne et d’aller voir les institutions pour pouvoir préparer au mieux une potentielle acquisition plus tard.

53:00 – Gérer le fonds d’un photographe c’est gérer de l’humain que ce soit le photographe directement, les ayants droit ou les agents.

Site du musée : https://www.museeniepce.com/

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Clément Chéroux, directeur de la Fondation Henri Cartier-Bresson revient sur son parcours et ses apprentissages durant ses expériences de conservateur en chef de la photographie au Centre Pompidou, au Musée d'art moderne de San Francisco, au MoMA à New York. Il nous explique les différences qu’il observe dans les méthodes de travail et la relation à la photographie entre la France et les Etats-Unis. Il nous présente les différentes activités de la Fondation Henri Cartier-Bresson qui fête ses 20 ans en 2023 : des expositions dans les murs de son espace parisien, des expositions itinérantes, des publications, un prix HCB, des conférences et des recherches actives sur le fond HCB et Martine Franck. La fondation HCB a principalement trois sources de financement privés : la billetterie, les dividendes du placement du capital de départ de la fondation et la recherche de mécénat (entreprise ou individuel). Bonne écoute !

2:00 – La découverte de Clément Chéroux avec la photo comme moyen d’expression.

5:00 – Ses études en histoire de l’art à Paris VIII puis à l’école de la photographie d’Arles. Cette double formation en photographie : théorique et plus pratique est à l’origine de son intérêt pour les pratiques photographiques.

9:20 – Son expérience de conservateur en chef de la photographie au Musée d'art moderne de San Francisco et au MoMA à New York et en particulier les différences dans les méthodes de travail.

17:00 – Il a travaillé en tant que conservateur de la photographie aux États-Unis et en France.

21:00 – La fondation fut créée en 2003 et reconnue comme fondation d’utilité publique. Lieu de préservation des fonds Henri Cartier-Bresson et sa femme Martine Franck.

26:30 – La seule fondation pour des photographes en France.

29:00 - Les projets de la fondation HCB : des expositions dans les murs de ses espaces et qui voyagent dans le monde entier, prix HCB qui récompense tous les deux ans un photographe avec une exposition et un catalogue, des publications, une librairie, un site, des conférences et des recherches sur les collections de la fondation.

35:00 – Un financement privé sans subvention composé principalement : de la billetterie, des dividendes du placement d’un capital de départ et de recherche de mécénat.

37:30 – Deux constats dans le milieu de la photo :

- La recherche de financement prend de plus en plus de place dans le travail des professionnels de la culture (c’était plus d’habituel aux EU, mais il observe le même phénomène en France.)

- Au milieu des années 80, les historiens, curateurs, journalistes s’intéressaient à la façon dont on est produite des images et depuis les années 90, on parle de la diffusion et il pense que le prochain focus sera sur le regardeur.

43:30 – Importance du processus d’apprentissage par l’erreur. Aussi, il veut mettre en garde contre l’apparente simplicité de la photographie. La photographie est un objet qui semble évident alors qu’au contraire la photographie demande du temps long de recherche.

Site de la Fondation Henri Cartier-Bresson : https://www.henricartierbresson.org/

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Nathalie Amae aime créer des concepts en s’inspirant de ce qui l’inspire. Elle a conceptualisé beaucoup de salons avec Rik Gadella : salon de philosophie, Artist Book, Paris Photo en 1997, Paris Design, le Parcours des mondes, … mais aussi le salon L’Antichambre et elle est actuellement la directrice artistique du festival de vidéo OVNi à Nice. Dans cet échange, Nathalie Amae nous interroge sur le statut de la photographie : est-ce une image ? est-ce un langage ? mais aussi sur le regardeur qui va interpréter l’image en fonction de son individualité. Bonne écoute !

1:40 – Qui est Nathalie Amae ?

Elle a rencontré Rik Gadella avec qui elle a participé à la conceptualisation et création de nombreux salons : un salon de la philosophie en 92-93, en 93, le salon itinérant dans des hôtels entre Paris, Cologne et New York Artist book. Salon itinérant, Paris, Cologne NY, Paris Photo en 1997, Paris Design, Le Parcours des mondes, …Puis Rik Gadella est allé au Laos où il a créé un jardin botanique.

16:00 – Elle a eu envie de travailler avec ses mains et plus avec sa tête. Elle a été ensemblière pour le cinéma dans le département décoration pendant 5 ans.

19:50 – Création d’une société de production, consulting, dans la création artistique avec en particulier la création du salon : l’Antichambre dans l’hôtel de la Nouvelle République à Paris.

29:00 – Directrice artistique du Festival de vidéo OVNi à Nice.

38:00 - Quand on a créé le collectif SAVAGE on s’est demandé : pourquoi la photographie ? Maintenant on peut se demander : la photographie est-elle une image ? est-ce un langage ?

40:50 – Le médium a changé. Mais rien n’a changé. On se pose toujours les mêmes questions : Pourquoi on a créé cette image ? Quelle est l’impact de cette image sur la vie ? 

42:45 - Je préfère une œuvre bancale que je sens viscérale qu’une œuvre bien léchée, décorative.

43:00 - L’œuvre est autant une présence au monde, une transmission et pas un état du monde. Une photo n’a pas toujours une injonction sociale ou pédagogique. 

Le LinkedIn de Nathalie Amae : https://www.linkedin.com/in/nathalie-amae-b83b89135/?originalSubdomain=fr

Le site du festival OVNi : https://www.ovni-festival.fr/

Le site du Collectif Savage : https://savagecollective.one/team

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Comme de nombreux interviewés à ce micro, Sylvie Hugues a plusieurs casquettes; elle est photographe, mais elle a aussi travaillé pendant 20 ans au magazine Réponses photo où elle a quitté le titre en tant que rédactrice en chef, elle est codirectrice artistique du festival du regard avec Mathilde Terraube, commissaire d’exposition, journaliste et elle a été élue en 2021 correspondante de la section photographie à l’Académie des Beaux Arts. Dans cet échange elle nous a dévoilé ses apprentissages pour comprendre l’évolution du milieu de la photographie : l’arrivée d’internet et la chute de la diffusion de la presse qui a provoqué l’écroulement des droits photo, le passage de l’analogique au numérique qui entraîne des soucis d’obsolescence technologique pour les logiciels et appareils photo, la plongée de la photographie dans le marché de l’art et la dictature des réseaux sociaux qui pousse à la reproduction d’un seul type d’images. Bonne écoute !

1'00 – Qui est Sylvie Hugues ?

3’50 – Elle a commencé à faire des photos de chantier et des films d’entreprises en tant qu’intermittente du spectacle en cinéma.

5’10 – Elle a participé au magazine Réponses photo depuis le début en tant que rédactrice jusqu’en 2014 en tant que rédactrice en chef. Ils cherchaient des photographes qui savaient écrire. Les trois piliers du magazine : pratique, esthétique et technique.

12’50 – L’arrivée d’internet a provoqué une chute de diffusion de la presse qui a provoqué un écroulement des droits photo. Et en même temps que la presse était menacée, un nouvel espace s’est construit avec le marché de l’art et des photographes ont voulu intégrer cet espace.

17’ – Après son licenciement il y a eu un mouvement de solidarité dans le milieu de la photo et elle a commencé à faire des lectures de portfolio, des formations, des collaborations avec des galeries et des suivis de projets d’artistes.

20’50 – Elle est désormais la directrice artistique du festival du regard avec Mathilde Terraube.

40’ – Une des évolutions dans le milieu de la photographie est que les photographes ont a la chance de pouvoir disposer d’une palette d’outils : photo numérique pour avoir des négatifs, tirer ses photos avec des procédés anciens et faire de l’argentique et le tirer soi-même.

50’05 – Ses conseils pour des photographes : la présentation du travail est très importante et elle insiste pour que les tirages soient présentés sous la forme de beau tirage. Il faut y aller et s’accrocher si on a la foi et qu’on est sincère. C’est difficile d’être photographe, car on se retrouve à travailler dossiers sur dossier et on doit aussi être actif sur les réseaux sociaux. Ils doivent avoir plein de talents.

55’45 – Je souhaite que les travaux des femmes et des hommes soient considérés de la même façon. On a un gros retard à rattraper car de nombreuses femmes ont été oubliées. Il y a des trous dans l’histoire de l’art.

Le LinkedIn de Sylvie Hugues : https://www.linkedin.com/in/sylvie-hugues-923b14162/

L'Instagram de Sylvie Hugues : https://www.instagram.com/sylviehugues/

Le site de Sylvie Hugues : http://www.sylviehugues.com/

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Bonne écoute !

00:00:02 – Introduction et présentation de la table ronde aux Rencontres d’Arles

00:01:44 – Pourquoi parler des droits d’auteur est essentiel aujourd’hui

00:04:00 – Définition du droit d’auteur et distinction entre droit patrimonial et droit moral

00:10:03 – Sabrina Ponti sur les étapes d’une commande et la confusion fréquente entre honoraires et droits d’auteur

00:13:00 – Les évolutions récentes du secteur et les difficultés de négociation

00:19:30 – Quels secteurs sont les plus à risque ?

00:21:00 – L’exemple de mobilisation des photographes d’architecture

00:22:30 – Clauses contractuelles à éviter absolument selon Cyrielle Gauvin

00:29:30 – Que faire en cas d’usage abusif ou non autorisé ?

00:36:30 – Le rôle-clé de l’iconographe dans la protection des droits

00:39:00 – Les différences de perception du droit d’auteur entre générations

00:44:20 – Les conseils pratiques des invitées pour protéger ses droits

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Dans cet épisode, nous discutons avec Gilles Désiré Dit Gosset, directeur de la Médiathèque du Patrimoine et de la Photographie (MPP) et Matthieu Rivallin, chef du département de la photographie à la MPP. Ensemble, ils nous racontent leur parcours respectif, mais surtout les coulisses de la plus importante collection photographique publique d’Europe.

Ils partagent avec nous le rôle central de la MPP dans la préservation du patrimoine architectural et photographique français, la manière dont les archives y sont collectées, classées et valorisées, ainsi que leurs liens avec les photographes, notamment via les dons de fonds. Un échange passionnant pour mieux comprendre comment les images rejoignent les collections publiques, comment elles sont conservées, et pourquoi il est important de créer librement son œuvre avant d’envisager sa transmission.

Bonne écoute !

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Ils partagent avec nous le rôle central de la MPP dans la préservation du patrimoine architectural et photographique français, la manière dont les archives y sont collectées, classées et valorisées, ainsi que leurs liens avec les photographes, notamment via les dons de fonds. Un échange passionnant pour mieux comprendre comment les images rejoignent les collections publiques, comment elles sont conservées, et pourquoi il est important de créer librement son œuvre avant d’envisager sa transmission.

Bonne écoute !

00:02:00 – Présentation de la Médiathèque du patrimoine et de la photographie (MPP)

00:05:00 – L’évolution historique de la collection photographique de la MPP

00:10:00 – Le parcours de Gilles Désiré Dit Gosset

00:18:00 – Le parcours de Matthieu Rivallin et ses débuts à la MPP

00:22:00 – Rôles respectifs au sein de la MPP : publications, expositions, gestion des fonds

00:24:30 – Comment un fonds entre dans une collection publique comme la MPP : étapes, critères, relations

00:29:00 – Le lien humain et de confiance avec les photographes donateurs

00:33:00 – L’équipe de la MPP : métiers, missions, fonctionnement interne

00:38:00 – Conseils aux photographes : anticiper, organiser, valoriser son fonds

00:43:00 – Diffusion, numérisation et accès aux images

00:49:00 – Valorisation éditoriale : livres, expositions et politique culturelle

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In this episode, we speak with Alona Pardo, Director of the Arts Council Collection in the UK and formerly curator at the Barbican Art Gallery in London, where she worked for 15 years. With a curatorial focus on photography and film, Alona shares insights from her exceptional career, reflecting on the exhibitions she has led — from Masculinities: Liberation through Photography to RE/SISTERS: A Lens on Gender and Ecology, and The Infinite Woman. We explore her approach to building meaningful, socially engaged exhibitions, her collaborations with international institutions and artists, and her evolving role as a curator working across both public collections and contemporary art contexts. Alona also offers invaluable advice to photographers and curators navigating the changing landscape of visual culture.

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00:02:45 – Alona Pardo introduces her background and curatorial journey

00:07:20 – From art school to the Barbican: early career steps

00:10:45 – Curating Masculinities: origins, scope and impact

00:16:30 – Working on Claudia Andujar: The Yanomami Struggle and activist photography

00:21:00 – How RE/SISTERS took shape and why gender and ecology matter

00:25:30 – Building exhibitions around research and archives

00:30:10 – Managing large-scale shows and collaborating with artists

00:35:40 – On curation as interpretation and storytelling

00:40:20 – Advice to photographers looking to collaborate with institutions

00:47:00 – Curating internationally: audiences, networks, responsibilities

00:53:10 – The shifting role of curators in public institutions

01:00:00 – Balancing personal vision with institutional missions

01:05:25 – Her transition to leading the Arts Council Collection and future perspectives

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Dans cet épisode, nous rencontrons Xavier Soule, directeur de la Galerie VU et entrepreneur à la trajectoire plurielle. Architecte de formation, docteur en histoire de l’art et pionnier de l’imagerie 3D dans l’architecture, il revient sur son parcours riche et les différentes étapes qui l’ont conduit à investir le champ de la photographie contemporaine.

Nous explorons la naissance de la Galerie VU dans les années 1990, son positionnement unique, ses relations avec Libération et ses choix stratégiques face aux évolutions du secteur (numérisation, mutation du marché de la presse, enjeux de visibilité et de vente). Xavier partage les coulisses de ses nombreux projets ambitieux comme par exemple son musée privée dans l'ancienne maison du réalisateur Claude Lelouche.

Un épisode qui mêle inspiration, analyse du secteur et conseils pour mieux comprendre les défis (et les possibles) du milieu de la photographie.

Bonne écoute !

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Nous explorons la naissance de la Galerie VU' dans les années 1990, son positionnement unique, ses relations avec Libération et ses choix stratégiques face aux évolutions du secteur (numérisation, mutation du marché de la presse, enjeux de visibilité et de vente). Xavier partage les coulisses de ses nombreux projets ambitieux comme par exemple son musée privée dans l'ancienne maison du réalisateur Claude Lelouche.

Un épisode qui mêle inspiration, analyse du secteur et conseils pour mieux comprendre les défis (et les possibles) du milieu de la photographie.

Bonne écoute !

00:01:20 – Le parcours pluridisciplinaire de Xavier Soule

00:07:00 – La reprise de l'agence VU' et les débuts de la galerie

00:13:00 – L’organisation de la galerie et le rapport aux photographes

00:20:00 – Marketing, salons, communication : les choix et constats

00:26:00 – La reconnaissance excessive et ses effets pervers

00:28:00 – Le déménagement de la galerie prévu pour septembre 2025

00:30:00 – La place de la photo dans l’économie actuelle et les relais à inventer

Lien vers mon questionnaire pour vous aider à faire un point sur votre carrière artistique : https://bit.ly/carriereartistique

Lien vers mon questionnaire pour vous aider à faire un point sur votre projet de livre : https://bit.ly/LVDLPlivrephoto

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Dans cet épisode spécial, je (Marine Lefort, l'hôte de ce podcast) passe de l’autre côté du micro. Interviewée par mon compagnon Florian, je reviens sur mon parcours, les projets que je mène en France et au Japon, et l’accompagnement que je propose aux photographes.

Je parle aussi de l’évolution du podcast, de mon travail éditorial avec Gallimard, Fisheye, The Eyes, et de mes expériences à la résidence Villa Kujoyama, le festival Kyotographie, l'école des Gobelins ou à les Rencontres de la Photographie à Arles.

J'espère que cet échange sincère vous permettra d'en savoir plus sur mes projets à côté de mon podcast Les Voix de la Photo.

Bonne écoute !

00:00:34 - Introduction de l'épisode spécial avec Florian

00:02:51 - Le parcours de Marine jusqu'à un départ au Japon en 2022

00:04:03 - Travail au Japon : à la résidence Villa Kujoyama (Institut Français) et au festival Kyotographie à Kyoto

00:04:40 - Retour en France et nouveaux projets

00:05:39 - Collaboration avec des éditeurs (Gallimard, Fisheye et The Eyes) et des photographes

00:07:41 - Accompagnements et projets avec des photographes

00:12:38 - L'avenir du podcast Les Voix de la Photo

Crédit photo : Samuel Kirszenbaum

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Dans cet épisode, nous rencontrons Patrick Remy, éditeur et directeur artistique, connu pour son œil singulier et sa passion pour la photographie de mode et contemporaine. Il revient sur son parcours, depuis ses débuts à la radio jusqu’à la création de Patrick Remy Studio. Patrick partage avec nous sa vision du rôle d’un éditeur, l’évolution du marché du livre, ainsi que les choix éditoriaux derrière certains projets emblématiques, et de son engagement pour des objets éditoriaux audacieux.

Une conversation enrichissante pour quiconque s’intéresse à l’édition photographique et à la direction artistique.

Bonne écoute !

Le compte Instagram de Patrick Remy : https://www.instagram.com/patrickremystudio/

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Bonne écoute !

00:00:00 – Introduction de l’épisode et présentation de Patrick Remy

00:01:12 – Ses débuts à la radio

00:04:26 – Le passage de la direction artistique à l’édition de livres photo

00:08:52 – Qu’est-ce qu’un bon éditeur en photographie ?

00:12:30 – Création du Patrick Remy Studio et ligne éditoriale

00:15:45 – Le rapport aux artistes et aux images fortes

00:23:40 – La fabrication des livres : format, matériaux, budget

00:27:20 – La question du public et de la diffusion des ouvrages

00:30:45 – L’évolution du marché du livre photo depuis les années 2000

00:35:00 – L’importance du regard curatorial dans l’édition indépendante

00:39:10 – Projets récents et à venir du Patrick Remy Studio

00:43:00 – Conseils pour les jeunes photographes souhaitant être publiés

00:46:12 – La singularité comme force éditoriale

Le compte Instagram de Patrick Remy : https://www.instagram.com/patrickremystudio/

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Dans cet épisode, nous discutons avec Fanny Boucher, héliograveuse et fondatrice de l'atelier Heliog. Nous explorons son parcours, de ses études à l'école Estienne à la création de son atelier en 2000. Fanny nous parle des défis et des réussites de son métier, ainsi que de l'importance de la transmission de ce savoir-faire rare. Elle partage également ses collaborations avec des artistes et nous présente des projets uniques, comme un livre d'artiste réalisé avec le photographe Edouard Elias. Bonne écoute !

Crédit photo : Gilles Leimdorfer

Le site d'Héliog : https://www.heliog.com/

Le compte Instagram d'Héliog : https://www.instagram.com/atelier_heliog/

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00:02:34 - Parcours de Fanny Boucher, héliograveuse

00:06:31 - Découverte de la gravure à l'école Estienne et formation chez le scientifique Jean-Daniel Lemoine

00:10:04 - Spécificités de l'héliogravure et disparition des ateliers

00:17:00 - Collaboration et transmission du savoir-faire en tant que Maître d'art

00:21:00 - Les distinctions entre héliogravure et photogravure

00:27:02 - le Prix Bettencourt, l'ouverture au design et la création de pièces uniques

00:31:00 - Collaboration créative avec le photographe Edouard Elias

00:50:02 - Challenges financiers et économiques des projets de création

01:06:56 - Conseils pour les photographes et futurs héliograveurs

01:10:47 - L'importance du temps et de l'engagement dans l'apprentissage

Crédit photo : Gilles Leimdorfer

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Vous êtes photographe ? Découvrez Lumys Photo et Lumys Scolaire, les solutions idéales pour partager vos photos avec vos clients en toute simplicité. Une entreprise française à taille humaine, basée à Nantes, qui vous accompagne tout au long de votre carrière. Plus d'infos sur https://lumys.photo/ et https://lumys-scolaire.photo/

-> Cet épisode est l'extrait d'un entretien. Vous trouverez l'entretien entier sur ce même compte.

Dans cet épisode avec Jérôme Sevrin et David Morinière, on est revenu sur les transformations majeures que le secteur de la photographie social a connues au cours de la dernière décennie. Ils abordent comment Lumys a su s'adapter à ces changements en proposant des solutions qui répondent aux besoins des photographes, qu'il s'agisse de la gestion des galeries en ligne ou de l'accompagnement dans la diversification des activités. On a également parlé d'intelligence artificielle et de l'importance de l'accompagnement pour les photographes qui souhaitent développer leur carrière et vivre de la photographie. Bonne écoute !

Le site de Lumys Photo : https://lumys.photo/

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Dans cet épisode avec Jérôme Sevrin et David Morinière, on est revenu sur les transformations majeures que le secteur de la photographie social a connues au cours de la dernière décennie. Ils nous expliquent comment Lumys a su s'adapter à ces changements en proposant des solutions qui répondent aux besoins des photographes, qu'il s'agisse de la gestion des galeries en ligne ou de l'accompagnement dans la diversification des activités. On a également parlé d'intelligence artificielle et de l'importance de l'accompagnement pour les photographes qui souhaitent développer leur carrière et vivre de la photographie. Bonne écoute !

00:01:21 - Jérôme Sevrin présente les plateformes de Lumys

00:04:25 - Le parcours de Jérôme et la création de Lumys

00:12:40 - Les évolutions de Lumys pour s'adapter aux besoins des photographes du social

00:17:03 - Le développement du support client et le rôle de David Morinière

00:31:15 - Vision et mission de Lumys

00:48:00 - Concurrence et fragmentation du marché et la difficulté pour les photographes d'avoir une approche commerciale

01:02:35 - L'utilisation de l'IA chez Lumys

01:09:15 - Leurs conseils pour les photographes

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Dans cet épisode, nous discutons avec Sylvie Aubenas, directrice du département des estampes et de la photographie à la Bibliothèque nationale de France. Nous explorons son parcours et sa passion pour la photographie ancienne, ainsi que les missions de son département. Sylvie nous parle également des évolutions du métier de conservateur au fil des années et donne des conseils pour ceux qui souhaitent mieux comprendre ce secteur. Bonne écoute !

Crédit photo : Jacques Hénocq

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00:02 – Présentation de Sylvie Aubenas, directrice du département des Estampes et de la Photographie à la Bibliothèque nationale de France.

02:02 – Son intérêt pour la photographie historique.

04:00 – Le rôle des instituts de préservation.

05:36 – Le début de sa carrière à la BnF.

08:00 – Les missions du département des Estampes et de la Photographie à la BnF.

13:00 – La collaboration avec les artistes et photographes.

16:00 – Les évolutions dans le secteur de la conservation de photographies.

19:00 – La reconnaissance culturelle et artistique de la photographie.

30:00 – Les dons de photographies à la BnF.

33:00 – Les collaboration avec d'autres institutions culturelles.

37:00 – Ses conseils pour les futurs conservateurs.

Crédit photo : Jacques Hénocq

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Dans cet épisode, nous discutons avec Wilfrid Esteve, enseignant, producteur, photographe et président de l'agence Hans Lucas. Nous explorons sa carrière riche et variée dans le milieu de la photographie documentaire et du photojournalisme et ses réflexions sur ces secteurs. Wilfrid nous parle de ses débuts, de son parcours en tant que photographe indépendant, et de son engagement dans diverses structures et associations professionnelles tels que l'ANJRPC, Freelens et l'UPP. Il partage également ses expériences en tant qu'enseignant et ses projets actuels, notamment aux côtés de la directrice Mina Mostefa pour les rencontres photographiques "Face à la mer" de Tanger et le festival qui en découle qui aura lieu à Carcassonne en mai 2025. Bonne écoute !

Instagram de Wilfrid Esteve : https://www.instagram.com/wilfrid_esteve/

Le site des Rencontres "Face à la mer" : https://rencontres-facealamer.com/

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Dans cet épisode, nous discutons avec Wilfrid Esteve, enseignant, producteur, photographe et président de l'agence Hans Lucas. Nous explorons sa carrière riche et variée dans le milieu de la photographie documentaire et du photojournalisme et ses réflexions sur ces secteurs. Wilfrid nous parle de ses débuts, de son parcours en tant que photographe indépendant, et de son engagement dans diverses structures et associations professionnelles tels que l'ANJRPC, Freelens et l'UPP. Il partage également ses expériences en tant qu'enseignant et ses projets actuels, notamment aux côtés de la directrice Mina Mostefa pour les rencontres photographiques "Face à la mer" de Tanger et le festival qui en découle qui aura lieu à Carcassonne en mai 2025. Bonne écoute !

1’40 – Différence entre photojournalisme et photographie documentaire : objectivité vs subjectivité, temps court vs temps long.

5’50 – Son enfance à Carcassonne, influencée par le cinéma plus que par la photographie.

10’15 – Débuts en autodidacte, assistant de Yann Morvan.

10’40 – Engagement associatif : NJRPC, Freelens, UPP pour défendre les droits des photographes.

17’40 – Lancement de Transmission pour former les photojournalistes aux réalités du métier.

30’10 – Création des Rencontres "Face à la mer" à Tanger par Mina Mostefa pour soutenir les photographes du Sud méditerranéen.

34’50 – Photodoc, une foire dédiée à la photographie documentaire et sa particularité.

41’00 – Lancement du festival photo à Carcassonne en mai dans la continuité des rencontres "Face à la mer" de Tanger.

54’00 – Expansion de Hans Lucas et rôle de la plateforme pour les photographes indépendants.

1'04’30 – Son regard sur l’évolution du photojournalisme : plus de possibilités de financement, mais nécessité d’être créatif.

Instagram de Wilfrid Esteve : https://www.instagram.com/wilfrid_esteve/

Le site des Rencontres "Face à la mer" : https://rencontres-facealamer.com/

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Dans cet épisode, Christine Guibert revient sur son rôle de gardienne de l’œuvre de Hervé Guibert, auteur, journaliste, photographe et vidéaste. Elle évoque son parcours, de la protection du testament littéraire de Hervé à la valorisation de ses photographies avec la galeriste Agathe Gaillard puis Les Douches. Elle nous partage également son apprentissage des subtilités de l’image. Nous parlons aussi des expositions actuelles et à venir, comme celle sur l’Italie prévue jusqu'au 5 Avril 2025 à la Galerie Les Douches à Paris. Bonne écoute !

Le site sur le travail de Hervé Guibert : https://www.herveguibert.net/

Le site de la galerie Les Douches : https://www.lesdoucheslagalerie.com/artists/2427-herve-guibert/

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0’02 – Christine Guibert, légataire de l'artiste Hervé Guibert : auteur, scénariste, journaliste et photographie

4’17 – Début de la gestion de l’héritage photographique d’Hervé Guibert avec l’aide de la galeriste Agathe Gaillard

7’35 – Apprentissage des tirages avec Didier Léger (laboratoire Imaginoir) le tireur attitré d’Hervé

9’25 – Difficultés liées aux légendes incomplètes

12’56 – Fidélité à l’œuvre d’Hervé en développant uniquement ses choix

14’07 – Collaboration actuelle avec la galerie Les Douches pour une exposition en 2025

16’25 – Pour découvrir l'œuvre d'Hervé Guibert elle nous recommande de commencer par L’Image Fantôme et Mes Parents.

18’32 – Son œuvre mêle photographie et écriture. Il a même pu réaliser un documentaire : La Pudeur ou l’Impudeur

30’07 – Invitation à l’exposition sur l’Italie en 2025 à la galerie Les Douches

Le site sur le travail de Hervé Guibert : https://www.herveguibert.net/

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Dans cet épisode spécial, je vous partage les coulisses du beau livre sur lequel j'ai assuré la coordination éditoriale avec l'éditeur The Eyes Publishing pour la Fondation Tara Océan (fondation soutenue par Agnès b.). Je suis entourée de la directrice du pôle culture Océan et Sensibilisation de la Fondation Tara Océan, Myriam Thomas et de l'éditeur de The Eyes, Vincent Marcilhacy et on revient sur ce projet collectif qui rassemble la cinquantaine d'artistes qui a réalisé une résidence sur la goélette Tara depuis 20 ans. On y évoque la genèse et les enjeux de cet ouvrage entre art, engagement et protections des océans. Bonne écoute !

Retrouvez le livre "Tara, les artistes révèlent l'Océan" à la librairie du 104 à Paris ou sur le site de The Eyes

Le site de la Fondation Tara Océan : https://shopping.fondationtaraocean.org/products/livre-tara-les-artistes-revelent-locean?

Le site de The Eyes Publishing : https://theeyes.eu/shop/tara-les-artistes-revelent-locean/

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0’30 - Myriam Thomas explique son rôle singulier de directrice du Pôle Culture Océan et Sensibilisation à la Fondation Tara Océan, centré sur le partage des connaissances liées à l’océan.

5’20 - Vincent Marcilhacy revient sur la création du label The Eyes et son engagement à utiliser la photographie pour poser des questions sociétales fortes.

10’45 - Myriam et Vincent expliquent le contexte du livre et le défi de rassembler les travaux des artistes ayant embarqué sur Tara pendant 20 ans.

18’40 - Les défis éditoriaux de mettre en page 50 portfolios d’artistes.

25’30 - Myriam évoque le choix écoresponsable des matériaux pour l’impression du livre, aligné avec les valeurs environnementales de Tara.

30’20 - Vincent détaille le design graphique de ce livre de 400 pages.

35’10 - Le livre reflète un esprit de famille entre artistes, scientifiques et membres d’équipage, illustré par la communauté des "Taranautes".

50’10 - Les projets futurs de la Fondation Tara : porter les messages de l’océan à l’Exposition universelle à Osaka.

Retrouvez le livre "Tara, les artistes révèlent l'Océan" à la librairie du 104 à Paris ou sur le site de The Eyes

Le site de la Fondation Tara Océan : https://shopping.fondationtaraocean.org/products/livre-tara-les-artistes-revelent-locean?

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In this episode, Nina Roehrs, curator of the Digital section at Paris Photo, explores the intersections between culture, art, and digitalization. She shares her experience with online galleries, her advice on exhibiting digital art in physical spaces, and the impact of new technologies on artistic practices. She also highlights the importance of networking for artists and curators. I hope you will like this episode

Digital sector at Paris Photo : https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/Secteur_Digital.html

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2’00 – In Düsseldorf, Nina Roehrs wanted to become a veterinarian. Her hobby was horse riding.

5’40 – She started collecting old watches, old cars, design furniture, and vintage furniture, and then moved to contemporary design.

7’00 – According to her, it was not the most complicated idea to start a gallery. She learned from the artists she exhibited.

7’50 – She discovered that she preferred living people over dead people. She exhibited at Design Miami and transitioned from design to art.

11’10 – She decided to focus her gallery on art in the digital age, as technologies evolved with AI, Blockchain, and NFTs in 2021. A lot of things changed.

12’00 –Net artists use the internet as their platform for artistic expression—they do not need a gallery. 

13’50 – Digital art is not always purely digital. It can start digital and end physical: installations, sculptures, or printed works. 

16’00 – "I am interested in the digital and physical spaces: no gravity, no limitations. I like experimentation. There are so many things we can do. "

20’00 – The NFT art market: the majority of collectors are new people, often from cryptocurrency backgrounds.

21’40 – Online platforms generating art based on algorithms are bringing new collectors into the art world.

23’45 – The shift from physical to online galleries: blockchain and NFTs are influencing traditional spaces.

25’00 – Exhibiting digital art in physical spaces requires new curatorial approaches and specialized knowledge.

29’00 – Advice for digital art gallerists: art curators should start with a strong network of artists and collectors. Make small investments and take it step by step.

31’30 – Advice for artists: build a brand on social media like Twitter/X, attend events, and collaborate with other artists.

34’30 – Follow famous artists and see who they follow and who follows them.

35’30 – Artists, please don’t send portfolios. Nobody will look at them. Instead, meet people in person and make connections.

Digital sector at Paris Photo : https://www.parisphoto.com/fr-fr/exposant/Secteur_Digital.html

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Jean-Jacques Farré, auprès des photos chez Libération et Télérama, partage son parcours, depuis ses débuts à l’AFP jusqu’au lancement de la revue LIKE en 2020. Il nous parle des évolutions technologiques qui ont rendu la création de revues plus accessible, les relations entre photographes et rédactions, et partage ses conseils pour publier ou créer une revue. Bonne écoute !

Le site de la LIKE : https://www.touslesjourscurieux.fr/

Mon site : https://marinelefort.fr/

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1’18 – Né dans la banlieue de Grenoble, issu d’une famille ouvrière immigrée espagnole. Marqué par des profs militants qui cherchaient à enseigner à tout le monde.

3’00 – Sa découverte de la presse : un voisin postier de nuit lui ramenait des journaux. Il découpait les photos et les colonnes pour recréer des pages.

5’00 – Reçoit un appareil photo comme cadeau de communion. Poussé par un camarade, il passe et réussit le concours des Beaux-Arts de Saint Etienne.

7’13 – Écrit au rédacteur en chef du journal Le Progrès de Saint-Étienne pour accompagner les photographes. Commence un travail au labo photo le week-end, gagnant plus que son père.

11’30 – Participe à des mouvements sociaux à Saint-Étienne, écrit des articles et remplace des correspondants.

15’50 – Comprend qu’il veut devenir journaliste. Monte à Paris avec une lettre de recommandation du Progrès et entre à l’AFP.

16’30 – À l’AFP, travaille au labo photo et découvre le monde des photographes de l’agence.

23’00 – Arrivée au journal Libération : met de l’ordre dans les archives photo et participe à la création de maquettes avec les directeurs artistiques du journal.

24’30 – Joie de collaborer avec des photographes comme Gilles Favier, Depardon, Doisneau, Salgado. Confiance totale entre les différentes équipes : photographes, maquettistes et rédacteurs.

31’45 – Intègre Télérama en 1996, monte un service photo dans les règles de l’art, puis revient en freelance, travaillant sur des projets variés.

40’00 – Lancement de la revue LIKE en 2020, un projet personnel qui rassemble ses apprentissages et met en avant les récits des photographes.

46’40 – Grâce aux avancées technologiques, produire une revue est plus accessible. Partenariat avec son imprimeur, Shira, pour assurer qualité et coûts raisonnables.

50’40 – Gestion du modèle économique de la revue LIKE : boutique en ligne, incitations aux abonnements, et communication quotidienne avec les abonnés.

55’45 – Découvre l’importance des tables de vente dans les salons pour promouvoir la revue, devenant un moteur principal de son développement.

1’00’00 – Conseils pour les photographes : proposer tous les genres et restituer les images de façon claire. Mention spéciale pour Alice Pallot et Marine Lagnier.

1’06’30 – Protocole pour être publié : se baser sur les sorties de livres photos et offrir un panorama large des pratiques photographiques.

1’08’15 – Conseils pour créer une revue : s’appuyer sur ses compétences, ne pas hésiter à copier pour apprendre, et se perfectionner au fil du temps.

1’11’10 – Accessibilité des techniques actuelles : être curieux et généreux. Le retour immédiat des lecteurs permet de progresser rapidement.

1’15’10 – Le prochain numéro de LIKE (n°19) sort en janvier, accompagné d’un hors-série.

Le site de la LIKE : https://www.touslesjourscurieux.fr/

Mon site : https://marinelefort.fr/

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-> This episode is an extract from an interview. You will find the entire interview on this same account.

In this episode, I am with Daria Bonera, who chose to carve her own path in the photography industry rather than follow in her mother’s footsteps. After studying at Central St Martins, she began her career at Grazia Neri Agency, representing international photographers. Daria shares her experiences transitioning from Milan to New York and the insights she gained about the differing photography markets. Now working as an independent consultant and producer, she offers valuable advice for aspiring photographers about collaboration, confidence, and humility.

DB Agency's website: https://www.dariabonera.com/

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In this episode, I am with Daria Bonera, who chose to carve her own path in the photography industry rather than follow in her mother’s footsteps. After studying at Central St Martins, she began her career at Grazia Neri Agency, representing international photographers. Daria shares her experiences transitioning from Milan to New York and the insights she gained about the differing photography markets. Now working as an independent consultant and producer, she offers valuable advice for aspiring photographers about collaboration, confidence, and humility.

2’15 – She did not want to be a photographer like her mother, but she wanted to work in the field of photography.

5’30 – She studied fashion at Central St Martins, and her courses were not focused on photography. She started working at Grazia Neri Agency, the agency that represents her mother.

8’10 – She represented international photographers. Her job involved presenting photos to the sales team of the agency and finding new photographers.

10’ – She went to New York when she was 30 years old because the market was changing (online content and the financial crisis), and she was looking for a new challenge. She worked as a consultant for Grazia Neri and for Donna Ferrato, a prominent photographer represented by Grazia Neri in the States. She decided not to stay in New York and went back to Milan.

14’ – The main differences she observed between the photography industries in New York and Milan are that New York is a huge market, home to the bibles of photojournalism like The New York Times and the National Geographic Society, while the design and fashion market is significant in Italy, with fewer opportunities but also fewer competitors.

16’ – She started working as an independent consultant because the big agency couldn’t survive (Grazia Neri closed down in 2009).

18’ – She decided to be a photography consultant and producer, working with photographers, as well as videomakers and film directors.

21’45 – Now, she works more and more directly with clients rather than through an agency. Advertising agencies are also having a hard time these days, and brands often have their own marketing offices.

25’ – Her advice to young photographers seeking to enter the industry is to build a team around them. They should be confident, never stop dreaming, and be humble. Young photographers can't be snobby when it comes to commercial jobs.

31’ – The qualities she looks for when she meets a photographer are technique, composition, light, choice of subject, unique vision, and magic!

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-> Il s'agit d'une rediffusion du premier épisode du podcast posté le 15 mars 2020. Merci encore Adélie pour ta confiance !

Pour ce premier entretien, nous écoutons Adélie de Ipanema. Elle est la Vice-Présidente de Polka, galerie et magazine mettant en avant des photojournalistes. La marque s’est diversifiée en octobre dernier avec le lancement du concept-store Polka Factory, proposant des tirages à prix grand public. Adélie revient sur l’origine de la création de la galerie il y a douze ans avec son frère, puis le lancement du magazine avec ses parents, l’arrivée des actionnaires et enfin le lancement de Polka Factory en octobre dernier.

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-> Il s'agit d'une rediffusion d'un épisode posté en 21 décembre 2022.

Cet épisode avec le directeur de la Maison Européenne de la Photographie, Simon Baker est le premier épisode avec un focus sur le Japon. Avec Simon, nous avons abordé sa carrière d’historien et d’enseignant, puis ses années à la Tate Modern au département Photographies et Art International et son rôle à la MEP. Nous avons abordé les évolutions du milieu de la photographie : en particulier le fait que les artistes se définissent de moins en moins par le médium, mais plutôt par leurs engagements, mais aussi l’importance des institutions d’avoir une programmation et des collections représentatives des diversités. Il revient sur sa relation avec la photographie japonaise à travers sa rencontre avec les livres photos japonais via la collection de livres photo de Martin Parr, l’exposition Daido Moriyama et William Klein à la Tate Modern et le réseau qu’il s’est construit au Japon (la Galerie Taka Ishii, le galeriste et éditeur Akio Nagasawa, Tomo Kosuga (Fondation Fukase)… Bonne écoute !

01’30 – Sa formation universitaire avec une spécialisation dans le mouvement surréaliste, l’enseignement en histoire de l’art et conservateur puis responsable du département Photographies et Art international à la Tate Modern.

6’30 – Ce qui est spécifique à la MEP : une des plus grandes collections photo après les années 50 en France (25 000 tirages) et c’est la première institution dédiée à la photographie en France.

08’20 – L’ADN de la MEP a changé. On y montre encore des artistes vivants ou ceux qui n’ont pas été montrés à Paris, mais c'est aussi importance de montrer des identités différentes, des pays et approches différentes et d’être un lieu d’accueil pour une grande diversité. Aussi, maintenant les artistes se définissent moins par le médium que par leurs engagements.

13’ – Le métier de directeur de musée est un rôle de coordination entre les différents services et la relation avec les mécènes et la ville.

17’45 – Sa relation avec la photographie japonaise a commencé quand il est arrivé à la Tate en tant que spécialiste des années 20-30. Il a commencé à travailler sur l’acquisition de la bibliothèque de livres photo de Martin Parr et Martin Parr lui a dit que les photographes japonais ont été très influencés par William Klein. Il a travaillé sur une expo Daido Moriyama/William Klein à la Tate Modern.

25’30 – Son conseil pour découvrir la photographie japonaise est de consulter des livres photos comme par exemple History of the photobook de Martin Parr ou Les mémoires d’un chien de Daido Moriyama chez Delpire and co. Avant c’était impossible, car les livres n’étaient pas traduits.

34’ - L’histoire de la photographie est très masculine, mais la photographie devient une activité féminine. Les étudiantes sont majoritairement des femmes, donc les jeunes artistes montrés sont aussi majoritairement des femmes. 

45’15 – Une des grandes difficultés qu’il note est qu’il est difficile qu’un livre photo soit visible dans un contexte de surproduction de livres photo. Il faut donc être conscient qu’il y a beaucoup de production et avoir un point de vue différent. 

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-> Il s'agit d'une rediffusion d'un épisode posté en 13 juillet 2022.

Le professionnel que nous écoutons dans cet épisode ne vous est sûrement pas étranger. Michel Poivert est historien-chercheur en histoire de la photographie et vous avez pu croiser son travail au travers d’un livre, d’une exposition ou d’une conférence. Dans cet échange, nous sommes revenus sur son métier d’enseignant-chercheur en histoire de la photographie et sur les différents courants de pensée dans cette discipline, mais aussi l’organisation de ses projets : la recherche, l’enseignement et le développement de projets lié à ses sujets de recherche (expositions, livres …). Nous avons aussi abordé un projet ambitieux qui lui tient particulièrement à cœur : le Collège Internationale de photographie qui a pour ambition de mettre en relation la création expérimentale, les savoir-faire des métiers de la photographie et le grand public. Bonne écoute !

1’50 – Sa formation d’histoire de l’art et la rédaction d’une thèse sur les rapports entre la peinture et la photographie

07’30 – Les évolutions de son métier d’enseignant-chercheur en histoire de la photographie

10’20 – Comment enseigne-t-on l’histoire de la photographie en fonction des pays

14’30 – L’articulation de ses projets : la recherche, l’enseignement et le développement de projets liés à ses sujets de recherche (expositions, livres …) et la question du réseau professionnel 

25’ – Le projet du collège international de photographie : une structure mettant en relation la création expérimentale, les savoir-faire des métiers de la photographie et le grand public

36’30 – Les évolutions dans le milieu de la photographie

44’ - Le politique nous a fait croire que la photographie est un art démocratique, que c’est simple et facile. Les images ce ne sont pas toujours des photographies. Abus culturel de langage de confondre image et photographie

49’ – Ses conseils : Se donner du temps, car le risque en photo c’est la surproduction. Ne pas faire des belles images, mais de la photographie.

Le LinkedIn de Michel Poivert : https://www.linkedin.com/in/michel-poivert-4b949b37/

L'Instagram de Michel Poivert : https://www.instagram.com/michelpoivert/

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-> Il s'agit d'une rediffusion d'un épisode posté le 6 juin 2023.

PGI in Tokyo is the second-oldest photography gallery in Japan and in this episode, the actual director of this gallery, Sayaka Takahashi explains to us the evolution of her work as a gallerist for 20 years. When she started her main thought was to attract more people to come to the gallery and now she participates in photo art airs such as AIPAD in NY, portfolio reviews and organized talks. One of her new goals is to sell the work of the artists represented by the gallery to the right institutions. I hope you will like this second episode in English!

1’30- Her studies at Waseda University in Literature with her professor and photography critic Osamu Hiraki, her work experience at the Higashikawa International Photography Festival in Hokkaido and her encounter with Hiroaki Yoshino, the director of PGI Shibaura.

3’30- PGI is a gallery specializing in photography with a labo for preservation and framing. She started to work for PGI as a part-timer in 1998 and became the director in 2010. When he was 18 years old, she heard about the “Onnanoko Shashin” movement (Onnanoko means female and shashin photography) and she was inspired by these female photographers.

8’ – PGI opened in 1979 as a place to look at the physical print. The first commercial photo gallery in Japan is Zeit-Foto Salon which was owned by Etsuro Ishihara and PGI was the second one. The owner of the PGI studied medicine in California and met the photographer Ansel Adams here and he decided to open a gallery when he was back in Tokyo.

10’- When she started as a gallerist her main thought was how to get more people to visit the gallery. They did 10 exhibitions per year, and now 6/8. They started to hold gallery talks, participate in portfolio and events to meet emerging artists, and participated in photo fairs (Tokyo Photo and AIPAD from 2013). After participating in AIPAD, now she has a new goal to place the work of the artists she works with within the right institutions. She learned a lot about photography when speaking with other dealers during AIPAD.

13’34 – In 2022, she sold the work “The map” of Kikuji Kawada to the Museum of Fine Arts, Boston (an exceptionally large collection of negatives, contact sheets, 87 prints from 1989, plus vintage prints and a first edition from 1965 of the photographic book).

15’ – Another example of a project is the exhibition and the book of Tokuko Ushioda “My Husband” which were released in 2022.

20’- Her pieces of advice for young gallerists are to stay curious and interested in artists and to know their works perfectly to be able to introduce their works to more people.

PGI website : https://www.pgi.ac/en/

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Sylvie Lécallier, responsable de la collection photographique au Palais Galliera, revient sur son parcours, de ses études à Arles à la gestion de collections photographiques. Elle nous parle des évolutions dans les pratiques muséales, des étapes de création d’expositions, comme celle dédiée au photographe de mode Paolo Roversi en 2024, et partage ses conseils pour travailler dans le département photo d’un musée et pour les photographes de mode. Bonne écoute !

Le LinkedIn de Sylvie Lécallier : https://www.linkedin.com/in/sylvie-l%C3%A9callier-481aa9b0/

Le site du Palais Galliera : https://www.palaisgalliera.paris.fr/

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3’45 – À 20 ans, Sylvie Lécallier est encouragée par le photographe Marc Riboud d’intégrer l’école d’Arles malgré un parcours initial en lettres classiques.

5’50 – Sa découverte des métiers de la conservation photographique durant ses études à Arles. Elle réalise qu’elle souhaite être passeur et valoriser les images plutôt que de les produire.

7’00 – Sa première expérience professionnelle grâce à une bourse de recherche sur des collections photographiques conservées par le ministère de la Culture.

8’45 – Ses expériences multiples au musée Galliera, puis à la bibliothèque nationale des Ponts et Chaussées où elle inventorie des albums photographiques du 19ᵉ siècle.

18’00 – Son arrivée au Palais Galliera grâce au legs du photographe Henri Clarke en 1998.

23’10 – Présentation du Palais Galliera en tant que musée de la mode, avec une collection de 40 000 costumes, accessoires, dessins et photographies.

34’00 – Étapes de création d’une exposition au Palais Galliera, illustrées par celle dédiée à Paolo Roversi en 2024. La première du musée avec un artiste vivant.

46’40 – Les évolutions dans l’organisation des expositions : des équipes plus nombreuses et professionnelles, permettant des échanges en amont et une meilleure coordination.

48’30 – Conseils pour travailler dans un musée : être passionné par son sujet, vouloir partager ses connaissances, et apprendre sur le terrain.

50’30 – Conseils pour les photographes de mode : suivre sa propre vision, éviter de produire des images normées, et ouvrir son regard en explorant des domaines hors de la mode.

53’00 – Importance des dons dans l’enrichissement des collections : des contributions 

Le LinkedIn de Sylvie Lécallier : https://www.linkedin.com/in/sylvie-l%C3%A9callier-481aa9b0/

Le site du Palais Galliera : https://www.palaisgalliera.paris.fr/

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In this episode, we talk with Emanuele Amighetti, an italian creative director whose journey began in Como, Italy, influenced by a love of punk music and literature. Initially studying classical and Middle Eastern studies, he transitioned to photography, telling stories of marginalized communities. After working with international press, he moved into art direction, collaborating with his wife and embracing new media. We discuss his time at Esquire and Hearst, his creative process, and the evolving challenges in photography today. He is now the Executive Image Director at Harper’s Bazaar Italia. Enjoy listening!

Emanuele Amighetti's Instagram: https://www.instagram.com/emanueleamighetti/

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1’30 - Grew up in Como with parents in banking; father loved music (punk), mother literature. Both passions influenced him.

3’15 - Initially studied classical and Middle Eastern studies.

4’30 - Drawn to photography by his artistic interests and desire to tell stories of marginalized communities. Worked with American and French press.

7’15 - Transitioned to art direction after losing motivation in photography. Influenced by social media and collaborations with his wife, an artist.

9’20 - Joined Esquire Italy as Image Director, later Creative and Art Director at Hearst. Expanded the magazine’s vision beyond photography.

12’35 - Described his role as a curator, conceptualizing ideas, forming teams, and translating concepts into practice.

14’45 - Inspiration comes from daily life, travel, technology, and his team. Works with photographers globally, emphasizing teamwork.

16’30 - Ensures coherence in projects, working with large teams and celebrities to create meaningful work with feeling.

18’15 - Sees art direction as collaborative, a dialogue between artists, photographers, and his vision.

19’30 - Noticed photography’s crisis due to social media and AI. Emphasizes the need for photography to evolve and integrate other media.

23’00 - Believes photography still provides a unique sensation, necessary to visualize and capture the world.

23’50 - Advice: Trust your vision, be passionate, and avoid imitation. For photographers, focus on storytelling and authenticity. Stay open to change.

Emanuele Amighetti's Instagram: https://www.instagram.com/emanueleamighetti/

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Caroline Stein, responsable du mécénat et de la collection photo chez Neuflize OBC, nous partage son parcours, depuis ses débuts en tant qu’éditrice chez Somogy jusqu’à son rôle actuel où elle gère une collection d'entreprise de plus de 1000 œuvres. Nous parlons de son approche des acquisitions d’art, des expositions qu’elle organise, et de son soutien à des projets comme les expositions au BAL et au Jeu de Paume. Bonne écoute !

Le site de la collection Neuflize OBC : https://accueil.collection.neuflizeobc.fr/

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1’30 – Caroline Stein évoque son parcours initial en littérature.

8’00 – Caroline raconte sa première embauche chez les éditions Somogy, travaillant sur des catalogues d'expositions et son introduction au milieu muséal.

9’53 – Elle décrit son immersion dans les institutions culturelles et les festivals à travers ses projets, dont Chroniques Nomades à Honfleur.

11’00 – Caroline parle de son travail avec le collectif Planches Contact et sa collaboration avec des photographes sur des projets comme Made in China et Made in France.

19’50 – Caroline explique la dynamique de Tendance Floue, un collectif inspiré par Magnum.

23’30 – Elle décrit sa rencontre avec Jean-François Camp au festival photo de Vannes et son travail sur une exposition réalisée dans des conteneurs puis ses années chez le laboratoire Dupon.

30’00 – Son arrivée chez Neuflize OBC en 2017, où elle intègre la banque pendant sa réorganisation et participe à la célébration des 20 ans de la collection d'art.

39’00 – Caroline explique la vision derrière la collection Neuflize OBC, centrée initialement sur le portrait, puis évoluant vers des thèmes comme la figure humaine et la mémoire.

45’00 – Elle partage son expérience sur le renouvellement des accrochages dans le cadre de la collection Neuflize OBC.

52’00 – Caroline offre des conseils aux photographes sur la manière de soumettre un dossier à la fondation, avec des recommandations pratiques pour être efficace et pertinent.

54’00 – Elle mentionne son implication dans le collectif Les Filles de la Photo et l’ouvrage Y voir clair dans l’écosystème de la photographie.

55’30 – Caroline discute des mécénats et de l’importance des programmes pédagogiques dans le cadre de ses soutiens culturels à des institutions comme Jeu de Paume et La MEP.

1’02’15 – Elle aborde les défis de travailler dans un établissement bancaire, notamment le lien à créer entre l’art et des collaborateurs souvent éloignés de ce milieu.

1’04’00 – Caroline revient sur la médiation qui représente 80 % de son travail, un rôle clé pour valoriser la collection à la fois en interne et auprès des partenaires.

1’06’00 – Elle conclut avec des conseils sur la gestion d'une collection d’entreprise, insistant sur l’importance de l’équilibre entre l’interne (collaborateurs) et l’externe (partenaires et publics).

Le site de la collection Neuflize OBC : https://accueil.collection.neuflizeobc.fr/

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Mara Weiss is the lead curator of the Victoria & Albert Photography Centre, completed in 2023 in London. In this episode, we talked about her studies at Harvard and Princeton and her projects as Curator of Photography at the Victoria and Albert Museum in London since 2007. We discussed developments she has observed in the field of museum photography, such as the integration of photography into permanent spaces like at MoMA, but not yet at the V&A, and the importance of the acquisition group, which not only enables more acquisitions but also takes on new roles, such as organizing events and travels with patrons. She also gave us some advice for people who want to become curators in a museum like her. I hope you enjoy this episode!

Victoria and Albert Museum Photography Centre: https://www.vam.ac.uk/info/photography-centre?srsltid=AfmBOoqZSZoHt_zH-w0WkTrxPvSA0vbM_JfMgzoZeuYPCyhXZDN2IUl7

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1:44 – Her childhood and her love of visiting museums. 

4:15 – Her studies at Harvard in art and her internships in museums in the USA and Europe. 

10:15 – Her job as a photo editor for a graphic design company and her dissertation at Princeton on 19th-century British photography, staged photography, and photo albums from the late 1830s to 1870. She spent two years in the UK for her PhD and conducted archival research at the V&A in the print room. 

14:20 – Her job at the V&A, the V&A Photography Centre, and the projects she undertakes as a curator of this center. 

18:15 – Her team: three people when she arrived, now seven permanent positions, and the other roles at the V&A (conservators, loans, art handlers, interpretation team, web team, programming team…) = 700 people work at the V&A. 

21:50 – Developments she has observed in the field of museum photography since she began:

-         Photography has been integrated into permanent spaces (like at MoMA, but not at the V&A).

-         The importance of the photography acquisition group, an increasingly significant aspect of her work. 

25:30 – Advice for curators: Take every opportunity to examine photographs as objects, study photo books. 

28:30 – She feels fortunate to have focused on early photography at the beginning of her studies, as having a deep understanding of the history of photography makes it easier to build upon that to engage with the present. 

29:15 – It is valuable to have some hands-on experience, to know how things are made. This includes making photographs, both digital and analog.  

Victoria and Albert Museum Photography Centre: https://www.vam.ac.uk/info/photography-centre?srsltid=AfmBOoqZSZoHt_zH-w0WkTrxPvSA0vbM_JfMgzoZeuYPCyhXZDN2IUl7

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Patrick Delat a été le directeur du Centre d’art contemporain photographique – Villa Pérochon depuis sa création jusqu’à 2024 et dans cet épisode on est revenu sur les projets photographiques qu’il a menés à Niort depuis les années 80. Il nous a expliqué l’histoire des Rencontres de la jeune photographie internationale menée par une équipe de bénévoles et de passionnés depuis trente ans. On a parlé des enjeux et de l’importance de fédérer le collectif autour d’un projet qui doit faire sens et garder le cap sur son projet pour durer dans le temps, mais aussi des difficultés qu’il a pu rencontrer en tant qu’association à financement public. Merci à lui, longue vie au CACP-Villa Pérochon et bonne écoute !

Villa Perochon : https://www.cacp-villaperochon.com/

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2’35 - Son parcours en tant qu’animateur puis directeur de centre socioculturel et sa rencontre avec la photographie.

7’50 – Animateur d’un atelier photo et sa participation avec la création d’un collectif à L’Europe D’art d’Art en 1989 pendant quelques années.

12’ – Envie de continuer son projet autour d’un collectif avec le soutien de la ville et la création d’une association en 1994, Pour l’Instant.

13’ – La résidence comme période protégée pour s’interroger sur sa pratique avec 8 résidents autour d’une personnalité de la photographie.

14’- Un format qui évolue sur la période et la durée et la création de la Villa Perochon, un centre d’art dédié à la photo en 2013 puis premier centre photo d’intérêt national en 2018.

17’30 – Un financement public de la ville, de la Drac et de la région 

23’50 – Durant les 15 ans premières années uniquement des bénévoles dont lui et il est salarié à mi-temps en 2012. Avant l’ouverture de la Villa Perrochon, il avait deux vies : directeur de centre socioculturel et bénévole de l’association Pour l’Instant. 

27- Les étapes de création d’une association comme la sienne : 

_ proposer une idée et aller vers les gens qui sont intéressés de tous niveaux sociaux et professionnels pour créer un collectif et fédérer les énergies. 

_ l’animer en gardant des contacts fréquents et construire le projet ensemble. 

_ structurer petit à petit et se donner des objectifs sans contrainte de temps. 

32’ – L’ancrage territorial l’a protégé des changements de municipalités. 

34’20 – Les résidences des Rencontres de la jeune photographie internationale. 

41’20 – Son conseil pour les photographes qui postulent aux résidences : être sincère dans ce que l’on propose et ne pas suivre les tendances. Oser présenter ce que l’on est, ce qu’on veut être et ce qu’on veut dire.

44’30 – Il a des projets après la Villa Perochon, mais c’est trop tôt pour en parler.

46’ – Ses conseils pour des personnes qui souhaitent créer une association comme la sienne : l’attention doit être portée au projet, car le projet fait le lien entre tout ce qu’on peut mettre en place. 

Il est important de mesurer le projet et les moyens que l’on dispose au quotidien. Aujourd’hui plein de dispositifs financiers peuvent détourner le projet. Il est important de se tenir à son projet politique et sincère, mais ce n’est pas la chose la plus simple à faire. 

48’30 - Il a été tenté de faire une carrière de photo, mais il a fait le choix de travailler sur un projet photo collectif. On doit faire des choix douloureux en se demandant où on veut aller et pourquoi.

Villa Perochon : https://www.cacp-villaperochon.com/

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In this episode, we are at Somerset House during Photo London with David Campany. He is a curator, writer, publisher, and educator, teaching at the University of Westminster, London, and serving as Curator at Large for the International Center of Photography, New York. We talked about his love and addiction for writing, the projects he undertakes as an independent, as a teacher, and at ICP. Through his experiences, he gave us advice on how to protect our passion and keep our curiosity alive. 

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1'40 - Born in the late '60s, he was influenced by TV culture and movies by Fellini, Godard, etc.  

6' - He quickly realized that he wanted to be involved with images because he found pleasure in looking at them and thinking about how they fit into the world.  

9' - After his graduation, he was invited to curate shows and write texts. He became known for making unexpected connections between things. For example: an exhibition at Le Bal about Anonymous Americans in film.  

19' - Why it is important to write to a writer if you think their work is good.  

20'30 - Writing as an addiction.  

23'10 - Juggling multiple projects: working on 3 shows and 8 books at the same time. He does not support repetition.  

27'30 - The first text he wrote as a professional and his book for Phaidon, "Photography and Art."  

32'10 - The magazines he created with the auction house Christie's and the collector Christina Belker.  

37' - His experience in NY at the ICP, managing the program for 5-6 years.  

45' - Now, exhibitions are collaborations between photographers and curators because, most of the time, the photographer has an idea of what the show will look like. Making exhibitions is part of their work.  

47'40 - Advice for curators: you need to go beyond your ego in helping the artist create the work they can't do on their own. It’s tempting to say, "I will do it like this." But it is important to move past that phase.  

51'30 - Advice for writers: just write, whether it will be published or not, and your writing will improve. Don’t be afraid to approach people you admire. Stay interested and aware of the possibilities. There is no formal career path.  

53'15 - Now, he says yes to only 10% of the proposals he receives. If his heart is not in it, he cannot say yes. He cannot do something he is not interested in because it would kill the thing he loves. One important thing is to keep your curiosity alive.

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Giovanna Calvenzi est une éditrice photo italienne qui a travaillé pour de nombreux médias : Corriere della Sera, Gazzetta dello Sport, mais aussi Glamour et Famiglia Cristiana. Nous avons parlé du déclin de la presse et de la disparition du métier d’éditrice photo en Italie, ainsi que des autres projets qu’elle a menés. Elle a été directrice artistique des Rencontres d’Arles en 1998, commissaire invitée à Photo España en 2002, déléguée artistique au Mois de la Photo à Paris en 2014 et elle s’occupe actuellement des archives de son mari défunt Gabriele Basilico, en organisant avec l’équipe des archives des expositions et des livres. Bonne écoute !

Archives Gabriele Basilico : https://www.archiviogabrielebasilico.it/it

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2’ – Intéressée par la littérature italienne, assistante du photojournaliste Federico Patellani, professeur dans une école de photo et sa première collaboration dans la presse hebdomadaire en tant qu’éditrice photo.

9’12 – Son expérience au Corriere della Sera, puis chez Condé Nast.

11’10 – Son expérience en tant que directrice artistique des Rencontres d’Arles en 1998 suite à l’invitation de Bernard Millet et sa famille française, qui a commencé avec la rencontre de Christian Caujolle.

17’30 – Commissaire invitée à Photo España en 2002 et déléguée artistique au Mois de la Photo à Paris en 2014.

22’20 – Son métier d’éditrice photo chez Glamour pendant deux ans, puis à la Gazzetta dello Sport pendant douze ans, l’arrivée des banques d’images et sa dernière expérience dans la presse chez Famiglia Cristiana pendant quatre ans.

37’ – La crise de la presse italienne avec la baisse des budgets et l’arrivée des agences en ligne. Il n’y a plus d’éditeurs photo, ce sont maintenant des iconographes.

42’ – L’arrivée de l’IA l’enthousiasme, mais il faut protéger les auteurs en trouvant des règles.

47’40 – Elle travaille pour les archives de son mari défunt Gabriele Basilico depuis 2013 avec l’assistant du photographe et son équipe. Elle fait des expositions, des livres et a créé un site avec un ancien collègue.

50’ – Son conseil pour de futurs éditeurs photo : fréquenter le milieu de la photo en se déplaçant physiquement et en allant à Arles, Perpignan... et lire.

53’ – Elle lit Libération, L’œil de la photographie, le Guardian et parfois la presse italienne.

53’30 – Son conseil pour de futurs photographes : il est important de réfléchir à ce qu’on aime vraiment. On peut être un excellent photographe tout en ayant un autre emploi comme banquier ou médecin.

Archives Gabriele Basilico : https://www.archiviogabrielebasilico.it/it

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With Chris Boot, we talked about political engagement to create a more diverse world through his work experience at Magnum Photos, Aperture, and as an independent publisher. In this conversation, we explore the beginning of his career in London, working for a co-op selling photographs and developing Magnum's presence in London and New York, and his work with Phaidon and Aperture. We discussed inclusivity in the photography industry, both in magazine pages and within companies, as he worked on at Aperture. He also gave us advice to clarify the purpose and narrative of the story we want to tell because if we find that clarity, nothing will stop us.

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3’11 – He worked as a coordinator in a photo co-op and was part of a socialist community.

10’30 – Started working for Magnum as a salesperson with Neil Burgess.

17’15 – Became the director in London when Neil Burgess went to NY.

19’10 – Went to NY to find economic routes.

21’56 – The first book he worked on was a history of Georges Rodger.

30’50 – He returned to London, worked for Phaidon, created many books, and stayed for 10 years.

36’45 – In 2000, he started his own publishing house.

46’ – When he started at Aperture, they were considering stopping the publication of magazines and books, but he doubled the price of the magazine, made it more luxurious, with themes, and focused on social justice. It was a gamble.

54’ – He aimed to create a more inclusive company, both in the magazine and in the company itself.

56’30 – Income at Aperture at that time: 10% from exhibitions, 30% from sponsorships and grants (individual gifts), and the remaining from book and magazine sales.

59’25 – He moved back to London, got ill, and continued to work on books.

1’01 – Evolution in photography: social media. Before, there were no emails. You did things with people you could meet in person. Now it’s a tyranny.

1’04’10 – His advice for photographers and publishers: Clarify the purpose and narrative. If you find that clarity, nothing can stop you.

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3’30 - Urs Stahel : son travail à la fondation MAST et sa rencontre avec la collectionneuse Astrid Ullens de Schooten Whettnall.

8’10 – La genèse de l’expo « Quand les images apprennent à parler » et la construction de la collection A.

12’50 – Le choix de sélection des photographies de cette collection composée de différentes écrire qui rendent compte de la réalité des sociétés et d’histoires industrielles.

19’10 – Cette exposition est le travail d’une toute petite équipe composée de trois personnes.

22’ – Arthur Mettetal : délégué général du fonds de dotation Orient Express et historien. Son rapport à la photo est venu avec un projet, en 2010-2011, sur l’usine Metal Europe, dans le Pas de Calais. Puis réalisation d’une thèse sur l’histoire de l’Orient Express. Réflexions sur l’utilisation de photos pour documenter et créer de l’archive, mais aussi l’utilisation d’images comme source de l’histoire. Réalisation d’une première expo à Arles en 2021, intitulée : « Orient express & cie. »

25’55 –Valorisation d’une recherche historique en la partageant au plus grand nombre.

27’21 – La genèse de l'exposition.

30’ – Comment il a sélectionné les œuvres et documents à inclure : un coup de foudre visuel avec une série. Ce n’est pas une histoire exhaustive de la nourriture dans les différentes mobilités, mais partir de série d’images et créer un cheminement intelligible. Histoire des innovations, des chemins de fer, et de la manière dont les entreprises utilisent la photo pour se créer une culture de marque.

32’30 – L’envers du décor de l’exposition : Il est tout seul sur le fonds de dotation et il s’est entouré de l’éditeur Textuel pour faire un livre et l’exposition est co-produite par les Rencontres d’Arles. Ils travaillent sur le fonds depuis 6 ans et ils ont eu trois mois pour ce projet.

36’45 - Arthur Metttal : ses conseils pour des personnes qui souhaitent devenir commissaire d’exposition :

- Se confronter à des fonds d’entreprises, car ils sont magnifiques et certains sont en danger.

- Dans une pratique historique, ne restons pas dans les archives papier classiques, mais utilisons l’image comme source de l’image en allant sur le terrain.

38’30 – Urs Stahel : ses conseils pour de futurs commissaires : On a l’idée qu’il y a une seule histoire de la photographie, mais il y a une histoire oubliée de l’histoire, il s’agit de l’histoire de la production et des industries.

Quand les images apprennent à parler : https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions/view/1548/quand-les-images-apprennent-a-parler

Wagon-bar, une petite histoire du repas ferroviaire : https://www.rencontres-arles.com/fr/expositions/view/1550/wagon-bar

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À travers leurs expériences, nous avons parlé des réflexions qu’ils ont pour faire des projets plus écologiques avec du côté de la revue EPIC : ne pas avoir de publicité pour ne pas pousser à la consommation, imprimer en France et ne pas être disponible en kiosque pour éviter d’envoyer des exemplaires au pilon. Et du côté de la Galerie Triangle : essayer de réutiliser des cadres, avoir des cadres en bois, utiliser des papiers et cartels moins chimiques et se déplacer en transport en commun.

Ce qu’on peut retenir de cette discussion, c’est que personne n’est irréprochable, mais qu’il est important de faire au mieux avec ses propres contraintes en se posant des questions pour chercher des alternatives plus écologiques en demandant des conseils autour de soi.

1’50 – Jean-Matthieu Gautier : sa formation de journaliste, ses premières expériences professionnelles puis sa rencontre avec Ambroise Touvet de l’agence Oblique.

La relance de la revue EPIC et son format de présenter des séries photo au long cours avec la parole des photographes.

5’15 – Son rôle chez EPIC et le reste de son équipe.

6’50 – Ses conseils pour des photographes qui souhaiteraient voir leurs travaux publiés dans EPIC.

11’ - La genèse et les évolutions de la revue EPIC avec comme partis pris de ne pas avoir de publicité et d’imprimer en France.

13’07 - Leurs réflexions sur la façon de faire un magazine aligné avec ses sujets engagés :

Se détacher de l’actualité immédiate pour se documenter avec un long temps de réflexion, mais aujourd’hui la réflexion de faire évoluer ce postulat.

Pas disponible en kiosque, car cela supposerait des envois au pilon de magazines.

19’20 - Pour faire le lien avec l’exposition sur les murs où cette discussion a eu lieu, il nous explique comment ils ont présenté le travail de Maxime Riché dans les pages d’EPIC.

25’10 – Nadège Tixier-Lamaison : elle nous explique les choix qui ont été faits pour présenter le travail de Maxime Riché dans l’espace d’exposition.

27’ – Sa formation de photographe et les projets à Londres et en Australie qui l’ont mené à lancer la Galerie Triangle fin 2021 pour créer un lieu pour tout le monde et pas juste pour les connaisseurs.

30’ - Ses conseils pour des photographes qui souhaitent rejoindre sa galerie.

33’20 – Comment a-t-elle choisi le thème de l’exposition « Change » ?

34’50 – Les réflexions écologiques sur la façon de faire des expositions comme celle-ci : un arbitrage entre le beau, ses valeurs personnelles et des raisons économiques, car un papier plus écologique peut coûter deux fois plus cher qu’un papier classique. Essayer de réutiliser des cadres, avoir des cadres en bois et utiliser des papiers et cartels moins chimiques, se déplacer en transport en commun.

Le site de la Galerie Triangle : https://www.galerietriangle.com/

Le site de la revue EPIC : https://revueepic.fr/

Instagram de la Galerie Triangle : https://www.instagram.com/galerie.triangle/

Instagram de la revue EPIC : https://www.instagram.com/revueepic/

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1' - La genèse de l’Atelier du Palais, l’atelier d’impression en risographie et la défense de l’auto-édition.

3’10 - Rencontre et collaboration avec Zélia Zinner.

5’48 – Neptune Journal : plateforme pour des photographes femmes et non conforme au genre.

8’40 – La réception du premier numéro et projet du second.

10’55 - La sélection des photographes pour Neptune Journal.

16’ – Zélia Zinner : " Neptune Journal n’est pas une source de revenus, mais une passion ".

21’31 - Le rôle de l'Atelier du Palais dans le projet Neptune Journal.

23’40 - L’accompagnement des photographes à l’Atelier du Palais.

27’10 – Exemple du livre de Simon Bouillère.

33’30 – Autres supports : affiches, jeux, etc.

37’10 - Faire un lieu alternatif associatif : défis et apprentissages.

41’ - Conseils pour les personnes souhaitant se lancer en auto-édition et réaliser une publication collective.

Le site de l'Atelier du Palais : https://www.librairiedupalais.fr/atelier-du-palais/

Instagram de l'Atelier du Palais : https://www.instagram.com/atelierdupalais/

Instagram de Neptune Journal : https://www.instagram.com/neptune.journal/

Instagram du Festival Impulse : https://www.instagram.com/festivalimpulse/

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Kent is an arts writer and Associate Professor at Montclair State University in New Jersey. In this fascinating conversation, we talk about digital culture and emerging technologies. From her love for Proust to how surrealism supported socialism and surveillance capitalism, we delve into how artists use technology in unconventional ways. We also discuss the importance of using the word "image" instead of "picture" when referring to images created by algorithms and the importance of reading and questioning things. Reading (and listening) is a community. Enjoy listening!

Charlotte Kent's website: https://ckent.art/

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2’42 – Childhood with a diplomat father and a film critic mother.

8’15 – We don't like the same art at all ages. She loved Renoir's paintings as a child and now loves landscapes.

9’30 – In college, she studied philosophy, became an artist's model, and began viewing art differently.

10’57 – She went to graduate school to read Proust on art. She was interested in why certain writings about art are excluded from history. She studied 1930s surrealism and its support for socialism.

14’23 – She examined the contemporary period by disrupting art historical discourse.

14’54 – In NY after 2011, a campaign said: If you see something, say something. This worried her as it hindered education, which could teach people to interpret the world visually using art.

17’03 – Artists working on surveillance led her to consider emerging technology. She was interested in unconventional uses of this technology by artists.

20’32 – In 2020, she was unhappy with the NFT conversation as it ignored older practices. The same issue existed with AI, which has been a concern since 2010 due to filter bubbles and algorithms.

25’45 – The 20th century disrupted authority by disrupting historical styles. How is it disruptive to be disruptive now?

27’ – There is a place for new aesthetics because people want to rest their eyes.

35’ – Mobile devices and social platforms influenced photography by allowing many photos and creating styles on platforms like Tumblr, Flickr, and Instagram. We now appreciate selfies' new angles.

43’30 – Many artists ask: why use the media they use? Every medium has its history, politics, social influence, and practices. This is a challenge for artists, who often face questions about their methods.

48’ – She worries when photographers avoid engaging with other practices using technology.

50’30 – With algorithmically generated works, she prefers "image" over "picture" to address the complexities of input, systems, text, tagging, and algorithms. However, discussing photography's role in people's experiences remains essential. How do we manage this for the audience?

55’10 – Reading is important. Reading is a community.

57’45 – She does not believe in the hierarchy of art.

1’02 – Exercise for her students: choose an artwork and view it in person for an hour twice a week for one or two months.

Charlotte Kent's website: https://ckent.art/

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Avec Mélanie Scarciglia et Christophe Boutin, nous avons parlé de livres d’artistes. Nous sommes revenus sur la genèse des deux maisons d’édition qu’ils ont fondées ensemble, Onestar Press et Three Star Books. En parcourant leurs projets, nous avons abordé les évolutions du milieu de l’édition, comme l’arrivée de la technologie print on demand au début des années 2000, qui leur a permis de faire de petites quantités de tirages, mais aussi les premières éditions des foires du livre d’art en 2005, telles que Printed Matter à New York, qui ont aussi accompagné le développement du marché du livre d’artiste. Dans cet entretien, nous avons parlé des multiples qu’ils ont faits : tirages, chaises, étagères, des PDF de leurs livres qui sont disponibles en libre accès et de leur processus de travail basé sur une conversation avec des artistes pouvant prendre jusqu’à 10 ans pour réaliser un ouvrage. Bonne écoute !

Le site de Onestar press : https://www.onestarpress.com/

Le site de Three Star Books : https://threestarbooks.com/

Bénéficiez de 25% de remise sur touts les titres onestar press, pour des commandes supérieures à 100 avec le code promo : LESVOIX.

Le code est valable du 26 Juin au 2 juillet.

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2’30 – Mélanie Scarciglia : des études en histoire de l’art et cinéma.

3’30 – Christophe Boutin : une première carrière dans la musique et en tant qu’artiste plasticien.

6’ – Sa découverte du livre d’artiste : il a développé avec son ex-femme, la libraire Florence Loevy, une activité de self-éditeur.

7’43 – Le premier livre d’artiste chez Onestar Press fut un livre de Christophe, puis il a travaillé avec ses amis artistes.

10’ – Arrivée de la technologie d'impression à la demande qui permettait de tirer des ouvrages en petites quantités.

13’ – Première diffusion de leurs livres à la foire du livre de Francfort en 2000, puis en 2005, première foire du livre d’artistes à NY, Printed Matter.

15’30 – Les premiers acheteurs : un public de bibliophiles, puis les institutions principalement aux USA ont suivi et certaines personnes ont souhaité acheter tous les livres.

Tous les PDF des livres sont accessibles gratuitement en ligne.

19’45 – Les artistes publiés deviennent eux-mêmes des éditeurs en invitant un artiste.

21’20 – Maison de livres d’artistes et de multiples : photos, collages, objets, chaises, étagères.

23’15 – En 2007, création de Three Star Books : le livre n’est plus un geste, mais une vraie conversation pouvant aller de 1 à 10 ans de travail.

26’40 – Leur processus de travail : on peut aller vers les artistes avec une idée technique à tester, ou la conversation peut venir des artistes eux-mêmes.

32’30 – Exemple du livre d’artiste de Cyprien Gaillard au Sri Lanka.

39’50 – Il s’agit de livres qui doivent être accompagnés et ils doivent expliquer comment ils sont faits pour les vendre.

41’40 – Les défis pour les éditeurs de livres d’artistes : ils encouragent d’autres éditeurs à faire des livres d’artistes. Plus l’internet devient présent, plus ce type d’ouvrage devient important, car il existe un contact physique avec le regardeur et les objets.

48’48 – Des conseils pour les éditeurs : il faut avoir un bon comptable et s’entourer des gens qu’on aime.

Des conseils pour les artistes : si les artistes ne trouvent pas d’éditeurs qui veulent les éditer, il faut éditer soi-même. "Il est important de faire des choses qui vous ressemblent et ne pas se laisser faire par l’objet imprimé."

Le site de Onestar press : https://www.onestarpress.com/

Le site de Three Star Books : https://threestarbooks.com/

Bénéficiez de 25% de remise sur tous les titres Onestar Press, pour des commandes supérieures à 100 euros avec le code promo : LESVOIX.

Le code est valable du 26 Juin au 2 juillet.

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« Well Done John est une phrase qu’on peut dire à la fin d’un shoot pour dire « Bravo ! » Avec mes formations je souhaite donner confiance aux photographes. » Laure Bouvet est acheteuse d’art et elle accompagne des photographes dans leurs pratiques commerciales et artistiques avec sa structure Well Done John. Dans cet entretien, on a parlé de ses expériences d’acheteuse d’art chez les agences Fred & Farid et la Chose et en tant qu’indépendante, mais aussi l’évolution de son métier et de ses formations. Elle est revenue sur l’importance de développer une pratique artistique à côté de travail de commandes pour les photographes et de l’IA qui pousse les acheteuses d’art à se réinventer. Bonne écoute !

Le site de Well Done John : https://welldonejohn.com/fr/

Crédit photo : Ilan Deutsch @ilandeutsch. 

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1’ – Une enfance entre la musique et la littérature

4’ – Sa rencontre avec les métiers de l’image en tant que TV producer puis acheteuse d’art chez l’agence de communication Fred et Farid.

5’45 – Qu’est-ce que c’est le métier d’acheteur/acheteuse d’art ?

9’40 – Son expérience chez Fred & Farid pendant 3 ans puis chez la Chose où elle était en charge de créer le département achat d’art et la maison de production des campagnes Print.

13’22 – La genèse et les évolutions de son accompagnement pour les photographes : Well Done John.

23’25 – « Well Done John est une phrase qu’on peut dire à la fin d’un shoot pour dire Bravo. Avec mes formations je souhaite donner confiance aux photographes. »

24’40 – « Les photographes pensent qu’il faut montrer beaucoup d’images alors que les acheteurs d’arts viennent chercher quelque chose de précis. Ils sont obligés de passer par cette phase indispensable, mais en montrant trop d’images, ils risquent d’être dans la catégorie des photographes couteaux suisses. Il est important d’assumer une écriture quand on l’a trouvé. »

31’20 – Les évolutions dans le milieu de l’achat d’art : réduction du délai de recherches de photographes et de shooting et certains briefs n’arrivent plus jusqu’au DA, car ils sont faits en agence grâce à l’IA. Réduction des budgets avec l’arrivée des banques d’images et le droit d’auteur a été mis à mal par internet et par le digital.

35’ – L’IA pousse le métier d’achat d’art à se réinventer.

37 – Que faire pour réussir quand on est photographe ?

-       Développer son travail personnel, car le travail de commande nourrira aussi le travail artistique.

-       Être déterminé et gérer son travail comme des entrepreneurs : capable d’oser démarcher, montrer son travail s’embarquer dans une série avec une écriture originale.

41’ – Il est important de préserver au moins un jour pour la créativité, et pas juste pour créer, mais pour nourrir sa créativité avec d’autres arts.

44’07 – Ses passions en dehors de la photographie : la musique, le cinéma, les classiques de la littérature, le yoga et ses trois enfants.

46’ – Ses conseils pour les futurs acheteurs d’art : rester pédagogue malgré l’appauvrissement des images publicitaires, car les clients prennent moins de risque tout en demandant plus d’images dans des délais courts et faire son métier avec passion sans négliger le photographe au passage.

Le site de Well Done John : https://welldonejohn.com/fr/

Crédit photo : Ilan Deutsch @ilandeutsch. 

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À travers la carrière du directeur artistique François Hébel, on parcourt l’histoire du paysage photographique français de ces quarante dernières années. François Hébel revient sur l’ensemble de sa carrière dans différentes institutions emblématiques de la photographie : directeur des rencontres de la photographie à Arles en 1986-1987 et entre 2001 et 2014, premier directeur de Magnum Photos de 1987 à 2000, mais aussi vice-président de l’agence Corbis en 2000, directeur de la fondation HCB et cofondateur de la Biennale Foto/Industria à Bologne. On a parlé d’innovation dans le milieu culturel et de comment s’entourer de la meilleure équipe pour aller au bout de nos projets. Bonne écoute !

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2’36 – Né dans une famille de journalistes et de comédiens. Des études en communication après un passage à la fac de médecine.

4’26 – « La direction artistique c’est un métier où on passe sa vie à dire « Non » à des projets artistiques. Et quand je disais « Oui », on me disait souvent que je n’aurais pas les moyens d’aller au bout de son projet, mais je répondais au photographe que ce n’était pas leur affaire.

5’18 – Son passage aux galeries photo de la Fnac dans les années 80.

7’- Son premier passage aux Rencontres d’Arles dans les années 80 et ses recherches pour avoir de nouveaux lieux d’expositions.

11’20 – Son rôle en tant que premier directeur de Magnum Photos alors que l’agence était en faillite potentielle. Les projets qu’il a mis en place : relancer l’actualité, numériser les fonds de Magnum, diversifier avec des projets corporates, des bourses et des éditions.

18’50 – Son passage chez Corbis en tant que vice président pour fusionner toutes les rédactions en Europe et son retour aux Rencontres d’Arles de la Photographie en 2001 jusqu’en 2014.

25’30 – Sa philosophie d’ajouter des projets tous les ans (prolonger la durée des rencontres jusqu’en septembre pour avoir les scolaires et mettre en place des lectures de portfolios officiellement) hérités de l’innovation qu’il avait vue à la Fnac.

33’ – Ses conseils pour aller au bout des projets en ayant la meilleure équipe : Prendre des gens balaises pour les postes clefs, s’entourer de gens qui veulent piquer notre place et déléguer.

35’30 – La raison qui l’a poussé à démissionner de son poste de directeur des Rencontres d’Arles et son poste à la Fondation HCB et à la Biennale de Bologne.

50’ - Les évolutions dans la photo :

-       Tous les 10 ans, il y a une transformation technique.

-       Les lieux de débats et d’expos se sont multipliés.

-       Le boom de l’édition : avant un photographe avait 3 livres dans sa carrière en 2000 exemplaire, et maintenant on peut faire son propre livre.

-       Avant le tirage était la fin en soi alors que maintenant il y a plus de formats.

-       Intérêt pour la photographie vernaculaire. 

56’57 – « L’artiste ce n’est pas un marginal, il est au centre de la société. C’est une éponge de son temps et les opérateurs culturels doivent être perméables aux nouvelles possibilités des artistes ».

57’57 – « La plupart des artistes pensent qu’ils sont les seuls à être en dehors du circuit auquel ils devraient appartenir. Ils sont parfois timides et les entreprenants ne sont pas les meilleurs. Il faut oser. On dira non souvent, car cela ne correspond pas à ce que la personne cherche à ce moment-là, mais il faut continuer. »

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« C’est l’écosystème qui me nourrit, ce n’est pas le magazine lui-même. » Avec l’éditeur Benoit Pelletier, je souhaitais qu’on aborde le sujet de l’écosystème qu’il a construit autour de son magazine Process. Dans cet entretien, on est revenu sur ses différents projets de directeur artistique, éditeur et photographe. Ses débuts dans le secteur de la musique classique auprès d’artistes, puis de salles de spectacles jusqu’à ses projets avec des institutions culturelles comme le Musée national de la Marine à Chaillot. Nous avons abordé la genèse de son magazine Process qui a débuté comme un hobby et a trouvé sa place au fil des numéros dans l’écosystème de la photographie. J’espère que cet épisode vous plaira et vous inspirera dans vos projets, bonne écoute !

Le site de Benoit Pelletier : https://benoitpelletier.com/

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2’10 – Son environnement familial, ses études de droit et sa première société dans le secteur de la musique classique.

6’30 – Le moment fondateur où il a fait l’identité visuelle et la photo pour la scène nationale du Manège à Reims.

10’08 – Le développement de sa première structure avec jusqu’à 40 clients en même temps.

12’ – Le fonctionnement des appels d’offres.

15’30 – La genèse du magazine Process comme expression naturelle de ce qu’il a toujours fait : lier le fond et la forme.

20’15 – La séparation avec son associé et l'évolution de ses projets en tant que Directeur Artistique.

27’35 – "Le magazine a un effet vitrine qui peut donner l'envie à des personnes de nous consulter pour des projets d'éditions ou de direction artistique."

28’25 – Ses projets de DA et de création de contenu pour des institutions culturels avec par exemple le Musée national de la Marine, à Chaillot.

30’ – L’exemple de sa collaboration avec Taittinger avec la production de contenu en ligne.

36’26 – Son écosystème : édition / DA et photographie.

45’48 – Les évolutions dans l’édition photo : "Le public est de plus en plus averti et attend d’avoir un bel objet, car il n’y a pas que les images qui comptent." "La perception du prix du livre est toujours inférieure à ce qu'il coûte vraiment."

55’40 – Ses conseils pour faire un magazine : "Il ne s’agit pas d’avoir une bonne idée, mais de l’insérer dans un contexte. Il faut trouver une place qui est la nôtre et se demander ce qu’on apporte."

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Thierry Bigaignon est un galeriste parisien d’art contemporain photosensible et dans cette conversation nous revenons sur le début de sa carrière professionnelle en communication, l’ouverture de sa galerie, les évolutions et particularités de sa galerie qui a une librairie curatée, une veste de galeriste, une identité olfactive et des réserves ouvertes au public. On a parlé aussi des défis qu’il rencontre de renouveler sa clientèle de collectionneurs, son ambition de hisser sa galerie au rang d’un leader et il nous explique pourquoi il souhaite amener la photo vers l’art contemporain. Vous retrouverez aussi des conseils si vous souhaitez lancer votre galerie ou travailler avec un galeriste. Très bonne écoute !

Le site de Bigaignon: https://bigaignon.com/

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1’ – Son environnement familial, sa formation en science politique et histoire et son début de carrière professionnelle dans la communication en Angleterre et Paris.

7’ – Le début de sa galerie : « J’ai arrêté mon agence en communication car j’avais l’impression d’être le seul passionné dans la salle. J’ai décidé de créer ma galerie car dans une galerie, on parle entre passionnés. »

9’10 – Les débuts de la galerie à l’hôtel de Reitz et l’histoire de son exposition inaugurale avec Ralph Gibson.

21’30 – Son ambition : envie de se hisser au rang d’un leader. « Le propre des galeries est d’être des petites entreprises qui agissent comme des grandes. Il existe une dichotomie entre la taille des entreprises dans le marché de l’art et le marché mondial que l’on vise. »

28’- Pourquoi il souhaite amener la photo vers l’art contemporain.

34’ – Une des particularités de sa galerie : une librairie curatée qui se renouvelle tous les trois mois.

44’ – Ses stratégies pour rester pertinent dans le marché de l’art : création d’une veste de galeriste et travail sur une identité olfactive diffusé dans la galerie/librairie et dans les foires.

50’30 – Les défis auxquels il fait face en tant que galeriste :

Mutation des collectionneurs : travail pour se rapprocher des collectionneurs millennials pour maintenir sa clientèle de collectionneurs.

Mutation technologique qui touche le métier de galeriste et l’art lui-même car on est dans une période de changement technologique importante et le galeriste est un passeur entre le monde de la création et les acheteurs.

Instabilité politique. Quand on veut promouvoir des artistes à l’étranger, on doit se poser la question, est-ce qu’on fait les bons choix ?

57’40 – S’il était artiste et qu’il souhaite montrer son travail à un galeriste, il essayerait de faire une liste des galeries qui correspondent à son travail, aller à toutes les expos, comprendre comment la galerie fonctionne et rencontrer les autres artistes de la galerie. Je ferai des expos collectives en centre d’art et je ferai des livres avant même d’être en galerie. Un galeriste ne va pas montrer d’artiste qui n’a jamais montré son travail.

1’00'00 – Ses conseils pour les jeunes ou futurs galeristes : C’est un métier très difficile économiquement et la passion ne suffit pas. Il faut avoir le cœur solide et le sens des responsabilités.

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Pour ce 100ème épisode, je suis ravie d’avoir été interviewée par l’hôte du podcast The Bold Way (Anciennement Entreprendre dans la mode), Adrien Garcia. Nous sommes revenus sur la genèse, les évolutions et l’avenir de mon podcast lancé il y a quatre ans, mes coups de cœur mais aussi ce que je fais pour m’améliorer et mes conseils pour des personnes qui souhaiteraient lancer un podcast. J’espère que cet épisode spécial vous plaira, encore merci à Adrien et bonne écoute !

Le site de The Bold Way : https://www.theboldway.fr/

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2’40 - La genèse et les débuts du podcast en 2020.

7’ – Ce que j’ai compris de l’écosystème de la photographie après 100 épisodes.

9’35 - Les principales évolutions du podcast au fil du temps et les épisodes qui m’ont marqués.

14’40 – Comment est-ce que je fais pour m’améliorer.

17’20 – Le futur du podcast.

25’- Comment est-ce que je mesure le succès de mon podcast.

30’15 – Comment est-ce que je choisis les invités du podcast au fil des années.

33’09 – Qui est-ce que je souhaiterai interviewer.

35’- Mes conseils pour les personnes qui souhaitent lancer un podcast.

Le site de The Bold Way : https://www.theboldway.fr/

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David Fourré, éditeur de Lamaindonne, revient sur l’équilibre entre ses activités aux éditions du Rouergue et ses projets d’éditions. Il nous explique la genèse de sa maison d’édition, son rôle de trouver la bonne forme (en tout cas ce qu’il a compris) d’une série photo puis de faire des choix de formats/papiers/mises en page/place du texte, les actions de l’association qui promeut le livre photo français France Photo Book et ses projets en cours. Avec honnêteté et transparence, il nous a donné des conseils pratiques et a levé des tabous sur le livre photo et son économie. Marché compliqué, car « Très peu de gens achètent des livres photos, mais bizarrement il y a de plus en plus de livres photos et d’éditeurs de qualité ». Bonne écoute !

Le site de David Fourré, édition Lamaindonne : https://www.lamaindonne.fr/

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Et merci au Quai de la Photo (Marion Briffod x Pierre-Yves Mahé) de m'avoir prêté votre studio pour enregistrer cet épisode.

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1’30 – Un amoureux des livres et en particulier des livres de littérature. Sa rencontre avec les éditions du Rouergue et Olivier Douzou.

4’30 – Olivier Douzou lui apprend à considérer le livre comme un terrain de jeu. Pas des contraintes trop formelles. Tant qu’il y a du sens.

7’ – La genèse de l’édition Lamaindonne.

10’35 – Les étapes de création de ses livres.

12’10 – Ce que j’aime ce sont les photos « sales ». Où l’on voit le regard. Il faut regarder au-delà de l’image.

12’50 – Le rôle de l’éditeur est d’essayer de trouver la bonne forme (en tout cas ce qu’on a compris) de la série photo et de faire des choix de format/papier/mise en page/la place du texte…

23’35 – « Un bon livre photo est un livre habité qui ne nous rend pas froids » On travaille avec des séries photos qui font un tout. On ne travaille pas sur une image iconique, mais sur un flux… comme dans un livre littéraire.

26’40 – Très peu de gens achètent des livres photos. Mais bizarrement il y a de plus en plus de livre photos et d’éditeurs de qualité.

27’40 – Les actions de l’association qui promeut le livre photo français : France Photo Book. (Travail auprès du ministère de la culture, diffusion du livre photo français à l’international….)

34’15 – L’économie du livre photo : Faire des livres photo ce n’est pas rentable, car objet très cher à fabriquer (beau papier, photogravure, imprimeur cher, car cher à faire) et petit tirage, car peu d’acheteurs. Les recherches de financements sont essentielles et la plupart des régions aident les éditeurs.

37’ – Un des tabous dans le livre photo : Parfois des photographes payent pour faire un livre avec un éditeur.

37’50 – Une des solutions pour tirer en plus d’exemplaire : faire des livres en co-éditions avec des éditions qui ne sont pas basés en Europe.

39’ – Ses projets d’éditions dans en 2024.

48’48 – L’intérêt des livres photo c’est de travailler à deux : photographe et éditeur.

50’ – Conseils pour des éditeurs : il ne faut pas se lancer tout de suite dans le livre photo en indépendant.

Le site de Lamaindonne : https://www.lamaindonne.fr/

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Brigitte Patient, grande voix de la radio chez France Inter, passe de l’autre côté du micro dans cet entretien. On y a abordé son émission Regardez voir qu’elle a animé de 2012 à 2019, mais aussi son podcast Écoutez voir, podcast produit par wave.audio et ses projets actuels. Elle est revenue sur les ateliers médias qu’elle réalise à l’école des Métiers de l’Information et avec L’œil de l’esprit et de son rôle de vice-présidente du pôle photographique Stimultania à Strasbourg et Givors (réseau Diagonal). Elle nous a parlé des évolutions qu’elle aperçoit dans le photojournalisme et nous a donné des conseils lorsque l’on souhaite recevoir un retour sur son travail photographique. Bonne écoute !

Le site de Brigitte Patient : https://www.brigittepatient.com/

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2’08 – Son enfance dans le Berry, sa première carrière d’institutrice et sa rencontre avec la radio.

6’52 – La genèse de son émission à France Inter Regardez voir de 2012 à 2019.

18’35 – Les dessous de son podcast Écoutez voir produit par wave.audio.

23’ – Ses projets actuels : les ateliers médias à l’école des Métiers de l’information et avec l’œil de l’esprit. Ses portraits sonores dans le cadre du travail de Mélanie Wenger à la prison de Fleury-Mérogis.

29’30 – Son rôle de vice-présidente du pôle photographique « Stimultania » à Strasbourg et Givors.

32’- Les évolutions : sujets de l’intelligence artificielle, le retour à des techniques anciennes et le travail de certaines personnes à montrer autant les femmes que les hommes photographes.

33’ – Les évolutions dans le photojournalisme : « J’ai l’impression que la photo documentaire est en train de prendre le pas sur le photojournalisme. »

44’ – Ses conseils pour s’adresser à un journaliste lorsque l’on souhaite recevoir un retour sur son travail photographique.

Le site de Brigitte Patient : https://www.brigittepatient.com/

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1:20 – Son enfance auprès d’un père distributeur de livres et ses études à l’école du Louvre.

6:50 – Ses premières expériences à la Galerie Maeght et au Salon de l’édition d’art.

18:30 – En 2001 elle rejoint les équipes de l’entreprise Reed exhibition (RX) à la Fiac pour monter un fichiers collectionneurs et leurs faire un parcours. Et en novembre 2001, RX rachète la foire Paris Photo et elle accepte d’être la directrice de cette jeune foire avec deux objectifs : développer le marché de la photographie et s’intéresser aux scènes étrangères.

28:30 – Elle revient sur le processus de sélection depuis le comité la prospection des galeries au Printemps jusqu’à l’événement en revenant sur les choix décisifs de l’implantation des galeries sur le salon

32:15 – Son travail de fond à Paris Photo : créer l’attention du public tout en étant proche des galeries pour en faire venir d’autres. Elle a quitté Paris Photo car elle ne souhaitait pas déménager la foire au Grand Palais pour ne pas perdre de sa qualité car le volume est très grand et qu’elle souhaitait passer la main après sept années.

35:50 – Elle a proposé des développements à l’étranger : New York et Londres avec une édition Paris Photo à Londres en 2007.

39:40 – En 2008, elle rejoint le collectif Magnum pour développer la galerie Magnum. Elle revient sur ses rencontres avec des photographes et son coup de foudre pour le travail de Robert Capa.

54:30 – En 2012, elle rejoint le collectif Temple pendant un an et demi où elle participe à des éditions et des expositions et en novembre 2014, elle est la commissaire du mois de la photo.

1:02:01 – Elle réalise des ateliers avec Eyes in progress en stratégie du développement du photographe auteur en milieu artistique pour aider les photographes à embarquer les outils à leurs dispositions. Mais aussi se poser des questions sur leurs identités, leurs cheminements, les aspects poétiques-politiques et le fond/la forme de leurs recherches.

1:04:01 – Les trois grandes expositions américaines : Family of man – Mirrors et New Topographics.

1:06:15 – « J’adore la matérialité de la photo mais on est à l’heure de la blockchain et de la dématérialisation on va vers une fin de la photo. On est désormais dans l’image. Le livre fait de la résistance. »

1:10:10 – « Un artiste prend des risques et il se questionne sur un chemin qui lui est propre. »

1:11:10 – Ses conseils pour les photographes qui veulent rencontrer des commissaires ou des galeristes.

1:14:15 – Exemple de l’expo Rubis Mécénat durant Photo Saint Germain avec deux photographes sud-africain qui ont parlé de leurs traumas.

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2’- L’origine de sa passion pour la photographie et sa formation

4’ – Ses expériences professionnelles : avec Marc Bruhat au laboratoire Sillages, au laboratoire Contrejour et le lancement de son laboratoire en 1996

6’ – Les évolutions de son laboratoire et l’arrivée des deux autres salariés : Guillaume Fleureau et sa fille Chloé Geneste

7’50 – Comment faire un bon tirage

10’15 – Les relations construites dans le temps avec les photographes (par exemple Bernard Plossu)

11’02 – « On parle de couleur en noir et blanc c’est plus jolie que le mot rendu et c’est plus large que le mot contraste ou le mot douceur qui peut être utilisé pour des raisons différentes en tirage »

12’28 – Un bon tirage est un tirage qui plait au photographe et au tireur

13’50 – Les deux évolutions dans son métier : la vente de tirage de collection et l’arrivée du scanner

18’08 – Les évolutions dans l’édition

20’20 – L’écologie dans son travail

22’40 – Ses autres projets : l’écriture sur la photographie et son association de tireurs (la genèse du projet et les projets en cours)

26 – Ses conseils pour les tireurs

Site de la chambre noire : http://www.la-chambre-noire.com/

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1’15 – « Je me définis avant tout comme une activiste »

2’45 – Ses débuts dans le milieu hip-hop dans les années 90

10’20 – Le passage des mots vers l’image en mouvement via le clip.

16’30 – La genèse d’Afrikadaa et ses évolutions

22’ – La création et les projets de l’African Art Book Fair 

30 – La foire Missread : son rôle dans ce salon et les projets des dernières éditions.

47- La représentation des corps noirs dans la photographie.

50’50 – Son activation de l’exposition de la photographe Zanele Muholi à la MEP avec Marie Docher.

56’40 – Ses conseils pour les photographes et les éditeurs

Site d'Afrikadaa : http://www.afrikadaa.com/

Site d'African Art Book Fair : https://africanartbookfair.com/

Site de Missread : https://missread.com/

Site des Voix de la Photo : https://lesvoixdelaphoto.dorik.io/

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1’ – Une famille d’amateurs et passionnés de photographes

2’30 – Sa formation : École nationale de la Photographie à Arles et des études d’histoires de l’art et d’histoire à l’université de la Ruhr Bochum en Allemagne et en même temps pédagogue à la fondation du Musée Folkwang à Essen

8’20 – Ses expériences professionnelles en Allemagne : enseignant à l’Académie des arts visuels de Leipzig, en charge de la collection photo de la Berlinische Galerie, directeur du Musée de la photographie de Braunschweig et directeur de la collection de photographie du musée Folkwang à Essen

10’ - Son arrivée au Centre Pompidou en 2017 

15’45 – Le métier de conservateur au Centre Pompidou : élargir les collections du musée et monter des expositions

21’20 – Les clefs pour faire une bonne exposition

23’ – Une piste pour faire une exposition plus écologique : faire moins voyager les œuvres et avoir une réflexion sur les scénographies

25’45 – Les projets hors les murs du Centre Pompidou pendant sa fermeture de 2025 à 2030 

29’ – Les acquisitions au Centre Pompidou : les deux comités annuels, le Groupe des Amis pour la Photo du Centre Pompidou, la commission, la réflexion autour des collections et à qui ils achètent

34’44 – "Les galeries doivent devenir plus réalistes par rapport à leurs estimations de prix. Ce n’est plus la situation des années 90. Il faut consolider le marché et accepter qu’on ne soit plus dans cette situation"

39’ – Son regard sur le passé et le futur du milieu de la photographie 

43’10 – Ses conseils pour des photographes et commissaires d’expositions 

Copyright : Manuel Reinartz

Lien du site du Centre Pompidou : https://www.centrepompidou.fr/fr/

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01'30 - Mes projets au Japon : missions en édition de livres, Kyotographie, Villa Kujoyama et écriture d'articles

05'30 - Mes apprentissages sur le milieu de la photo et de l'image au Japon : le marché de la photo, artisan/artiste et l'édition

11'30 - Le futur du podcast

Lien de l'Instagram de Fact.atelier : https://www.instagram.com/fact.atelier/

Lien de la boutique de Fact.atelier : https://www.etsy.com/fr/shop/FACTatelier

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1' - Introduction to Yoshiko Suzuki's photographic journey from her photography studies at Nihon University ...

8' - ... To photojournalism and the TOP Museum

12' - The birth of the museum and Suzuki's role in the archive and as a curator

17’40 – Audience shifting perspectives: from technical focus to artistic appreciation

21’30 – Photography museums: a limited landscape in Japan

31’ – The TOP museum is : 3 news exhibitions each month and a team of 12 curators full-time.

42' - Despite the advancements in IA, she emphasizes the enduring importance of studying the history of photography

TOP Museum : https://topmuseum.jp/e/contents/index.html

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01’40 – Childhood in Post-War Cologne

06’ – Teenage Passion: A Journey into Art Collecting (in particularly Cy Twombly and Joseph Beuys)

11’ – Publisher by Passion: Fostering Relationships with Artists

13’ – The Genesis of His Publishing Company

20’ – His First Book: Collaboration with Bernd and Hilla Becher

28’ – Iconic Encounters: Helmut Newton and Robert Mapplethorpe

32’ – Nick Knight Book

34’ – Yves Saint Laurent: The Story of the Book

45’ – Evolution of IT in Publishing

53’ – Advice for Emerging Publishers

Schirmer Mosel Website : https://www.schirmer-mosel.com/

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